*Un retrato íntimo de la amistad y la crisis de los treinta

Bajo la dirección de María Ripoll, Nosotros no nos mataremos con pistolas se presenta como un drama íntimo y reflexivo que explora la amistad, la precariedad laboral y el desencanto de la generación millennial. Ripoll, con su estilo sensible y realista, logra capturar la esencia de un grupo de amigos que se reúnen después de años para enfrentar sus miedos, esperanzas y secretos. La dirección de Ripoll es eficaz al equilibrar el humor y la tragedia, creando un ambiente familiar y auténtico que envuelve al espectador en la historia de estos personajes.

*Ingrid García Jonsson y el elenco

Ingrid García Jonsson se destaca en su papel como Blanca, una mujer decidida a preparar su primera paella perfecta mientras navega por las complicaciones de una reunión de viejos amigos. García Jonsson aporta una vulnerabilidad y autenticidad a su personaje, que se convierte en el centro emocional del filme.

El resto del elenco también ofrece actuaciones sólidas, cada uno aportando una dimensión única a la dinámica del grupo. A medida que se revelan secretos y se producen reproches, las actuaciones reflejan con precisión la tensión y la nostalgia que surgen de reavivar viejas amistades. La química entre los actores es palpable, lo que ayuda a transmitir la sensación de un grupo que ha compartido una historia común pero que también ha sufrido la distancia y el tiempo.

*La paella como catalizador de revelaciones

La trama de Nosotros no nos mataremos con pistolas gira en torno a la preparación de una paella por Blanca durante la fiesta mayor del pueblo. Este evento se convierte en un catalizador para que los amigos, ahora en sus treintas y sintiendo que su juventud se les escapa, confronten sus realidades y sus relaciones. La paella se alarga hasta el anochecer, transformándose en un espacio donde emergen secretos, reproches y equívocos.

Nosotros no nos mataremos con pistolas aborda temas como la precariedad laboral, el desencanto y la necesidad constante de volver a empezar, reflejando las luchas de una generación que enfrenta desafíos económicos y emocionales. A través de las interacciones entre los personajes, la película ofrece una reflexión sobre la importancia de la amistad y el apoyo mutuo en tiempos de incertidumbre.

*Un ambiente familiar y auténtico

En términos de aspectos técnicos, Nosotros no nos mataremos con pistolas destaca por su enfoque en la creación de un ambiente familiar y auténtico. La cinematografía es sencilla pero efectiva, capturando la belleza y la melancolía del entorno rural. La dirección de arte y el diseño de producción ayudan a crear una atmósfera que refleja tanto la festividad del pueblo como la intimidad de la reunión de amigos.

La banda sonora complementa la narrativa, subrayando los momentos clave con una musicalidad que resuena con el tono emocional de la película. La edición es fluida, permitiendo que la historia se desarrolle de manera orgánica y manteniendo el ritmo necesario para sostener el interés del espectador.

*Conclusión

Nosotros no nos mataremos con pistolas es una película que, aunque sencilla en su premisa, ofrece un retrato profundo y conmovedor de una generación en crisis. La dirección de María Ripoll, junto con las actuaciones destacadas de Ingrid García Jonsson y el resto del elenco, crea una narrativa que resuena con las luchas y esperanzas de muchos jóvenes adultos.

Esta película se presenta como una obra significativa que combina humor y tragedia para explorar la complejidad de la amistad y la búsqueda de sentido en un mundo incierto. Nosotros no nos mataremos con pistolas invita a la reflexión sobre la importancia de las conexiones humanas y el apoyo mutuo, destacando la belleza de encontrar consuelo y fortaleza en los amigos durante tiempos difíciles.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*La dura búsqueda diaria de la vida

Disco Afrika es un drama con guion de François Hébert, Marcello Novais Teles, Ludovic Randriamanantsoa y del director Luck Razanajaona, que trata sobre el afrontamiento de un joven de veinte años con la dura realidad cotidiana. Kwame (Parista Sambo) huérfano de padre deja la casa familiar para buscarse la vida junto a su amigo Rivo (Dominique Toditsara). Buscan zafiro clandestinamente en las minas fluviales, bateando sus aguas para buscar tan preciado material. Fantasean y sueñan qué harían con el dinero si encontraran un gran zafiro, todo en ellos es alegría e ilusión, a pesar de la dureza del trabajo a escondidas en largas jornadas de día y noche.

Un desgraciado y grave suceso hace que Kwame vuelva a la casa de su madre viuda (Laurette Ramasinjanahary), para ponerse a salvo y continuar la búsqueda de trabajo para ayudar a su familia. Busca desesperadamente empleo hasta que a través de Bezara (Drwina Razafimahaleo) un delegado sindical consigue trabajar descargando sacos de los barcos en el puerto local. El guion está ambientado sobre la actualidad cotidiana en la ciudad portuaria, con una fotografía de orientación documentalista del cámara Raphaël O’Byrne, que pone imágenes reflejando la vida agitada y colorista en las calles de los barrios, mercado local y el puerto.

*Incesante búsqueda de la verdad

Kwame va ganándose la confianza del líder sindical que para asegurarse de su lealtad le hace un encargo especial, aprovechando las relaciones personales del joven con un antiguo compañero de colegio. Le pide que siga y le pase la máxima información sobre Idi (Joe Clarence Lerova) que ahora es rico con sus diferentes negocios poco claros. Las averiguaciones que va haciendo le llevan hasta la popular discoteca Áfrika, local donde el padre de Kwame actuaba como músico cuando el protagonista era un niño pequeño. El argumento enlaza este encargo con el deseo persistente de saber más sobre la muerte de su padre, tema que su madre nunca quiso revelar a su hijo aumentando sin querer su necesidad de averiguar más.

El guion muy bien construido, mantiene la tensión y el interés en esta búsqueda de la verdad que realiza Kwame por distintos motivos y vías. Así consigue localizar y hablar con Babaa (Jérôme Oza) amigo de la familia y compañero del grupo musical en el que actuaba su padre. Con el conjunto musical grabó el único disco que hicieron, “Disco Áfrika”, llevando el nombre del local donde solían actuar frecuentemente. El laberinto de pistas que va recorriendo en paralelo con sus investigaciones, le va adentrando en la verdadera realidad que hay tras los distintos hechos.

*Principales condicionantes del cine africano

Con el avance de las pesquisas, empiezan a aflorar temas relacionados con la corrupción cotidiana en la vida local, surgiendo una tela de araña donde empieza a haber puntos en común que coinciden desde los indicios aparentemente lejanos. El actor protagonista Parista Sambo hace un trabajo sobrio y creíble desde principio a fin de Disco Afrika: una historia malgache, por lo que el jurado le otorgó el Premio al Mejor Actor del 21 FCAT. El resto del elenco actoral está bien dirigido, haciendo interpretaciones complementarias coherentes con el tono dramático de la película. Disco Afrika: una historia malgache es una crítica de las corruptelas existentes en muchos niveles de la vida diaria, que aunque están localizadas en esta película de Madagascar, que también son existentes en algunos otros países del continente africano.

Están normalizadas para una parte importante de sus poblaciones, en las luchas por sobrevivir en el día a día, para huir de las precarias condiciones de vida que hacen afrontar solamente cada nueva jornada desde que amanece. A otra escala el tema de la corrupción también está presente en países europeos, donde las condiciones de vida son mucho mejores. El cine que se hace en muchos países africanos, aunque de menor producción por su débil industria cinematográfica y reducida profesionalización de equipos artísticos y técnicos, sin embargo es muy interesante. Suplen esas carencias con interesantes historias, buenas interpretaciones y con coproducciones de países occidentales para tratar de ser estrenadas más allá de donde se ruedan, superando el gran condicionante de la difícil distribución.

*Conclusión

Disco Afrika: una historia malgache es el primer largometraje del guionista y director Luck Razanajaona, que teje una interesante historia localizada en Madagascar, sobre las duras condiciones de vida que abocan a muchas personas a ser transigentes con la corrupción. Frente a ello el protagonista se mueve en una búsqueda persistente en saber toda la verdad sobre la muerte de su padre, además de colaborar para desentrañar las corruptelas en su entorno. Thriller dramático que mantiene el interés y tensión hasta la secuencia final, con buenas actuaciones y un guion muy bien construido. Justa ganadora del Premio ACERCA a Mejor Película y Premio al Mejor Actor en el 21 FCAT 2024 e igualmente destacada con una Mención Especial en la Berlinale 2024.

Escrito por Fernando Gálligo Estévez

*Sensibilidad y profundidad

Dirigida por Claudia Pinto, Mientras seas tú es un conmovedor documental que nos sumerge en el viaje emocional de Carme Elías, una destacada actriz diagnosticada con Alzheimer tras 50 años de brillante carrera en teatro, cine y televisión. La sensibilidad y profundidad con la que Pinto aborda este tema es palpable en cada fotograma, creando una conexión íntima entre la cámara, Elías y el espectador. Pinto no solo documenta, sino que también celebra la vida y el legado de Carme, transformando su historia en un emotivo pacto de amor y amistad.

*Valentía y vulnerabilidad en el ocaso de una carrera

La intervención de Carme Elías en este documental es tanto conmovedora como auténtica. A medida que la enfermedad avanza, Carme enfrenta su realidad con una valentía y vulnerabilidad que resuena profundamente. Sus intervenciones ofrecen un recorrido íntimo por su vida y carrera, mientras los personajes que ha interpretado a lo largo de los años la acompañan en este trance. Esta mezcla de realidad y ficción crea un juego de espejos poético que difumina las fronteras entre ambas, reflejando la complejidad de la memoria y la identidad.

*Un viaje trascendental y reflexivo

Mientras seas tú es más que un simple documental; es una reflexión profunda sobre la memoria, la identidad y el impacto del paso del tiempo. La narrativa, construida a través de un pacto de amor y amistad entre Carme y Claudia, invita al espectador a explorar la naturaleza efímera de la vida y el arte. A medida que Carme se enfrenta al Alzheimer, el documental se convierte en un testimonio de su último viaje consciente, un trayecto en el que la ficción y la realidad se entrelazan de manera lírica y emotiva.

*Belleza visual y emotividad sonora

Desde el punto de vista técnico, Mientras seas tú brilla con una cinematografía cuidadosamente diseñada que captura la esencia de cada momento. Las imágenes evocadoras, combinadas con una edición fluida, realzan la narrativa y crean una experiencia visualmente impactante. La banda sonora, emotiva y sutil, acompaña perfectamente los momentos clave del documental, acentuando la intimidad y la profundidad de la historia. La elección de la música y el diseño de sonido complementan el tono reflexivo y poético del filme, haciendo eco en el corazón del espectador.

*Conclusión

Mientras seas tú es un documental que destaca por su enfoque sensible y profundo, capturando la esencia de un viaje emocional único. La dirección de Claudia Pinto, junto con la valiente interpretación de Carme Elías, ofrece una mirada íntima y poética a la lucha contra el Alzheimer y la reflexión sobre la memoria y la identidad. Este documental es una obra que conmueve, invitando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza efímera de la vida y la importancia del amor y la amistad en los momentos más difíciles. Mientras seas tú no solo documenta una vida, sino que también celebra la capacidad del arte para perdurar más allá de la memoria, dejando una huella imborrable en quienes la experimentan.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*Daniella, Dominique, Liyah y Koko

D. Smith crea un proyecto descarnado y sin tapujos gracias a un compendio de entrevistas que, sin seguir una estructura lineal, hacen surgir los diálogos bajo un halo de veracidad inaudita. Y pese a ser víctimas de un sistema tremendamente peligroso e injusto, sus protagonistas nunca llegan a victimizarse, porque Daniella, Dominique, Liyah y Koko transmiten con dosis de poesía, reivindicación, crudeza e incluso hilaridad sus vivencias más íntimas. Kokomo City deja patente que el humor puede surgir de experiencias traumáticas como el mejor medio de supervivencia.

Mujeres que son el secreto de muchos hombres. Mujeres que parecen ser parte del problema y no de la solución. Y mujeres trans, negras y trabajadoras sexuales que dentro de la minoría a la que pertenecen deberán luchar por los derechos humanos como si se tratasen de privilegios inalcanzables.

*Al son de Street Life

Kokomo City es calidad en contenido, pero también lo es en forma. Mediante un blanco y negro impecable el proyecto se transforma en una experiencia inmersiva para un espectador que no apartará los ojos de la pantalla desde los títulos de crédito iniciales al son de la canción Street Life. Las voces se acompañan, durante todo el metraje, de una gran selección musical que aumenta con sus letras el poder del discurso.

El documental también se sirve de diversas imágenes recurso para realizar un dinamismo visual que nunca decae. Por lo tanto, no deja de ser sorprendente que D. Smith también sea la encargada de la dirección de fotografía y de un apabullante y frenético montaje. Ejemplo de ello son las hipnóticas escenas de baile a cámara lenta o las ilustraciones florales que embellecen la crudeza de uno de los discursos finales.

*Koko Da Doll

Y sin caer en un sensacionalismo barato, cada palabra de Kokomo City cobra una importancia aún mayor sabiendo que desgraciadamente, tras su estreno, Koko Da Doll fue hallada asesinada con tan solo 35 años de edad. Kokomo City no es un documental premonitorio, sino un recordatorio sobre la necesidad de seguir luchando en un mundo que mira hacia arriba y nunca hacia abajo. Nombres propios que D.Smith encuadra en un marco de situaciones explícitas sin falta de honradez.

*Conclusión

A la hora de valorar un documental dos de los aspectos más fundamentales es que sea informativo y didáctico. Y Kokomo City los tiene. Un ejercicio tan necesario como único en el que la belleza no emborrona la importancia de un discurso complejo de retratar.

Escrito por Néstor Barbosa

*Los graves daños de una violación

The bride comienza con un tranquilo paseo por el campo de dos jóvenes ruandesas, que se entretienen pasando su tiempo cogiendo flores y aguacates, Muhoda Zawadi (Fabiola Mukasekuru) sigue andando cuando mientras tanto Eva (Sandra Umulisa) queda rezagada cogiendo aguacates. Un hombre joven empieza a hablar con Eva siendo raptada por éste y otros cuatro más que se la llevan a rastras siendo finalmente violada. Tras la grave agresión queda muy abatida y triste durante días sin decirle nada a nadie, hasta que acaban enterándose sus familiares, que siguiendo las tradiciones de Ruanda le obligan a casarse con otro joven sin estar enamorada.

Sus sueños de ir a la capital para estudiar la carrera de Medicina quedan rotos y cuando los demás van decidiendo por ella, tampoco se atreve a decir nada ni oponerse. Esta desvalorización y despersonalización de la víctima es común en muchas sociedades de diferentes culturas, y también en el autodenominado primer mundo. La joven traumatizada pasa la mayor parte del tiempo llorando o solitaria encerrada en el dormitorio, mientras los demás hacen caso omiso de su estado emocional hundido. Su madre (Justine Musabyeyezu), su futuro marido Silas (Daniel Gaga), las amistades y vecinas se despreocupan del triple drama que está sufriendo, por la violación, la obligación de casarse y tener que dejar sin cumplir su deseo de estudiar Medicina.

*Cuando se revictimiza dándole la espalda

El montaje de Gashonga Ka Hangu desarrolla ordenadamente la historia argumental de Myriam U. Birara, y de manera precisa sin dejar lagunas para la comprensión. Todo el entorno de la joven va tomando decisiones y actuando al margen de ella, por lo que es victimizada de manera continua. Entre tanta deshumanización cercana, solo encuentra desahogo, comprensión y consuelo en una prima del futuro marido, (Aline Amike), que acaba convirtiéndose en su confidente. A través de la prima va conociendo los sucesos traumáticos que ocurrieron en la familia de su marido, que dejan impactada a Eva al enterarse.

Hay un buen retrato de la situación emocional del bloqueo emocional consecuente al estrés postraumático característico de las víctimas de agresiones sexuales. Como en muchas situaciones parecidas reales hay una casi total falta de empatía de la mayoría de las personas cercanas a las víctimas de agresiones de cualquier tipo. El guion de The bride destaca por su enfoque realista, sin sentimentalismos ni tampoco cae en el melodrama superficial. A destacar la gran interpretación de Sandra Umulisa que interpreta al personaje principal de Eva. El resto de actores y actrices resuelven adecuadamente sus papeles, pero sin llegar al nivel de calidad de la protagonista principal.

*Problemas principales del cine africano

Películas como The bride son muy necesarias para seguir concienciando sobre los estragos que causan los abusos y agresiones sexuales a cualquier edad y en todas las sociedades. Con pequeñas diferencias entre los contextos geográficos donde suceden, los daños psicológicos y secuelas de los delitos sexuales tienen mucho más en común de lo que la mayoría de las personas creen. El cine africano en su mayoría es mucho más variado de lo que se suele considerar, casi siempre está muy condicionado por reducidos presupuestos económicos. Una patente falta de infraestructura industrial, escasez de especialistas técnicos e insuficiente retribución económica de sus actores y actrices.

Durante el colonialismo de Europa no se hizo un cine propio en la mayoría de los países africanos, limitándose a hacer películas estereotipadas realizadas por los países dominantes. Tampoco hubo interés por crear una industria cinematográfica básica en las colonias. Tras la independencia en muchos países africanos se está desarrollando poco a poco una incipiente pequeña cinematografía local con directores que han estudiado fuera.

Después de la generación de directores pioneros, a partir de las décadas de los años 80 del siglo veinte han comenzado a salir jóvenes que continúan la labor iniciada por sus predecesores. Aún teniendo un nivel medio notable sin embargo tienen sin resolver el gran problema de una mayor y mejor distribución fuera de sus países y a nivel mundial. Películas como The bride y otras muchas programadas en el 21 FCAT, destacan por un nivel alto de calidad artística y técnica, con argumentos bien construidos, que reflejan las preocupaciones y problemáticas actuales así como sus aspiraciones y deseos de mejores vidas.

*Conclusión

The bride (La novia) es la primera película de la guionista y directora ruandesa Myriam U. Birara, destacando por su buen guion detallado que muestra las distintas reacciones tras una agresión sexual. Centra su mirada descriptiva y vivencial, principalmente en la protagonista Eva, muy bien interpretada de manera realista y creíble por la joven actriz Sandra Umulisa.

El resto de los personajes adecuadamente interpretados, están ajenos al dolor y sufrimiento, por su gran falta de empatía emocional y respeto por la víctima. Solo la prima del futuro marido facilita el desahogo emocional de la víctima, siendo su confidente en su triple drama emocional. El final está bien resuelto sin acabar en concesiones facilonas ni melodramáticas.

Escrito por Fernando Gálligo Estévez