Sumario

Un jugo de espejos entre el pasado de una madura profesora universitaria de literatura y una joven madre vecina de playa y la gestación de una crisis tardía, con la maternidad, los modelos de familia y sus mandatos en el centro de la escena. Gran ópera prima de Maggie Gyllenhaal con una actuación descomunal de Olivia Colman.

Reseña

Leda, una profesora universitaria de literatura comparada (Olivia Colman) concurre a una isla griega para descansar y escribir. La relación con una familia que se establece como vecinos en la playa desencadena una serie de recuerdos respecto de su etapa como madre joven.

Un inesperado suceso que afecta a esa familia, lleva a Nina (Dakota Johnson), la madre joven de ese grupo, a convertirse en un espejo de su propia maternidad en el pasado, con sus semejanzas y diferencias. Maggie Gyllenhaal desarrolla en su ópera prima y guionista (basada en la novela homónima de Elena Ferrante) y con mucha pericia un complejo diálogo entre el presente de Leda y Nina con el pasado conyugal y maternal de la primera.

El presente de Leda luce distendido; es el de una mujer madura, libre y profesional de vacaciones. Pero la historia no avanza tanto por el costado típico de las tentaciones eróticas o románticas (y aquí las hay) de las películas con ese tipo de protagonistas y locaciones, sino que lo hace como un viaje interior de la profesora hacia su pasado y por una serie de decisiones activas respecto de Nina y de esa familia que forman parte de la asordinada y postergada crisis en gestación que desencadenan. Leda no se limita al inicial rol de espectadora que por momentos recuerda al protagonista de Muerte en Venecia.

El pasado de Leda va siendo presentado a través de flashbacks donde vemos a una Leda joven (Jessie Buckley) criar a su dos hijas pequeñas con su marido, en un claustrofóbico ambiente de gran tensión emocional y frustración profesional y afectiva. Hasta que aparece, y en el mismo paquete, la oportunidad de cambiar el estado de las cosas para ella, precedida por un encuentro casual pero de gran impacto a cargo de una intervención tan breve como poderosa de un personaje que interpreta Alba Rohrwacher.

Deliberadamente, Gyllenhaal filma el presente y el pasado de Leda, entonces, en dos tonos diferentes. Uno corresponde al presente aireado y luminoso de la playa griega (pleno de los pequeños y cambiantes gestos de Colman) pero que se va impregnando de signos inquietantes, tanto por algunas decisiones “extrañas” que toma Leda como por las actitudes de Lina y su entorno familiar y por su constante función de espejo no sólo de maternidad en crisis sino de modelo de familia. Es en este presente de una aparente pero amenazante levedad (levedad que incluye a la enigmática Nina notablemente interpretada por Dakota Johnson y su opresiva “famiglia”) donde la película presenta su mayor riqueza narrativa, con una Leda que siempre sorprende y desconcierta (pero al mismo tiempo mantiene su coherencia) y situaciones que coquetean con el thriller.

A ese presente, la directora opone los planos claustrofóbicos de los padecimientos de la Leda joven con su hijas y con un marido débil, para ilustrar el origen de la nueva crisis del presente. Aquí el tono es más dramático (acaso porque debe desarrollarse en menos tiempo), un poco “artie” y con ciertas reiteraciones para remarcar la saturación y frustración de la protagonista en un relato en algún punto previsible (lo cual no necesariamente es un defecto) y se le nota la función “informativa” propia de todo flashback. Esta línea narrativa y su tono me recordaron mucho a la película argentina Por tu culpa, de Anahí Berneri.

Una mención final para la extraordinaria actuación de Olivia Colman, que construye con una precisión de relojería una Leda que a su modo vuelve a padecer su pasado con una curiosa mezcla de culpa, pero también de desafío al presente.

Comento una gran e importante escena en zona spoiler:

https://impresionescinefilas.wordpress.com/2022/01/02/la-hija-oscura-the-lost-daughter/

Sumario


Pocas veces he visto un tratamiento de la maternidad tan elocuente, sobrio y devastador, en esta suerte de obra de teatro a cielo abierto que sin embargo logra, con tan pocos recursos materiales pero mucha creatividad y pericia técnicas, una expresión absolutamente cinematográfica, con una actuación gigantesca de Antonia Zegers.

Reseña:

Luego de un incidente familiar, el hijo pequeño de un matrimonio se pierde en un bosque del sur chileno. Sus padres comienzan a buscarlo desesperadamente.

A medida que transcurre esta notable película iremos develando todos los sentidos de la palabra castigo.
La película de Matías Bize con guion de Coral Cruz está filmada en un solo plano secuencia, por lo que transcurre en tiempo real. El director saca hábilmente partido de ello, sin repetirse en los encuadres. Por esa misma razón, el film constituye un verdadero tour de force actoral, con una actuación descomunal de Antonia Zegers como la madre del niño.

La dinámica de pareja que desencadena la desaparición del hijo se refleja en unos diálogos de una sencillez y profundidad apabullantes y en los silencios, climas e intensidades sabiamente dosificados.

Pocas veces he visto un tratamiento de la maternidad tan elocuente como devastador, en esta suerte de obra de teatro a cielo abierto que sin embargo logra, con tan pocos recursos materiales pero mucha creatividad y pericia técnicas, una expresión absolutamente cinematográfica.

https://impresionescinefilas.wordpress.com/2022/09/11/el-castigo-the-punishment/

Sumario


La serie es una obra maestra de la incomodidad, una comedia dramática que convierte a un exclusivo resort en escenario de una sutil y feroz lucha de clases, una mirada acerca de cómo los ricos conciben el mundo, a través de una serie de apuntes psicológicos, sociológicos e ideológicos por momentos ácidos y desopilantes, pero siempre profundos, que atraviesan los filosos diálogos, los conflictos y las conductas de sus personajes. Un resort donde, además, ocurrirá una muerte.

Reseña

Luego de un prólogo en un aeropuerto de Hawái donde vemos a uno de los protagonistas de la serie solo y el embarque de un cuerpo, la acción es un largo flashback que relata el arribo y la estadía de un grupo de turistas en un exclusivo resort en la isla de Maui, a lo largo de una semana, así como también su interacción con parte del personal del hotel.

Al principio, cuesta ubicarse en The White Lotus, encontrarle el tono y la intención en sus primeros capítulos. Pero luego algo se acomoda y la miniserie y sus personajes nos capturan inmediatamente.

TWL es una obra maestra de la incomodidad, una comedia dramática con diálogos filosos que convierte al resort en un tan sutil como feroz escenario de la lucha de clases, una mirada acerca de cómo los ricos conciben el mundo a través de una serie de apuntes psicológicos, sociológicos e ideológicos por momentos ácidos y desopilantes (y siempre profundos) que atraviesan los diálogos y los conflictos que se desatan entre los personajes y en sus conductas, donde también son relevantes hasta las tapas de los libros que leen en algunas escenas.

El contingente de turistas está conformado por una pareja de recién casados, Rachel y Shane (una notable Alexandra Daddario y Jake Lacy), Tanya, una conflictuada mujer madura que se propone arrojar al mar las cenizas de su madre (Jennifer Cooolidge) y una familia conformada por Nicole, una influyente directora financiera (Connie Britton), su esposo Mark (Steve Zahn) y sus hijos Olivia (Sidney Sweenny, de estacada actuación en Euphoria) y su hermano Quinn (Fred Hechinger, el vecinito de Amy Adams en La mujer de la ventana) con su invitada Paula, una invitada amiga de Olivia (Brittany O’Grady). Del lado del resort, se suman a ellos, entre otros, Armond, su gerente general (un tremendo Murray Bartlett) y la encantadora Belinda, gerenta del spa (Natasha Rotwell).

Una vez inmersos en la dinámica de la serie y consolidada la potencia de sus personajes, amaremos a algunos y detestaremos a otros (o ambas cosas) y rápidamente pasará a segundo plano o nos olvidaremos del cuerpo que aparece en el prólogo; la trama nos captura más como comedia dramática coral que como antecedente de un posible asesinato en un policial (aún más que en Big Little Lies). Es notable la habilidad del director Mike White de orquestar esa coralidad alternando escenas de creciente brevedad entre los grupos de personajes en los momentos culminantes, respaldadas por la banda sonora de Cristóbal Tapia de Veer (Utopía,) que alterna sonoridades primitivas y selváticas con emotivos corales hawaianos y religiosos que acompañan desde situaciones que amenazan con un inminente desastre hasta pequeñas epifanías.


https://impresionescinefilas.wordpress.com/2021/08/10/los-intrusos-the-owners/

Alicia (Cecilia Roth) es una señora de clase acomodada que vive en un piso de la cara calle Posadas en Buenos Aires junto a su marido Ignacio (Miguel Ángel Solá), la mucama cama adentro Gladys (Yanina Ávila) y el pequeño hijo de ésta. La película presenta en forma alternada dos sucesos delictivos que alteran los plácidos días de Alicia: el encarcelamiento de su hijo Daniel (Benjamín Amadeo) por una denuncia de su ex nuera (Sofía Gala) y un segundo crimen que la película irá develando lentamente.

Crímenes de familia es un sólido drama judicial y familiar, con una hábil estructura temporal que genera intriga sobre cuál es el segundo crimen y cómo se desenvolverán las reaccciones y procederes de la pareja protagónica frente a ambas situaciones.

La trama pone en juego varias temáticas, principalmente las de clase y de género y, atravesada por ambas, una reflexión sobre la maternidad o las maternidades.

El equilibrio entre drama familiar, intriga y drama judicial es perfecto, teniendo en cuenta que son dos los juicios que se desarrollan durante la película.

Cecilia Roth compone en forma notable a esa señora "bien", con su mezla de condescendencia, paternalismo y aspereza típicos de su clase frente a la indescifrable Gladys (personaje muy bien descripto y un gran trabajo de Yanina Ávila) y su genuino cariño por el hijo de ésta y está perfecta en su recorrido, exento de cualquier atisbo de melodrama.

En definitiva, una película de Sebastián Schindel (también coguionista) que pone en escena con concisión las múltiples facetas de esta drama puestas en juego.

Cinco graduados universitarios pasan un periodo de prueba en Pierpoint & Co, uno de los principales bancos de inversión de Londres, al cabo del cual sólo uno o dos ellos ingresarán a su staff de manera permanente.

La miniserie no sólo echa una mirada a lo que ocurre dentro de ese tipo de instituciones sino que se mete de lleno en la vida personal de estos jóvenes ambiciosos.

En cuanto a Pierpoint, vemos a los personajes hablar todo el tiempo de operaciones bursátiles y otras transacciones que técnicamente no entendemos (y que no es necesario entender), salvo que se pierden o ganan fortunas en operaciones instantáneas y de comprensión muy lejana del sentido común. Cada uno de los “graduados” tiene un manager y están todos a su vez insertos en una madeja de jerarquías gerenciales complejas y muchas veces en conflicto. Otro aspecto abordado es la relación de los jefes y sus graduados con los clientes y sus cuentas. Si bien exhibe una pátina de informalidad, obviamente el ambiente de trabajo es competitivo y las presiones y el maltrato laboral abundan.

Los graduados son de orígenes y extracciones sociales diversas y esto se aprecia en el otro gran apartado de la serie: sus vidas personales. Si bien compiten laboralmente, forman un grupo social veinteañero y millenial de relaciones cambiantes entre sí, donde abundan el sexo, las drogas y la noche, retratados con franqueza y naturalidad y donde la amistad es una posibilidad.

No soy afecto a las comparaciones, pero por la profundidad con que aborda los vínculos personales y sociales, su relación con lo laboral y la descripción del ambiente de trabajo, la serie recuerda a Mad Men, mientras que la dureza de algunos de sus diálogos remite a Succession.

Industry es de esas series que no para de crecer en interés y complejidad dramática, a partir de personajes muy bien construidos e interpretados, ambiciosos pero inseguros, que configuran un drama coral que destaca a Harper Stern (Miha'la Herrold) como su protagonista, una chica estadounidense, acaso la más arribista, aplicada y capaz de los graduados. Se le suman Yasmin (Marisa Abela) la niña bella, rica y blanca que busca iniciarse “desde abajo” en la empresa y Robert, el muchacho bonito proveniente del interior de Inglaterra (Harry Lowly), entre otros. Y entre los jefes y managers se destacan Freya Mavor como Daria, Ken Leung como Eric y Derek Ridell como Clement, entre otros.

Industry es una serie tan elegante como profunda, cuya banda sonora electrónica (inicialmente algo desconcertante) contribuye decisivamente con sus climas y a definir su espíritu.
En definitiva, una serie sobre la construcción y el ejercicio del poder y que pone en cuestión la meritocracia como vía de ascenso laboral en el ambiente que describe