Quizás de forma involuntaria, la pandemia de Covid-19, sentó las bases que, paulatinamente, se han transformado en las señas de identidad del cine de Enrique García-Vázquez dentro del formato del largometraje. Temas como la introspección, la búsqueda de un sentido propio, o el regreso a las raíces latentes pero no olvidadas, ya aparecían en aquella inesperada película documental que fue ‘Buscando la Película (Verano 2020)'; un trabajo hecho a sí mismo, en el que la exploración de las formas tenían un papel fundamental, algo de iniciático y también de autoconocimiento.

‘Gallo Rojo’ (2023), su segunda película, se traslada a los parámetros de la ficción, con fuertes trazos del cine documental que abordó en su primer trabajo. En ella aborda la decisión de Ana (Pino de Pablos), mudándose al pueblo en el que se encuentran sus orígenes, con el propósito de abrir un cine en pleno éxodo rural. Allí conocerá a Lucía (Lucía Lobato), una muchacha de la gran ciudad que pasa la estación estival en el pueblo. Pronto surgirá entre ellas una historia de amistad y complicidad, que las unirá con fuerza, inmersas en los enclaves del pueblo castellano.

‘Gallo Rojo’, tuvo su première dentro de la sección Castilla y León en Largo de la pasada 68 SEMINCI (Semana Internacional de Cine de Valladolid), continuando su exhibición en el Festival Internacional de Cine Independiente de Ibiza, para llegar a su preestreno fuera de concurso en la XXIII CINHOMO (Muestra Internacional de Cine y Diversidad sexual de Castilla y León); un paso previo a su estreno en salas comerciales españolas que tendrá lugar en el próximo mes de junio.

Enrique García-Vázquez, dilata la experiencia vital de su protagonista, cómo si de estampas costumbristas se trataran. Utiliza un juego metacinematográfico, ocupando buena parte de la trama, consiguiendo regresar al punto de partida que constituyen los pueblos, parajes y casas de los pueblos que se sitúan en un ostracismo instaurado por múltiples motivos. Las conversaciones entre sus personajes, a veces sencillas, otras intensas, van marcando la pauta en consonancia con el entorno rural y sus posibilidades. Los colores, los sonidos, amaneceres y bellos atardeceres, nos hacen viajar al corazón de Montes Torozos en la provincia de Valladolid. Las casas, el arte, su gastronomía, los inmensos campos dorados y su folclore, encuentran su reflejo en esos paseos en bicicleta, o el viajero, que recorre las provincias exponiendo lo que fuimos para comprender en buena manera aquello que somos; verbenas nocturnas de verano y bailes bajo la lluvia mecanizada de los campos de cultivo de regadío.

El cine, comprendido como lugar de reunión, vibra con la algarabía de los niños que ocupan esas enormes casas de perennes puertas abiertas. Lo antiguo y lo nuevo se mezclan, dando lugar a la reflexión sabia que articulan los más mayores del lugar. Los sonidos nos resultan familiares, en una reivindicación por evitar que se dejen de oír; los tonos cromáticos seducen, citando al pintor Félix Cuadrado Lomas, en un “uso del trazo, línea y color”.

De carácter reflexivo, el guion de García-Vázquez se nutre también de las aportaciones de las propias actrices. Aquellas que cantan sin miedo, abriendo por las noches y proyectando en pared en la discreta suntuosidad del Gallo Rojo.



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Es la amistad uno de los puntales universales en el que sustentamos nuestras vidas. Cuando forjamos una amistad adquirimos, sin apenas pensarlo, una serie de elementos fundamentales que nos llevan por un camino compartido de alegrías, goces, risas, decepciones, reproches o llantos. Es algo que en el fondo sí sabemos, pero no nos planteamos con profundidad en el momento que surge, ajenos a la hendidura y a la intensidad con la que arraigue en cada persona. Dependiendo de su cuidado y mimo, los sentimientos son inherentes a la amistad, conduciéndonos por el camino que va escribiendo nuestra existencia día a día; verdaderos elementos definitorios que trazan las líneas de nuestros destinos.

Javier Veiga (‘Pequeñas Coincidencias’, 2018), inaugura su carrera cinematográfica cómo director dentro del largometraje con ‘Amigos hasta la muerte’, abordando la amistad con luminosidad y asunción. Presentada en el 26 Festival de Cine de Málaga y en el 20 Festival de Cine de Alicante, se alzó en este último con la Tesela de Plata a la mejor dirección, y la Tesela de Plata a mejor actor (Mauricio Ochmann).

‘Amigos hasta la muerte’, es la historia de amistad entre Suso (Javier Veiga), María (Marta Hazas) y Nacho (Mauricio Ochmann), basada en la obra de teatro original homónima del propio Veiga. Tres amigos de siempre que han compartido casi todo en la vida, incluyendo desavenencias amorosas, además del diagnóstico secreto de que uno de ellos va a morir. Es a partir de la fatal noticia cuando los mecanismos más potentes de su relación se pondrán a prueba.

A través de un clásico triángulo se construye esta historia a caballo entre la comedia y el drama. Un guion que ahonda en las peripecias de los tres protagonistas, adoptando diferentes puntos de vista y llevando al espectador a diversos momentos y espacios. Ecos de pensamientos nunca dichos, se mezclan en un fino equilibrio tragicómico, poniéndonos cada vez en mayor situación de lo acontecido. Con homenajes directos al cine clásico, Javier Veiga, despliega un variado registro emocional; respaldado por las buenas interpretaciones de Marta Hazas y Mauricio Ochmann, asumiendo también los matices que piden en cada momento sus personajes. Un canto a la amistad que nos hace reír, pero también reflexionar sobre nuestra levedad sin hacer que se pierda la sonrisa.

Según Veiga: — a través del cine llegamos a otros sentimientos, que no son posibles transmitir mediante la representación teatral — La búsqueda del cuadro sorprendente, dibujado con preciosismo y cierta poesía, funde sus imágenes con las inspiradas canciones de Xoel López y Santi Araújo.

Nos vemos impulsados a recorrer nuestra particular senda y vernos reflejados. Ver aquello que fuimos, que somos y lo que seremos; con humor, optimismo y alegría, dentro de un futuro que no perdona, aunque al mismo tiempo nos hable de una aventura fascinante. Hecha con cariño y humildad, termina hablando de cada uno de nosotros. Eso es algo que compensa y nutre los lazos que nos unen.



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El pateo sobre la tarima de madera advierte sobre la lluvia de neutrones, real y ficticia, que bombardea atómo y mente. Una ráfaga imperceptible, capaz de liberar toneladas de energía, derivada de la más gozosa creatividad y el más profundo de los tormentos. Una mirada puede ser todo o nada al mismo tiempo, apropiándose de la capacidad de crear y destruir de manera simultánea; el proceso de creación de una obra de arte no difiere realmente del modus de formulación matemática, entendiendo esto como una manera de alterar la realidad consiguiendo diferentes efectos: los procesos cognitivos que nos hacen llegar a la conclusión de la extrema belleza poética que nos emociona ante algo, y las derivaciones de la física que, no entendiendo de útil y terrible en sí mismas, se nos presentan como hechos de causa y consecuencia.

‘Oppenheimer’ (2023), es el duodécimo largometraje dirigido por Christopher Nolan. Un trabajo que, al igual que su protagonista, mira más allá de lo aparente, quebrando y fusionando umbrales de compleja estructura. La historia de J. Robert Oppenheimer, considerado el padre de la bomba atómica, minuciosamente retratado durante su carrera científica y personal. Cillian Murphy, pasa a formar parte de la lista de los roles atormentados a lo largo de la filmografía del realizador británico, ofreciendo una cautivadora y magnética interpretación del científico neoyorquino. El intrincado laberinto de una mente global consciente, yendo un paso más allá de las leyes naturales conocidas hasta entonces, tomando el testigo de las mentes más brillantes de inicios del Siglo XX, hasta confluir en el artefacto del antes y el después. Una psique del “principio” y el “fin” trazada con leyes divinas en tratados y pizarras.

Nolan, despliega su imaginario audiovisual para trascender en su ambición cinematográfica. Construye un relato profundamente clásico, sin estar reñido con la disyuntiva narrativa; utiliza un elevadísimo número de emulsiones analógicas para que el soporte tenga capacidad de comunicación orgánica. Diferentes tipos de película y combinaciones de blanco y negro y color para saltar adelante y atrás en el tiempo y el espacio. El grano cinematográfico heredero de las reacciones químicas fotográficas, unas veces fino, otras espeso, viscoso, grumoso y vibrante; átomos invisibles en pantalla provocando una explosión emocional. Una historia que se mueve entre la ciencia, la carrera armamentística, la Caza de Brujas de McCarthy, la locura de Los Álamos con Trinity y auditorías de descrédito personal.

Se muestra implacable, e incluso irritante, con el uso del sonido. Nolan lo amplifica, quiere y pretende que oigamos el sonido de las ondas y las partículas. Nos bombardea al unísono del estado emocional de Oppenheimer. Nos seduce con su curiosidad, la alquimia de la física y su acción final; por el contrario nos emociona con un hombre, consciente en todo momento de sus actos, expectante por el avance tecnológico, y posteriormente destrozado por la crisis moral debida a lo acontecido. Mención especial merece la partitura de Ludwig Göransson, contenida y extrema casi a niveles cuánticos.

Un reparto estelar acompaña a la figura de Oppenheimer. Robert Downey Jr. resplandece en su papel de Lewis Strauss, presidente de la AEC y figura clave en el desarrollo militar norteamericano. Nolan bendice con identidad propia a la gran cantidad de personajes que aparecen, ofreciéndoles una identidad personal que aporta y abruma a partes iguales.

‘Oppenheimer’, maravillará o irritará al espectador con su mortecino espectáculo nuclear. El film propone algunas de las secuencias más escalofriantes surgidas del conocimiento y pensamiento de nuestro anfitrión. Pone sobre la mesa un peligroso juego de dados en manos de la especie humana. Indaga en la Historia reciente, reflexiona sobre el presente, y siembra terroríficas incógnitas sobre nuestro futuro. Dibuja en dimensiones distintas “una poética de la guerra y la autodestrucción”; tan determinante como quien controle el vuelo de las V-2 alemanas, tan acongojante como el hipotético cruce final de misiles en un mundo azul que se tizna de negro. Un reconocimiento, que en palabras de Albert Einstein, no será para usted; quizá tampoco para Nolan. Partículas y ondas, Cine y expresión.



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Una ballena aparece varada en la playa de San Sebastián. Este gran ser vivo es presa de su propia inmensidad, inmóvil, mientras permanece a la espera en su lecho de arena. Una muchedumbre curiosa acude a las inmediaciones para contemplar al cetáceo, desorientado, cuya única actividad se reduce a un gran ojo que escudriña con su mirada impávida a la congregación del gentío. Allí, junto al peso inamovible de la criatura, se cruzan las miradas de Lara (Loreto Mauleón) y Daniel (Iñigo Gastesi); ojos de tiempos pasados que, de algún modo, quedaron varados en otra época, lugar, compartiendo un mismo y melancólico pesar. Una vuelta de página que arrastra una profunda cicatriz, emborronando palabras pretéritas: las que se dijeron y aquellas que quedaron en el tintero.

Lara y Telmo deciden volver de París para asentar su domicilio en San Sebastián. El azar hará que se crucen con Daniel y Vera cuando buscan piso a través de la inmobiliaria familiar, propiedad de la madre de Daniel.

Alberto Gastesi, filma su primer largometraje localizado en las calles y rincones de una nostálgica y humeda San Sebastián. Después de varios trabajos en corto (‘Istmo’, 2005; ‘Tempest’, 2012; ‘Cactus’, 2018), desembarca en una reflexiva y evocadora historia en la que dos parejas ven como algo trastoca sus vidas, haciendo aflorar sentimientos y sensibilidades aparentemente enterrados. Un bello poema de la memoria, rodado en blanco y negro con pinceladas de color, que nos habla del pasado, las oportunidades, el abandono, la pérdida y el olvido.

— Nos encontramos ante un panorama de montañas rusas y peces atrapados —, atendiendo a las palabras del propio Gastesi, presente en el pase previo antes de que la película se estrene el próximo viernes. Un trabajo que confía en un equipo familiar, haciendo el tipo de cine que en ese momento querían hacer.

Alberto Gastesi se muestra hábil entretejiendo atmósferas contrastadas y diálogos. Sabe imprimir un carácter especial a la ciudad, transformándola en un personaje más en consonancia con los personajes que maneja y sus estados de ánimo. Momentos del pasado y presente hilvanan una narración ágil, situando al espectador en diferentes épocas y dimensiones, enriquecidas recíprocamente por los detalles sembrados en su guion. Emocionan esos rostros que se miran reencontrados y sin reproches.

Las calles son versos por los que caminan sus protagonistas. Los interiores son confesionarios estructurados en los que se apuntala la palabra. La música brota desde el pasado, propiciando la pausa y el balance necesario para poder continuar hacia delante. El jazz articula una melodía improvisada capaz de fusionar las diferentes capas de la estructura narrativa.

Todo fluye con calma en mitad de una potente tormenta interior. El espectador se ve obligado a bajar el ritmo planteando sus propios interrogantes, mientras los protagonistas lidian con los suyos cobijados de la lluvia en una oscura noche.

Aquellos momentos que no serán y pudieron haber sido. Las miradas rotas de toda una generación desorientada, varada por las vicisitudes caprichosas de los hechos impredecibles de la vida. Un notable debut que acaricia con respeto y honestidad.



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La emoción de descubrir a una nueva persona, cómplice en sintonía y reciprocidad, que sorprende y te sorprenda levando anclas; decapando sólo con su presencia la gruesa capa del paso del tiempo. El resurgimiento de esa chispa que, en tantas ocasiones, se desdibuja y hace perder la perspectiva de quienes fuimos y nos convierte en almas irreconocibles que apenas ya dejan adivinar su perfil. Esa otra persona que de forma directa nos interpela con frescura e inteligencia, devolviendo el lustre a virtudes que se resisten a caer en el olvido.

La magia de la noche parisina nos presenta a Charlotte (Sandrine Kiberlain) y a Simon (Vincent Macaigne), ella separada, él casado, ambos con hijos. El final de una primera cita que supone el comienzo de una relación de entendimiento entre los dos, frente a una vida sin reproches situada en márgenes secretos. Cruce de miradas y diálogos que despiertan y estimulan: ella, manteniendo lejos la pasión (o eso dice); él, apasionado irremediable que afirma comprender los términos de lo establecido (o eso dice).

Emmanuel Mouret, nos despierta del letargo con esta certera comedia que seduce con su representación de la realidad y lo cotidiano. Estrenada en la Sección Oficial de Cannes 2022, encandila con su puesta en escena y un afinado conjunto de diálogos y situaciones que sorprenden por su espontaneidad. La capacidad de devolver la juventud en bloques breves y desiguales. A veces son días, en otras ocasiones semanas; visibles y vedados son los encuentros en el parque, un hotel o un museo, compartiendo un gusto por cierta intelectualidad que hacen guiños a fórmulas que nos recuerdan a Woody Allen. Cada frase, cada línea, rejuvenece con un sentido divertido del sexo y la relación de pareja cuasirohmeriana, que se aleja del tedio y reconforta con cada escarceo arrebatado a una rutina de la que en ningún momento se reniega.

Pasamos del frío del invierno al siguiente verano. El encuadre se llena de esas siluetas que otorgan vida a parajes condenados al vacío, ahora trufados por la recuperada nueva juventud de sus protagonistas, víctimas del deseo de revivir y el atrevimiento por sorprenderse. La cámara nos muestra su affaire y desenvoltura con elegancia y ese subrayado que hace de lo trivial algo excepcional.

Valioso y “peligroso” es aquello que se intuye y deja en el tintero. Aquello que podría ser más, en detrimento de reglas autoimpuestas que pueden restar química a un romance mayor. La oportunidad pasada, presente y futura, que pasa por la sala oscura de un Bergman recuperado y que, lejos de ser un impedimento, refresca y nos permite mirar hacia delante, sean cuales sean las circunstancias actuales, saliendo disparados con amistad genuina, agarrados de la mano, como dos adolescentes que disfrutan de un encuentro fortuito y breve, sin atisbos de desperdiciar ni un momento más.

La propuesta de Mouret es hermosa. Tiene brío y posos del disfrute sincero tomado a pequeños sorbos. Sus personajes se sienten más jóvenes de lo que son, porque realmente jamás han deseado dejar de serlo. Recursos del hoy, puestos al servicio de ese algo interior del que no se puede escapar; con una sonrisa inevitable al finalizar, en este breve trayecto al que le pusimos el nombre de Vida. Aquello que fuimos, eso que innegablemente somos.



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