La cineasta, fotógrafa, bailarina, archivista y profesora neoyorquina radicada en Los Ángeles, Amy Halpern, quedó injusta e inexplicablemente marginada del canon de la escena vanguardista. Finalmente su muerte en el 2022 contribuyó a otorgar a su obra el reconocimiento que merecía. Sus películas (1952-2022) son abstractas por su preocupación por la luz, el movimiento y el medio cinematográfico, pero también humanistas por sus elementos y temas. La idea que persiste a lo largo de su trabajo es que la liberación de las restricciones sociales, políticas, psicológicas, perceptivas, e incluso corporales es posible. Comprometida en fomentar una mayor difusión del cine abstracto, Halpern co-fundó dos cooperativas de proyección: el New York Collective for Living Cinema (1972-1982) y Los Angeles Independent Film Oasis (1975-1980).

Halpern colaboró como directora de fotografía y gaffer en muchas películas, incluyendo The Decay of Fiction de Pat O'Neill, My Brother’s Wedding de Charles Burnett, Breaking The Maya Code de David Lebrun y el recién completado Dance of the Maize God (también conocido como Out of the Maya Tombs). Halpern trabajó en la década de 1970 con el New York Apparition Theater de Ken & Flo Jacobs, una compañía de juegos de sombras en 3D.

En Falling Lessons hasta 200 rostros transitan por la pantalla junto a otros retratos de animales, lugares y estos. Aunque el título anuncia caídas, los fugaces rostros aparecen y desaparecen como centellas en panorámicas o travellings irónicamente ascendentes. La película juega con una poética formal y sintética, un protagonismo colectivo y abstracto, un montaje rítmico y el uso ingenioso de la lente volteada. Situada en la mitad de sus cinco décadas de profesión, Falling Lessons (1991) reúne los elementos esenciales del personal estilo de Halpern: una economía de los recursos y una libertad expresiva del lenguaje cinematográfico. Aquí indaga en el misterio del retrato personal y espacial, en el potencial hipnótico de la mirada, como en The Glance (1972) y The Unowned Luxuries #3 (2020).

Su banda sonora reverbera sobre la disposición fugaz de la imagen, en rima con los objetos o sujetos filmados. Estos «arrebatos» o «rapsodias» lumínicos, en palabras de la autora, resuenan con sus obras silentes Peach Landscape (1973) o Filament (The Hands) (1975). El mínimo elemento cobra luz fruto del dominio de la mecánica del cine.

Excelente documental del fotógrafo y director Mario Carbone, uno de los más interesantes y agudos observadores e intérpretes de la realidad lucana de los años 60, que hace tiempo donó al Ayuntamiento y al Centro de Tricarico (lugar natio del poeta Rocco Scotellaro) una preciosa selección de sus fotografías que encontramos en estas imagines tomadas en Basílicata en 1960 siguiendo a Carlo Levi.

El documental, que también incluye en parte la ciudad de Matera, fue filmado en 1962. El núcleo central de imágenes lo constituye una serie de fotografías históricas de Mario Carbone, quien con Carlo Levi visitó la tumba de Scotellaro en 1960. En el documental también aparece el poeta Antonio Albanese de Tricarico, la madre de Scotellaro, Francesca Armento: nacida en Tricarico en 1884 y fallecida en Viterbo en 1968. Rocco Scotellaro fue el cuarto de sus cinco hijos nacidos de su matrimonio con Rocco Vincenzo Scotellaro. Francesca Armento fue una figura importante en la vida y obra del poeta e intelectual lucano, de quien - escribe Carlo Levi - vino "el sentido poético del mundo" a aquel joven "que nos es querido".

Figura central en la vida de su hijo, Francesca Armento también desempeña un papel importante en el lienzo "Lucania '61" de Carlo Levi, gran obra pictórica que representó la Basílica en la Mostra delle Regioni, instalada en Turín con motivo del centenario de la Unificación de Italia, donde es retratada por Carlo Levi. Esta documentación fotográfica y audiovisual constituye un precioso archivo de considerable valor histórico y se convierte así en patrimonio cultural de Lucania.

Rocco Scotellaro fue poeta, intelectual y socialista (Tricarico el 19 de abril de 1923 - Portici el 15 de diciembre de 1953). Miembro del Comitato di Liberazione cittadino, trabajó por la renovación de la vida política y democrática en la Basilicata de la posguerra. Con tan sólo 23 años fue el primer alcalde de Tricarico en la Italia republicana. Su acción administrativa se caracteriza por la implicación del pueblo en la solución de los problemas, como lo demuestra su compromiso con la fundación del Hospital Civil de Tricarico (1947).
Es un protagonista apasionado del momento épico de la ocupación de tierras y la reforma agraria. Después de la injusta experiencia de prisión (1950), se trasladó a Portici al Observatorio de Economía Agrícola, donde colaboró ​​con Manlio Rossi-Doria en los estudios para el Plan de Desarrollo Regional de Basílicata.

Su vínculo con Carlo Levi, Rocco Mazzarone y el Movimento di Comunità de Adriano Olivetti es profundo. Participa en las investigaciones sobre la civilización campesina en Lucania realizadas por George Peck, Friederick G. Friedmann, Ernesto De Martino. Abierto al debate cultural italiano, dejó "un centenar de poemas que, en opinión de Eugenio Montale, siguen siendo los más significativos de nuestro tiempo". A la poesía (É fatto giorno, Mondadori, Milán 1954 - Premio Viareggio) se acompaña la prosa (Contadini del Sud, Laterza, Bari 1954 y L'uva puttanella, Laterza, Bari 1955). La profundidad de la producción poética de este «temprano y desgraciado maestro de nuestro neorrealismo», traducida a varios idiomas, emerge de los fermentos de su tierra y de su tiempo, para alcanzar tonos líricos de alcance universal.

Nunca mencionado en las filmografías, no sólo de Maurizio Ponzi (que la dirigió antes de debutar en sus largometrajes), sino también de Godard, Pasolini, Bertolucci, Ferreri, Bellocchio, los hermanos Taviani y Cottafavi, el documental estaba escondido dentro del Fondo Corona, sacado a la luz por la Cineteca di Bolonia. Es una pieza esclarecedora sobre cómo los cineastas (especialmente los más jóvenes) percibían el "fenómeno Fellini" en el clima anterior a 1968. Así, en planos frontales y severos, con la mirada fija en la cámara, como ante un pelotón de fusilamiento, se suceden algunos de los excelentes amigos y enemigos de Fellini que, en su ausencia, se expresan sin titubeos sobre su cine.
Cottafavi, con elegancia, habla del "realismo mágico" de Fellini, de la finura de su poesía y expresa su admiración por 8 ½. Bertolucci, severo como un niño que juega a ser juez, habla de "elefantiasis", de una visión "provincial" aunque no menos profunda, pero admite que Fellini ("irresistible") siempre lo burla. Pasolini, sombrío y atormentado por una inquietud indescifrable, afirma que el caso Fellini es la expresión de las contradicciones de la pequeña, indiferente y provinciana Italia católica, que intenta rebelarse contra sí misma con el irracionalismo de la poesía. Pero luego concluye que es precisamente la expansión del estilo lo que lo convierte en un hecho artístico de gran importancia.
La intervención más anticuada (e involuntariamente divertida) es la de Bellocchio quien, con el tono conciso y canturreo de un abad, dice que siente que Fellini no es agradable porque carece de visión política y tiene una ambigüedad típicamente católica. Los hermanos Taviani también le muestran poca simpatía, mientras que el más afectuoso es Ferreri, que dice quererlo mucho y estar cerca de él en un momento de crisis (refiriéndose evidentemente a la enfermedad que afectó a Fellini en 1967, y a la crisis que destrozó el proyecto del Viaje de G. Mastorna).
Godard afirma que ama La Dolce Vita y considera a Fellini el único que hace películas como un niño. Pero es un cumplido de doble filo. Finalmente, el propio Ponzi le rinde homenaje, retomando el vacío y mágico pinar de Fregene, haciéndose eco de una escena de Julieta de los espíritus y subrayando cómo la poesía de Fellini nace también de la sustracción.
...y como guinda en el pastel, el juicio más concreto y duradero es del grande Orson Welles en La ricotta, apropiadamente evocado: "¿Fellini? Él baila... él baila"

Una "estrella" cae al mar y de la piedra nace un niño. En algún lugar de Sicilia, en un ruinoso pueblo costero, las mujeres son madres de día y putas de noche.
Quien los gobierna a todos es un miserable tuerto, que mató a golpes a la madre de su hijo, Arturo, un alma sencilla y de otros lugares, criado con vueltas de tejido y amor por Betta y Nuccia.
Un día, entre la pobreza y el mar, llega Anna, una joven prostituta a la que sólo le gusta el chocolate. Ingenua y hermosa, une fuerzas con Betta y Nuccia contra el depredador que exige la piel de Arturo.
Pero para ese niño anciano, derviche que gira sobre la columna vertebral de (su) mundo, las madres putativas han preparado un futuro mejor.
Misericordia es un cuento de hadas contemporáneo. Habla de la fragilidad de la mujer, de su desesperada e ilimitada soledad y Emma Dante nos lo cuenta magníficamente!

Riccardo Mei narra este documental italiano del grande cineasta genovés Giuliano Montaldo que repasa la época fascista con imágenes de archivo.

En 1924, Benito Mussolini, consciente de la importancia de utilizar el medio cinematográfico para su propia imagen, promovió la fundación de L'Unione Cinematografica Educativa, es decir, LUCE. Tres años más tarde, en 1927, nació el Giornale LUCE, que llegaba a los cines todos los días, proyectado junto con la película.

El nombre tiene un doble significado: aunque Luce se traduce como "luz", también es un acrónimo de L'Unione Cinematografica Educativa. Las primeras películas Luce de los años 20 viajaban a lugares entonces exóticos como el Tíbet y África.

Los noticiarios de Luce siguieron el ascenso de Benito Mussolini, la reunión de Hitler y Mussolini en 1934 y el último mitin de Mussolini en 1944. En los años 30, un equipo de cámaras de Luce en Estados Unidos documentó la explosión del Hindenburg.

Luce filmó a famosos que visitaron Italia, como Gandhi, Charlie Chaplin, Mary Pickford, Douglas Fairbanks y William Powell. Las escenas de Shanghai rodadas durante la guerra chino-japonesa incluyen imágenes de combate y de refugiados que huyen.

El documental señala que el movimiento neorrealista italiano posterior a la Segunda Guerra Mundial estuvo muy influido por Luce, todavía activo hoy como productor y distribuidor. Le stagioni dell'aquila fue proyectado en el Festival de Venecia de 1997 en la sección "Immagini fra cronaca e storia".