El documental de Gonzalo Herralde no tiene nada que envidiarle a la oleada de docus true crime que invaden las plataformas de streaming como Netflix. Aquí en España también hacemos buenos true crimes y el primero de nuestra historia cinematográfica fue una pieza pedagógica y crítica, que le daba voz al propio asesino.

Ponerle un micrófono al asesino, y dejar que se explaye, es una decisión que marca el camino de este documental. El asesino no es uno que quiera recordar sus crímenes para rememorar buenos tiempos. Mira al pasado con criterio y busca conocerse a sí mismo. El asesino de Pedralbes quiere saber la razón de sus actos, quiere mejorar y le tiende la mano a la sociedad en busca de ayuda.

El asesino de Pedralbes deja claro en este corto documental, acompañado éste por las voces de los vecinos: típicas abuelas de tu pueblo o niños y niñas que ves por las calles, que el asesinar no te quita la condición de ser humano. El valor pedagógico y sociológico de este documental es incalculable, y nos sirve para romper los mitos tan atroces que se pueden escuchar en casas corrientes.

¿Metemos a los presos en la cárcel para alejarlos de la sociedad? ¿Sirven las cárceles para reinsertar? ¿Usamos las cárceles como campos de trabajo y explotación para gente de clase baja? ¿Cómo se hace un asesino? ¿Si les denegamos los derechos humanos a un preso, eso nos hace mejores o peores que ellos? Este documental te ayuda a reflexionar sobre todas esas cuestiones y más.

Los conciertos o festivales a los que acudimos siempre se guardan en nuestra memoria de manera idealizada. Música, baile, ruido, gente, algún amor o beso. No cabe sitio para la reflexión, simplemente se vive el momento. Recordamos nuestra experiencia y la adornamos omitiendo aquellos detalles que podrían convertir aquel bonito recuerdo en una historia de terror. Woodstock 99: Peace, Love and Rage es ese mazazo a la memoria de los que acudieron al susodicho festival.

El director de esta orquesta de rock, sexo, drogas y demás locuras inimaginables es Garret Price. El mayor logro del documental no es la perfecta combinación de imágenes de archivo, música y voces de los participantes. Un ritmo frenético que conduce al espectador por las corrientes deseadas para al final tirarlo de cabeza al fondo del pozo, allí acaba encontrando, perfectamente organizado por Price, el horror de este festival y de la sociedad norteamericana. Lo que hace especial al documental es su valor periodístico.

Woodstock 99 fue un festival donde acudieron mujeres, hombres negros, músicos, alcaldes, famosos y multitud más de gente. Pero el espacio donde se celebró el festival se llenó del ser dominante en la sociedad estadounidense: el hombre blanco. Adolescentes y jóvenes adultos de entre 20 y 30 años que venían de buena familia (y otros no tanto) que buscaban divertirse y romper con la sociedad que los rodeaba. El documental logra una mescolanza espléndida a la hora de contar el relato de terror del 99 dándole voz tanto a esos hombres blancos como a las mujeres, personas afroamericanas, músicos, periodistas o a los propios organizadores del festival. Todas las voces en un mismo documental: se contradicen y concuerdan constantemente, siendo siempre apoyadas por la profesionalidad y rigurosidad de las imágenes de archivo o datos ofrecidas por el director.

Un documental sobre el pasado que les da voz a los y las que pensaron y vivieron aquello sin olvidarse en ningún momento de los datos objetivos o las voces expertas. Es un logro impresionante y muy bien llevado.

Para descubrir el relato de terror que narra Woodstock 99: Peace, Love and Rage, disfrutad de su metraje porque es uno de los documentales más interesantes del año.

Peter Watkins narra, desde su estilo falso-documental, una trágica odisea de represión y contracultura. La técnica usada del falso-documental busca sumergir al espectador en una situación violenta y hacerlo reflexionar sobre la realidad que lo rodea fuera de la pantalla.

Punishment Park se basa en el ejercicio de ejecución de una ley. Dicha ley permite a las autoridades detener a toda persona que suponga un riesgo para la seguridad nacional. Esta ley está englobada en el contexto de la Guerra de Vietnam y el miedo a una invasión comunista que acabe con el "american way of life". Nixon como presidente busca detener a aquellos manifestantes rebeldes que alzan su voz contra su gobierno y los Estados Unidos.

El contexto de la película, el propio Punishment Park, no existe, pero la ley sí. Los personajes no están basados en personas reales, pero sus testimonios sí son reales. La actuación de la policía en esta ficción es brutal y en la realidad también lo es.

No todo es ficticio. Recordemos que en esta llamada democracia liberal, la norteamericana, hay gente que no se puede permitir una vivienda, hay millones de personas pasando hambre, hay gente que es perseguida y asesinada por su color de piel. La policía ha asesinado a niños afroamericanos, ahogado hasta la muerte a negros pobres o encarcelado a inocentes de por vida. ¿Qué quiere decir esto? Que la película usa una narrativa de ficción para denunciar hechos que ocurrían en aquel entonces y siguen ocurriendo ahora. ¿Es violento el manifestante pobre, harto y cansado que tira una piedra o el sistema que mata de hambre a sus niñas? Esta narrativa nace de las entrañas y el odio del realizador hacia el sistema, dicha valentía y más que correcta ejecución realista y natural con su cámara, logra crear un ambiente de terror propio de una sociedad totalitaria. Si bien es cierto que Estados Unidos no es la Alemania nazi, sí hay nazis en muchas instituciones estadounidenses.

Peter Watkins no miente al ser visceral, simplemente emplea una cámara espectadora ante la crueldades del mundo que ve a su alrededor, plasmando estos hechos crueles en una ficción que busca englobar el terror que sufren los desposeídos, los universitarios pacifistas, los anarquistas, los negros, las mujeres, los comunistas e incluso aquellos alienados y defensores del sistema o de sus métodos de represión. Nadie se salva en un sistema que se posiciona contra la vida.

Hugh Jackman protagoniza esta cinta neo-noir dirigida y escrita por Lisa Joy, co-creadora del western futurista Westworld y muy cercana a la ciencia ficción de los hermanos Nolan.

Reminiscencia es la "acción de recordar eventos y experiencias pasadas". La película materializa ese significado y lo convierte en una posibilidad real y aumentada de revivir la memoria. Nick Bannister (Hugh Jackman) es un detective privado que controla un negocio donde ayuda a sus clientes a rememorar eventos específicos de sus pasados. Una tarde de verano, un amante, un momento, un instante. Bannister recibe un día la visita de Mae (Rebecca Ferguson), una mujer que busca recordar, de manera apresurada y sin cita previa al consultorio de Bannister, el lugar donde dejó las llaves. El visionado de la memoria de Mae hace que Bannister se sienta extrañamente atraído por ella y por su voz. La voz de Mae es el desencadenante de la trama, un camino que llevará a Bannister a descubrir la verdad detrás de la misteriosa figura de Mae y a nosotros/as, los/as espectadores/as, a entender el futuro que retrata la directora, Lisa Joy, de la decrépita Miami del futuro.

Miami es la ciudad protagonista, casi un personaje más, una presencia constante. La ciudad está inundada por la subida del nivel del mar. Las graves consecuencias del cambio climático, advertidas por los expertos fuera de la pantalla, se plasman de manera real dentro del celuloide. Calles llenas de agua, barcos como método de transporte normalizado, una ciudad que vive de noche y duerme de día. Un futuro desesperanzador donde los ricos pueden vivir en zonas aisladas, sin agua, y los demás, los de abajo, sobreviven como pueden en la pobreza inundada.

La película es un interesante ejercicio de lucha de clases donde la voz en OFF del protagonista, recurso que normalmente es denostado por los puristas del cine y poco comprendido por los mismos, aporta información esencial para entender este neo-noir novelizado, su ambiente y el futuro que nos espera. La voz de Bannister (Hugh Jackman) es un elemento fundamental que nos narra las excentricidades, locuras y crueldades propias de los ricos y de las ratas.

Cine de matices; una película de ciencia ficción que no busca ser una salida de nuestra rutina diaria, una escapatoria, sino un más que seductor proyecto que repiensa conceptos tradicionales como el de la femme fatale buscando darle un significado más profundo. Trabaja con ideas como el de la memoria para, dentro del futuro desesperanzador en el que se mueve, intentar transmitir algo de luz. No cae en el drama romántico cutre de final feliz, sino que actúa con elegancia ante ello. Falla en el tratamiento de ciertos personajes, pero no por ello deja de ser una buena película para disfrutar y reflexionar.

The Green Knight es ante todo una epopeya visual que disecciona la figura caballeresca de uno de los personajes más importantes de la mitología celta. Pero no es un relato medieval al uso, sino que está lleno de matices que enriquecen tanto su narrativa como el significado de sus imágenes.

David Lowery dibuja en esta película, con su habitual cuidado a la hora de componer planos, un mosaico épico de imágenes envueltas en fantasía. La narración del guion, también de mano de Lowery. es sosegada y compleja, hilvanando a la perfección el dialecto antiguo del inglés y la construcción de su personaje principal. El viaje del héroe estará aquí plagado de preguntas para que tanto el protagonista como el espectador puedan determinar la esencia de un caballero. ¿Qué alberga el corazón de un caballero, y por tanto le da forma a su alma?

La inmensidad de las imágenes y planos construidos por Lowery requieren de una pausa para admirar la belleza de un paraje natural atravesado por los elementos fantásticos más clásicos, y en ocasiones inesperados. La pausa y el ritmo tranquilo son dos de los elementos clave para disfrutar de este relato, nada complicado de entender, pero con una visión compleja sobre la leyenda de Sir Gawain.