Mick Jackson, director británico del soberbio drama postapocaliptico, "Threads", (1984) y el blockbuster menor, "Volcano", (1997) actúa como director de encargo tutelado por Kevin Costner y Whitney Houston: el dúo calavera rescató el guion original escrito por, un nada más y nada menos que, Lawren Kasdan en los años 60's, (originalmente se quería haber rodado la cinta con Steve McQueen y Diana Ross).

El ejercicio de perversión es de tal magnitud, que la cinta no se oculta bajo las mangas el denodado carácter mercadona a la hora de vendernos a la artista del momento: Whitney Houston y a la estrella recién multioscarizada por "Bailando con Lobos": Kevin Costner.

El dúo diabólico se encarga de liderar un elenco de maniquíes, todos ellos vendidos al mefistofélico servicio del autobombo y lucimiento egomaníaco de ambos: primeros planos de ambos, continuos videoclips dentro del propio videoclip de 2h horas que es en sí mismo la película: todo demasiado arquetípico, edulcorado con canciones pop tardo ochenteras y un tufo a lo Michael Bolton que cuesta no morir de sobredosis de insulina.

La historia ya la conocemos, (sobradamente parodiada): megaestrella es acechada y amenazada de muerte por un fan psicótico que se dedica a realizar llamadas obscenas, cartas amenazantes y demás conductas parafílicas que atormentan la, ya de por si, frágil estabilidad emocional de la supuesta artista torturada.

Costner es el machote contratado para velar por la seguridad de la artista y durante el periplo, surge la chispa del amor entre los dos: nunca hubo en un filme tanta falta de química y parodia de un relación romántica forzada por la obscena obsesión de firmar el mega taquillazo navideño del 92's.

Porque, si bien la cinta fue descuartizada de arriba a bajo por la crítica, (razones no les faltaron) el público fue en masa a verla en los cines, recaudando la friolera de 410 millones de dólares, (eso sin contar con las brutales ventas de su banda sonara que convirtieron en millonaria a la Dolly Parton: la verdadera autora de la canción escrita en los 70s "I Will Always Love You" y que hoy engalana los platós de medio mundo con artistas amateur haciendo la enésima versión de turno del hit romántico.

Como único aliciente, hoy por hoy, la cinta es quizás un fiel reflejo de lo atormentada que fue la vida de una cantante soberbia con una belleza que deslumbró al mundo entero, (incluido Bin Laden, que la tenía como amor platónico) tras la cinta y su brutal éxito, Whitney Houston se casó con el heroinómano y violento Bobby Brown. Y si bien es cierto, que cuando un artista musical lograr traspasar al celuloide y con ello, consagrarse. Whitney no logró repetir el éxito y se sumergió en un infierno de drogas y autodestrucción que irían apagando poco a poco la llama de una voz incontestable: falleció de sobredosis en 2012 y su hija Bobbi Kristina Brown se le unió poco después debido a las mismas causas.

Por tanto, "El Guardaespaldas" puede tomarse como la crónica de una muerte anunciada. Un producto de marketing perfectamente elaborado e ideado para asaltar todas las taquillas del mundo. Pero cuando las taquillas se apagaron y otras artistas del género como Mariah Carey afloraron, con ellas también se desvaneció el brillo y talento de una voz única e irrepetible, (independientemente de que te atraiga el pop-soul o no)

A modo de curiosidad, se barajó la posibilidad de rodar una secuela protagonizada por Costner y Lady Di, pero el repentino asesinato de ésta última, truncó los planes de llevarla a cabo.

"La Muerte ataca Nueva York", ( Breeders, Tim Kincaid) es una cinta que de forma no oficial, conforma junto con Robot Holocaust, Mutant Hunt y Superhuman la tretralogía del horror sexual y viscoso, paradigma de cine Serie B por antonomasia: bajo presupuesto, argumento casposo, desnudos gratuitos, gore, violencia y efectos especiales apañados e ingeniosos que no ocultan el cariz inofensivo y hasta cómico del propio género.

Sin embargo, "La Muerte ataca Nueva York" es en suma, una orgía de todo lo anterior llevado al límite de lo que el paladar de los no avezados en el género podrán soportar.

No en vano, Kincaid escribió y dirigió a finales de los años 1970 una trilogía de filmes gais para adultos de gran influencia bajo el nombre de Joe Gage. Esta serie de películas se suele denominar como “The Kansas City Trilogy” o “The Working Man Trilogy” (la trilogía de los trabajadores). Los filmes, Kansas City Trucking Co., El Paso Wrecking Corp. y L.A. Tool & Die fueron elogiados por la consistente descripción de sexo homosexual entre hombres rudos y muy masculinos provenientes de entornos obreros y rurales, descrito como relaciones entre iguales lejos del frecuente estereotipo de los gais urbanitas y afeminados y de los roles de dominante y sumiso.

Es a mediados de la década de los 80s, cuando Kincaid sorprendió a la industria pornográfica al abandonar su carrera de director de cine para adultos y contraer matrimonio con Cynthia DePaula, con quién tiene dos hijos. DePaula también ha sido productora de alguno de sus filmes convencionales, películas exploitation de bajo presupuesto escritas y dirigidas por Kincaid, como la cinta que aquí nos ocupa. Filme, producido por el notable productor exploitation Charles Band, eran realizados con una producción muy limitada y acabaron, en muchas ocasiones, estrenándose directamente en vídeo. A pesar de esto, las películas de esta época de Kincaid son admiradas por muchos seguidores de la serie B, que destacan los valores camp que representan y la calidad de los guiones y los irónicos diálogos de bajísima prosa que las han convertido en objeto de culto.

Es por ello, que "Breeders / La Muerte Ataca Nueva York" es hoy día una joya del descarriado género del horror ochentero, a saber: en las calles de Nueva York, vaga un ente cuya identidad es imposible de determinar pues tiene la habilidad de mutar de aspecto: puede ser un amable anciano o un fotógrafo pasado de coca. El modus operandi es siempre el mismo: la criatura se gana la confianza de sus víctimas, (todas jóvenes y vírgenes) a las que viola y lanza ácido.

Si bien es cierto que las interpretaciones, efectos especiales y argumento, son delirante per se, no es menos cierto que la cinta tiene un cierto aire Hammeriano, sobre todo en su último tercio y aunque los desnudos son estrafalarios, casposo y peludos, el espectador desea conocer qué o quién es la criatura que se dedica a desvirgar con ácido a jóvenes, (y no tan jóvenes) lechales.

A ratos ridícula, siempre desagradable: Breeders es un clásico más de esa mina de cintas imposibles que se perpetraban en los 80's y que hoy día serían impensables si quiera en el circuito streaming.

Como curiosidades:
- La cinta cuenta con un sorpredente remake, (Paul Matthews, 1997)
- El videojuego de los años 90's Duke Nukem hace sendos homenajes a la cinta: vixens profanadas por purulentos alienígenas igual que en ésta película.

El cine de acción de los 90's, entendiendo como tal, una evolución más seria del género ochentero por antonomasia con todo su psicotronismo y tufillo a serie b auspiciados por Carolco o la Canon; dieron como máximas expresiones un cine palomitero de calidad y que se tomaba en serio a si mismo: "Mentiras Arriesgadas", (James Cameron, 1994) Terminator 2, James Cameron, 1991) pero Renny Harlin, (director del megafracaso que hundió a Carolco: "La Isla de las Cabezas Cortadas") consiguió firmar una cinta plena de acción, frenesí, ultraviolencia y, por supuesto, muchísimo entretenimiento.

"Máximo Riesgo", es quizás, una de las mejores películas de Sylvester Stallone: actor deplorable tanto en el plano artístico como personal, (directores, compañeros de reparto e incluso hasta fans hablan pestes del divo que trata a todos los que le rodean como mierda) pero que aquí venía de sendos y terribles fracasos que no hacían más que baticinar el desierto por el cual transitaría el italoamericano durante toda la década de los 90's y los 00's hasta regresar a la palestra por todo lo grande con "Expandables" o los reboots de "Rocky" (Creed).

A decir verdad, Sylvester Stallone siempre vivió la década de los 80's como la versión Aliexpress del Austriaco: Schwarzenegger recaudó diez veces más con tan sólo tres películas en los 80's, (Conan, Terminator y Depredador) actor que parecía haber sido tocado por un aura divina que le daban mejores oportunidades: no es lo mismo visionar "Cobra" que, por poner un ejemplo, "Desafío Total". Las películas de Schwarzenegger contaban siempre con muchísima más calidad fílmica y presupuesto, (dentro de lo que puede dar de sí el género y el propio actor)

Pero "Máximo Riesgo" es, sin lugar a dudas, la mayor aproximación del equino ciclado a los estándares de cine megataquillerio protagonizados por el austríaco: la película es impresionante, excelentes efectos especiales, localizaciones y planos secuencia que aun hoy siguen siendo sobresalientes y memorables.

Y aunque la película no deja de ser una cinta de acción al uso, con todos sus clichés, (los malos son tan cabrones que se ríen hasta de su sombra, son una parodia ultraviolenta y salvaje de todos los villanos ochenteros: excelente John Lithgow: el líder de una panda de hooligans adictos a la violencia) y su esperado final. El espectador no puede dejar de mirar todo el espectáculo de salvajismo sin cuartel: hoy día ésta película estaría censurada de arriba abajo, por su vocabulario y escenas de un mayestático hijodeputismo adictivo: queremos que Walker se vaya cargado uno a uno a todos los villanos, sin piedad y la película juega a ese servicio: no sólo nos entrega escenas memorables si no que "Máximo Riesgo" es un digno alegato del cine de acción en todo su esplendor, con sus taras, filias y fobias: es incontestable su capacidad por entretener y aguantar el paso de los años con tanta dignidad.

En definitiva, aunque "Máximo Riesgo" no fue el último taquillazo del equino Stallone, (Demolition Man, Juez Dredd, El Especialista) sí que fue el canto de cisne de su carrera porque se limitó a hacer su trabajo sin avasallar al resto del elenco y todo lo que vino después fueron cintas directamente estrenadas en video.

En el «Laus Spaniae», los Godos elogiaban de una forma tozuda, cuasi obsesiva las tierras que hoy forman España. Su retrato, es tan vívido y obstinado que explica muchas de las obsesiones de los distintos pueblos de España por dominar su terruño, no siendo menos, la hermosa tierra euskalduna, excepción a semejante declaración de amor.

Sin embargo, la realidad vasca es un poco más sesuda y compleja frente a la acomplejada España: la dispersión poblacional en pequeñas localidades incrustadas en mitad del monte, la mentalidad ultracatólica subyacente y cerrada del euskaldún junto con el clima lluvioso, opresivo, moralista de un carlismo soterrado bajo katxis de kalimotxo, la cuadrilla de amigos, los porros y el efímero rock radical vasco... Dan como resultado una sociedad netamente violenta: por algún sitio tiene que estallar tanta mierda en el cerebro.

En el fondo, en el Euskadi de los años de plomo, si eras un imberbe jovenzuelo que se matabas a pajas con las bragas de la vecina, siempre carente de alternativas para destacar frente al rebaño en tardes baldías de lluvia y zascandileo de txozna en txozna, lo más probable es que acabaras en uno de estos dos sitios: A) Militando en la Kale Borroka para destacar en algo siendo el malote del pueblo. B) Carcomido por la heroína aburrido de pagafantear en los txokos.

Ahora bien, "Patria" se ha encaramado como el azote de los demonios de esa sociedad fracturada: verdugos y víctimas son sentados frente a frente, como si estuvieran asistiendo a una sesión de psicoanálisis para intentar digerir tantos años de odio hueco, racismo y xenofobia alentada desde arriba por la abyecta burguesía Guipuzcoana.

Dos familias enfrentadas, manipuladas y destrozadas cuyos sinos se entrelazan a lo largo de los años, aflorando sus tragedias, su dolor y devastación por la ideología baldía de la amedrentación, el acecho, el acoso, el terror y la muerte. Siempre en busca del chivo expiatorio.

La "Patria" de HBO es un perfecto retrato de Euskadi: una sociedad esquizofrénica, que no sabe si ama o espanta, ungida, paradójicamente, a la sombra de lo peor de los demonios internos españoles, (franquismo, intolerancia, cainismo, envidia, irracionalidad) pero de cuyas coces al tramontano viento, han dejado un inenarrable reguero de víctimas y victimarios.

Es por ello, que "Patria" aun con su equidistante, condescendiente y, a veces, incómodo oscurantismo, ofrece un relato fiel de aquella sociedad hedonista y autocompasiva que, de tan chapada a la antigua, siente vergüenza de sí misma y se ve necesitada de pasamontañas, bombas lapa, cócteles molotov y el tiro en la nuca para, primero, fingir una espasmódica rebeldía en un acto de sobreactuación ocultadizo, huidizo de ese primordial secreto a voces: que en el País Vasco se folla poco y mal, (Lendakaris Muertos) y si quieres mojar, tienes que alistarte en alguna de las sectas ideológicas financiadas con el dinero público de los curritos maketos españoles, no vaya a ser que Aitor se despierte de mal humor y deje caer el Aizkorri, allende se ocultan los últimos gudaris de Euskal Herría, (sic)

En resumen: una serie criticada por el rancio abolengo español- euskaldún: no puede ser mala de ninguna manera. Plenamente recomendable.

El año: 1501; el lugar: Norte de Italia, (aunque enteramente rodada en España: Belmonte, Cáceres, Cuenca y Ávila) una Italia de nuevo azotada por la guerra, el hambre y la pesta. La muerte se abre paso entre las entrañas de una sociedad ultrajada por la miseria, la violencia y la amoralidad más descarnada y depravada.

Nadie como Paul Verhoeven para reflejar ese marco histórico brutal, cruel, feroz, bárbara, ultraviolenta y escabrosa de la sociedad post-medieval: la cinta es un relato de aventuras sin edulcorantes, su director busca remover la intestina carcoma que plaga nuestras consciencias sobre una época oscura cebada de maldad y horror: violaciones, prostitución, cinismo y supervivencia.

Aunque fue duramente criticada, (como todo lo que ha firmado el holandés) la cinta es un puñetazo encima de la mesa, a ratos es una película de aventuras con sus héroes y antihéroes y por momentos resulta un documental hardcore de aquellos aciagos años.

Guste o no, "Los Señores del Acero" es una gran obra, soberbiamente realizada que no busca agradar al espectador, aunque éste goce o se horrorice de un retrato obscenamente gráfico, no está demás valorar la obra como una gran cinta de aventuras para adultos con personajes adustos, aviesos cuasi esquizofrénicos que levitan entra la tiranía de sus instintos más inmundos y la expiación y postrimera redención final.

Por tanto, "Los Señores del Acero" puede ser considerada hoy día una de las mejores representaciones de la sociedad medieval europea junto a cintas como "El Último Valle", (James Clavell, 1970) o la siempre apetecible y muy onírica y surrealista, "The Navigator: A Medieval Odyssey", (1988, Vincent Ward),

En definitiva: una obra imprescindible, aun con sus tropiezos, es plenamente degustable con suma e impía delectación verhorveniana.