Puntuación: 6,5

Aunque Florian Henckel von Donnersmarck se saca la espinita clavada de su mala experiencia en Estados Unidos con su anterior trabajo, The Tourist (2010), La Sombra del Pasado parece demasiado desequilibrada, tanto en la ejecución como en el contenido, y queda lejos de estar a la altura de La Vida de los Otros (2006)

Inclusive este desequilibrio se percibe dentro de las propias escenas. Un ejemplo lo tenemos cuando el pequeño Kurt se despierta por la noche debido al ensordecedor ruido de los aviones que sobrevuelan los cielos de Dresde en febrero de 1945. Miles de trozos de papeles plateados caen del cielo, una forma de incomunicar radios y radares. La belleza de esa imagen en combinación con los bombardeos de la ciudad que transformó la magnífica ciudad del valle Elba en un mar desolado de escombros y cenizas, es abrumadora con lo que viene a continuación.

De repente, esa fuerza y belleza visual desaparece ante nuestros ojos. Florian Henckel von Donnersmarck da paso a las imágenes de Elisabeth conducida a la cámara de gas junto con otros “enfermos mentales y degenerados”. Las imágenes de la cámara de gas son clichés innecesarios y que no aportan nada. Un recurso fácil para apropiarse de las emociones de la audiencia.

La sutileza brilla por su ausencia

Después de la guerra, Kurt (Tom Schilling, conocido por su papel protagonista en Oh Boy) termina en la Academia de Arte, donde el régimen comunista enseña el realismo social. La conformidad es una virtud, salirse de las pautas marcadas cuenta como fracaso. La Alemania Oriental de posguerra ha cambiado una norma represiva por otra y Von Donnersmarck (quien también escribió el guión) enfatiza de forma repetitiva en el tema a lo largo de la trama, desde el plano histórico hasta el personal.

Una forma de rizar el rizo es cuando Kurt conoce a una mujer (Paula Beer) en la academia de arte que se parece en algo a su tía y que también se llama Elisabeth. Kurt le dirá que le recuerda a alguien por si todavía queda algún espectador por percatarse de la relación. Y, además, su padre también es el hombre que anteriormente tuvo el destino de la otra Elisabeth. La Sombra del Pasado está llena de momentos y situaciones de este tipo donde la sutileza queda bastante en entredicho.

La interpretación de Sebastian Koch sobresale del resto

El papel de Elisabeth interpretada por la siempre brillante Paula Beer, lamentablemente se reduce cada vez más a su hermoso cuerpo en la segunda mitad de la película. Von Donnersmarck se pasa la mayor parte del tiempo en poner el cuerpo de la actriz en tomas de cámara silenciosas y gregarias en la luz correcta y capturarlo en tomas estéticas.

La colaboración del director con Sebastian Koch vuelve a funcionar bien. Koch interpreta a un patriarca familiar manipulador y un médico nazi sin escrúpulos de una manera más que convincente. De esta manera, coloca al resto de protagonistas un poco a su sombra. Sus personajes se mantienen algo planos.

El personaje de Oliver Masucci, interpretando al profesor Antonius van Verten, quizás sea la figura clave de La Sombra del Pasado. Este pintor y maestro dará la pista y la clave a Kurt para encontrar la esencia de su arte. Van Verten le hace a Kurt la pregunta crucial: ¿quién eres?. En la respuesta encontrará los materiales y la forma de pintar y expresar su arte.

La música

Muchas escenas ocurren silenciosamente sin música de fondo, pero cuando se trata de transmitir emociones y estados de ánimo de manera eficaz, Florian Henckel von Donnersmarck también utiliza las herramientas de la música de cine clásica y acompaña a muchos momentos opresivos y exultantes con música orquestal maravillosa, compuesta por Max Richter.

Recorrido por la historia de Alemania

La Sombra del Pasado cronológicamente se desarrolla durante el período nazi, el ascenso del socialismo de Alemania del Este y la construcción del Muro de Berlín. Durante estos episodios de la historia alemana, Kurt Barnert, un personaje basado en Gerhard Richter, el fundador del movimiento artístico “realismo capitalista”, nunca mira hacia otro lado. Como artista, siempre quiere mostrar sus sentimientos más profundos en el lienzo. Florian Henckel von Donnersmarck se pregunta si la autenticidad individual es el objetivo más alto en el arte o si el arte debe servir al colectivo, como en la RDA y durante el régimen nazi.

En la Alemania de los nacionalsocialistas, el arte debía estar al servicio del imperio. Las obras que no glorificaron al nacionalsocialismo fueron consideradas de arte degenerado y prohibidas. Las personas que no podían ser útiles para el imperio eran consideradas impuras e inútiles. La Sombra del Pasado nos muestra cómo las personas, el arte y básicamente todo era secundario al sistema político.

Conclusión

En la película, sin embargo, deja una lectura un tanto cliché del trauma como fuente de gran arte. A Florian Henckel von Donnersmarck no se le puede negar la ambición. En más de tres horas, que nunca resultan aburridas, La Sombra del Pasado recorre durante tres décadas Alemania Oriental y Occidental. Pero como retrato de un artista, la película no profundiza lo suficiente en el proceso de creación. El trauma como fuente de inspiración es un enfoque demasiado cliché, al igual que el retrato realizado de Alemania resulta demasiado simplista.

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Puntuación: 7,5

Un sabueso en la aduana

En esta singular y curiosa producción sueca, nos encontramos a la horrible y repulsiva oficial de aduanas Tina (Eva Melander). Una mujer con la nariz como la de un sabueso, que utiliza para olfatear a los viajeros por si pueden tener algo que ocultar.

Ella no solo huele contrabando tradicional (alcohol, drogas) sino que también detecta a un hombre con una tarjeta SD llena de pornografía infantil. Tina es capaz de oler sentimientos de las personas como la culpa, la vergüenza o el miedo. Una característica que la hace perfecta para ser funcionaria de aduanas.

A pesar de ser un activo importante y vital en el servicio de aduanas, es una mujer sensible que no lo tiene nada fácil en su día a día. Oler la miseria en todas partes, sacarla a la luz cuando apuntas a la gente y ser consciente todos los días de que tienes un físico completamente diferente al del habitante promedio de Estocolmo, ciertamente debe ser doloroso. Ella se ve diferente pero atribuye su apariencia a un trastorno hereditario.

Tina se verá algo más que diferente cuando un día conoce al misterioso Vore (Eero Milonoff) durante su trabajo como agente de aduanas. Ese día, toda su vida cambia, cuando ese hombre con apariencia y habilidades similares cruza la frontera. Esto lleva a una relación entre ellos que hace que Tina comience a reflexionar sobre quién es ella realmente. Este será el comienzo de un viaje aterrador y tortuoso que marcará su existencia.

Border trasciende el género

El director Ali Abbasi, nacido en Irán pero residente en Suecia, debutó en el mundo del largometraje hace apenas tres años con su película Shelley en la sección Panorama de la Berlinale y en la sección oficial del Festival de Sitges. Ahora, nos presenta su segundo proyecto, Border, basado en la novela homónima de John Ajvide Lindqvist.

Recordemos que Lindqvist es el autor de la novela Dejame Entrar que se llevó al cine en 2008 por Tomas Alfredson. Una aparente película de vampiros, aunque la realidad es bien distinta, que cosechó un gran éxito de taquilla, crítica y premios. Aunque este ha sido el principal reclamo inicial para despertar el interés por Border, ambas coinciden en que trascienden el género.

Tina podría haber sido el personaje principal de un cuento de hadas, una princesa al estilo de Fiona como en la película de Shrek. En cambio, Border muestra cómo tratamos a las personas que se desvían de lo cotidiano y que son diferentes. Al mismo tiempo de como es para Tina ese proceso de aceptación, cuando conoce a alguien que se ve tan “singular y peculiar” como ella misma.

Que Border pertenece al mismo autor que Déjame Entrar se refleja en los personajes. El personaje de Tina es como Eli, enigmática y muy complejo. Su inteligencia no se manifiesta explícitamente, pero puede deducirse por el hecho de que puede funcionar perfectamente como un ser monstruoso en una sociedad humana y civilizada. Se ha adaptado bien y ya no la preocupa lo que las personas digan sobre su apariencia después de acostumbrarse a una vida llena de intimidación.

Conexión con la naturaleza

La conexión de Border con la naturaleza es una constante a lo largo del metraje. Se puede apreciar en las bellas y relajantes caminatas de Tina por el bosque. Su amor por los animales proporciona momentos sorprendentes.

Border está repleta de hermosas escenas. La de Tina haciendo una pequeña pausa en un trayecto en coche porque siente que un montón de ciervos quiere cruzar la calle. O aquella otra en la que vemos como se baña en el río.

Variedad de géneros

Ali Abbasi sabe rascar de forma muy acertada varios géneros con diferentes tonos narrativos. A veces Border resulta un cuento de hadas cómico, a veces un thriller opresivo, y otras un romance trágico.

La película es desafiante e impredecible de principio a fin. Contiene una buena mezcla de drama y fantasía. Nada resulta excesivamente exagerado y lo dramático prevalece sobre lo fantástico. La fantasía es solo una parte, pero ciertamente importante. Border es extravagante e increíblemente audaz con una dosis de emoción.

En un principio la historia resulta desconcertante, ambigua y mantiene al espectador constantemente a la expectativa, siempre a la espera de encontrar un sentido a todo lo que ve. De repente, todos esos elementos aparentemente dispares se convierten en parte de una trampa narrativa inteligente. El último acto de Border se despliega inesperadamente a un abismo, los límites de género se revientan, la película alcanza una nueva complejidad y entrega a cada espectador una dosis llena de elementos para pensar y reflexionar.

Conclusión

Border brindará al espectador una experiencia única y extraña, aunque, claro está, la historia no es impecable y podemos encontrar alguna ligera inconsistencia. Sin embargo, nos ofrece muchos giros y sorpresas, además, de atreverse a profundizar de forma existencial sobre ciertos problemas de exclusión social.

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Puntuación 7,5

En este intenso drama de Erik Poppe (La Decisión del Rey), volvemos al recuerdo de unos hechos sucedidos el 22 de julio de 2011 que conmocionaron a Noruega y al mundo entero. El país nórdico se vio sorprendido por dos actos terroristas. Primeramente explotó una bomba en el edificio del primer ministro Stoltenberg. Posteriormente, el terrorista de extrema derecha viajó a la isla de Utøya, donde la sección juvenil del partido laborista sueco celebraba un campamento de verano. El perpetrador se vistió como policía para pasar desapercibido y acceder con facilidad al lugar de los jóvenes. Entonces comenzó el tiroteo. Tardó 72 minutos. 69 niños murieron.

En Utoya 22 de julio experimentamos esos 72 minutos infernales a través de los ojos del personaje ficticio kaja (Interpretado magníficamente por Andrea Berntzen). Poco antes del tiroteo ella se pelea con su hermana menor Emilie, y ambas toman caminos diferentes. A pesar del miedo de nuestra protagonista al tirador, toda su obsesión es saber de su hermana para protegerla. Gracias a esa búsqueda incesante de Emilie, el espectador experimenta muy de cerca como debieron haber sido los hechos en la isla. Con Kaja de guía, vemos a los jóvenes corriendo desesperados, a los moribundos tirados por el suelo, a niños asustados, a jóvenes intentando salir de la isla a nado, el pánico, el caos……

Rodada como un docudrama, muy al estilo de United 93 o El Hijo de Saúl, con imágenes tomadas en streaming, cámara al hombro, sin música, y sin imágenes claras del perpetrador. Al seguir la ficción de Kaja obtenemos probablemente una imagen bastante completa y fidedigna de como sucedieron los hechos.

Al principio sentimos miedo con cada disparo y nos relajamos un rato cuando cesan por un tiempo. Nuestro conocimiento del suceso nos da una ventaja sobre las víctimas, porque sabemos que solo hay un tirador y no es policía, mientras que los niños piensan que hay varios tiradores todo el tiempo y que pertenecen a las fuerzas de seguridad, por lo que el desconcierto, el miedo y el caos generado es mayor aún.

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Jakob Cedergren interpreta el papel de Asger Holm, un policía que se encuentra en unos momentos de gran crisis personal. Durante toda película, Cedergren está sentado en un escritorio con unos auriculares. Solo tiene su mirada, sus gestos y su voz para representar la tensión, la frustración, la concentración, la ira, el desconcierto y el pánico de su personaje.

Mientras está siendo filmado casi continuamente en primer plano, en un espacio limitado y opresivo, Cedergren consigue utilizar de manera eficaz todos esos elementos para realizar una interpretación mas que convincente. La música (Caspar Hesselager y Carl Coleman) es muy sutil y siempre subordinada a los largos silencios y al penetrante timbre del teléfono.

La puesta en escena en The Guilty se simplifica a un único espacio, una sala de control. Allí vemos al testarudo policía Holm constantemente con un teléfono y frente al ordenador. A pesar de ello, con la ayuda de unas buenas grabaciones de sonido, la emoción es constante. El espectador se mueve pensando en los lugares donde puede estar víctima que está detrás del teléfono.

The Guilty usa incesantemente primeros planos de orejas, ojos y boca. El aspecto intuitivo de esto se proyecta en el espectador de una manera muy ingeniosa y perspicaz. Debido a que no está nunca claro para el espectador lo que sucede en el otro lado de la línea telefónica, Gustav Möller sabe cómo aumentar el desasosiego y la angustia de manera extremadamente efectiva en cada momento.

Estamos ante un thriller con alguna que otra escena desagradable e inclusive de violencia, que las hace extremadamente terribles al ser vistas por cada espectador de una manera diferente en función de su imaginación. Al dejar que la imaginación haga su trabajo, la tensión aumenta. The Guilty es una maravilla en lo referente a su guion, con continuos giros que mantendrá constantemente atento al espectador, sin pestañear, deseoso de cual será el desenlace final.

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Puntuación: 8,5

La última película de Matteo Garrone no va sobre la Mafia como lo hiciera su célebre Gomorra. Sin embargo, son las relaciones humanas en los suburbios pobres de Roma lo que marca la pauta.

Garrone es un genio creando la atmósfera. El tempo y la existencia de los personajes en la película coinciden. El paso lento de unas vidas sin esperanza, con algún momento de impulsos y situaciones violentas, coincide con el gran trabajo de cámara del director. Son las vidas de seres temerosos que se mueven como aturdidos, como caracoles cruzando el fango.

Dogman es una película cruda en la que la tensión se acumula lentamente. Y todo eso con un actor novel, Marcello Fonte, que realiza una soberbia interpretación como si llevara toda la vida haciéndolo. Este gran trabajo no pasó desapercibido en Cannes donde fue galardonado con la Palma de Oro al Mejor Actor. Su personaje, Marcello, es un cero a la izquierda, afable y bondadoso. Ayuda a la gente sin pedir nada a cambio, podría haber sido retratado sin palabras, rodeado de la cacofonía de la vida cotidiana que no parece ser suya.

Desde el punto de vista estructural, la película está perfectamente construida. Empieza con calma y poco a poco el ritmo va in crescenso hasta el final. El escenario también encaja perfectamente con la historia. Los personajes principales no tienen nada y tratan de hacer algo en la vida. No siempre de una manera justa, pero que mas puedes hacer. Los edificios en mal estado, el aire gris del mar y la desolación en las calles describen esa desesperanza. A través de una serie de escenas sueltas y perdidas, vemos a padre e hija buceando en aguas azules, como si el agua simbolizara ese escape que nunca llega.

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