Se trata de una potente película musical, variable y por ello irregular pero densa e intensa.
Inicio desconcertante. Un histriónico Henry McHenry, cómico provocador, incluso desagradable, que te deja descolocado.
Destaca por su estridencia inicial, a momentos delirante, a menudo estrafalaria. Perfectamente sofisticada y artificiosa. Para algunos detestable, para otros magnífica, y para la mayoría ambas.
Los instantes cómicos iniciales irán dando paso al drama y a la oscuridad de una relación inicialmente luminosa.

Película genial (no todas las genialidades nos gustan). Se trata de un genuino y provocador Leos Carax. Musicalmente me ha parecido redonda, perfecta, aunque quizá la consistencia musical aparezca por repetición, como sucede en muchas canciones. Contiene gustos e instantes muy distintos, de manera que cualquiera queda fascinado en algunos momentos de la película. Pero poco a poco el film se irá moldeando, conformando constituyendo un núcleo narrativo sólido y consistente.

Sin ninguna duda se trata de una película mayúscula, de las que forman parte por derechos propios de la historia del cine. Dinámica y directa, es una adaptación cinematográfica, libre, de la novela "Frankenstein o el moderno Prometeo", de Mary Shelley. publicado inicialmente en 1818, que posteriormente la autora reescribió por completo hasta conseguir la versión definitiva que encontramos en las librerías, publicada la primera vez en 1831.

1831-1931. Es decir, "el doctor Frankenstein" de James Whale es un homenaje para celebrar el centenario de la publicación de la novela definitiva de Mary Shelley.

Se trata de una adaptación cinematográfica de Frankenstein que adopta tanto la temática, de moda en aquella época, como la estética de los inicios de expresionismo alemán: El gabinete del doctor Caligari (1920), El golem (1920), Nosferatu (1922), El doctor Mabuse (1922).

La semejanza con golem,una de las primeras películas de monstruos de la historia, en la que un rabino da vida a una figura de arcilla permite entender que ante el éxito cinematográfico del ser que cobra vida, en Alemania se hicieran diversas versiones (en las que intervino como director Paul Wegener): en 1915 "El Golem" de Henrik Galeen y Paul Wegener, en 1917 "El golem y la bailarina" (cómica) de Paul Wegener y Rochus Gliese; y finalmente en 1920 "El golem" de Paul Wegener y Karl Boese.

Ello permite entender que la industria norteamericana, concretamente Universal Pictures, tomara buena nota de los éxitos del expresionismo alemán, y como suele suceder hizo su versión, en este caso escogiendo una novela de éxito como "Frankenstein", donde la magia queda sustituida por la ciencia y donde dar vida y superar a la muerte son los temas centrales de la investigación del Dr. Frankenstein.

Tras los momentos de emergencia y barbaridad de la 2ª guerra mundial, Jean-Pierre Melville se estrena con un filme militante, modesto, casi teatral, lleno de patriotismo francés, en un denso monólogo que pone en boca de un sensible militar alemán que día a día hace glosa de la cultura francesa y de su amor por Francia. Impactante el joven Howard Vernon en uno de sus papeles más interesantes. La apelación al patriotismo cultural no siempre resulta verosímil. Pasados 60 años -y no siendo uno francés- hay momentos que ideológicamente cuesta tragar, especialmente cuando se adentra en lo que llamaríamos la cultura de la propaganda nacional.
Basada en la novela de resistencia cultural homónima de Vercors (Jean Bruller) tan valorada en su país, por el chauvinismo.
Uno detecta ya en esta su primera película el hieratismo que cultivará en sus películas más famosas.

Todo comienza con una esfera de cobre de 20 cm de diámetro que pesa 28 kilogramos, colgada de un cable de 67 metros de altura que en 1851 empleó León Foucault para demostrar que la tierra giraba sobre si misma… Esto nos sitúa en el Panteón de París (inspirado en el Panteón de Agrippa de Roma) , donde en 2017, desde el día 3 hasta el 14 de octubre hubo una exposición viviente proyectada por el reconocido bailarín, acróbata y coreógrafo Yoann Burgeois. En cada uno de los cinco grandes espacios de la planta en cruz del Panteón, Yoann Burgeois dispuso sus ingenios para plantear retos a los grandes fantasmas. Los grandes fantasmas son esas fuerzas vivas, invisibles e inevitables: La gravedad, la inercia, la fuerza centrífuga...

Para el espacio central donde baila el péndulo de Faucoult, Yoann idea un genial anti-péndulo, que colgado del suelo -fijado por la gravedad- convierte a Yurie Tsugawa en un tente en pie que baila lentamente con sus oscilaciones contra el péndulo: Es el "Prólogo".
 
El segundo espectáculo asombroso es "Inercia", el conocido como tocadiscos. Plato cuadrado que gira sin parar con Elise Legros i Jean-Yves Phuong montados en él; ofreciendo imágenes insólitas y inverosímiles.

El tercero es "Trayectoria", en la que un mecanismo contrapesado permiten a Sonia Delbost-Henry volar por el espacio.

El cuarto "Equilibrio" (o Libra) donde Estelle Clément-Béalem y Raphaël Defour intentan sentarse en unas sillas cuando el suelo resulta extremadamente inestable.

El último y más genial es "Energia" (con Yoann Bourgeois, Damien Droin, Emilien Janneteau, Lucas Struna) donde los bailarines -por llamarlos de algún modo- se someten a la gravedad para vencerla.

Louise Narboni, montadora y directora, junto con Yoann Burgeois documentaron la exposición con este excelente filme 'Los grandes fantasmas' (Les grands fantômes )(2019) 58' .

El resultado es un filme sorprendente entorno al movimiento y el ingenio humano que luchan por el equilibrio y superar la eterna gravedad.

Magnético, impecable, pura poesía,

Contrastes del 67
El mundo rural muestra un cierto desfase sobre la vida que se desarrolla en las modernas ciudades. Quizá por ello resulta difícil entender que Mouchette de Robert Bresson y Playtime de Jacques Tati -dos obras maestras diametralmente opuestas en sus enfoques y conceptos- se estrenaran el mismo año: en 1967. La primera se fija en el atraso de mundo rural, drama con todas sus penurias, mientras la segunda mira el adelanto en las grandes ciudades, comedia con todas sus diseños y modernidades. De lo mas trágico a lo más cómico en un instante.

Otro Bernanos
Centrándose en la mirada de Bresson al pasado, al drama rural, sin duda, ahora resulta intemporal y universal. El director ya había tenido éxito con la adaptación de la obra maestra de Georges Bernanos "Diario de un cura rural" (1936) que con el mismo nombre fue estrenada en el cine en 1951. Bresson, retoma a Bernanos con la adaptación de su siguiente novela "la otra historia de Mouchette" (1937). Bresson tras su genial "Au hasard Balthazar" un año antes (1966) sigue así su gran trabajo sobre los marginados en el duro mundo rural.

Dos segundos para una antología del cine.
Idear la implacable realidad visual que se cierne sobre Mouchette es construida, en su mas mínimo detalle, con honestidad, lógica y simplicidad. Con un estilo certero y único. Veamos como Bresson nos explica la llegada a su casa del cazador Mathieu:
Primero vemos cómo entra una sombra con escopeta por la pared blanca que tenemos enfrente, un ingenioso preludio de quien está entrando y se dispone a llegar. Después se une a la sombra, la figura que la produce: el cazador con su escopeta. Al entrar en la estancia, se diluye la sombra. El cazador ha llegado. Esa magia (sombra -> sombra+figura -> figura) es todo una declaración visual. Un estilo propio. Una lógica y una simplicidad narrativa estupendas bajo las que se esconde una gran complejidad técnica (y una imposibilidad material) y todo ello para filmar poco más de dos segundos. ¡Genial!