Abrir la caja de los truenos en la cuestión de los superhéroes no es fácil. Ahora puede parecer una disparate, pero en el ya lejano 2000, fue todo un reto. Teniendo los efectos especiales de calidad aún en pañales (Matrix los parió un año antes), hacer algo a la altura era complejo. Y si estaba la legendaria Marvel de por medio, más. Pero, por arduo que pueda parecer la odisea, la X-Men de Brian Singer fue Ulises y pasó la prueba.

El respeto al cómic, estéticamente hablando, es bueno. Las actuaciones de Jackman, Stewart y McKellen, todavía mejor. En cambio, aquí un pequeño naufragio: la historia. El guion no es malo, pero su insipidez y estructura de tiralíneas hace perder al film la fuerza avasalladora que se presupone en una primera película del mundo Marvel, con actores reales y CGI de alta gamma.

Los protagonistas apenas dejan pinceladas de su compleja psicología (ya vendrían las otras secuelas a ahondar), pero los villanos -a excepción de Magneto, que su soberbia presencia salva el plante- pecan de ser más planos que una vitrocerámica.

Por lo demás, un 6, fruto de un producto interesante y entretenido. Los grandes efectos especiales y el comienzo del universo Marvel en el limbo - entre escenas icónicas y momentos sin más- marcan esta primera parte de X-Men, que ve en sus mutantes un inicio efectivo de lo que vendría después, y que ya todo conocemos de pe a pa.

Mucha gente considera que el cóctel de violencia, diálogo y acción es la tormenta perfecta del maestro, el único, el que ha creado escuela. Porque lo ha hecho, y negarlo es casi una blasfemia al cine contemporáneo. Y si, ese cóctel es preciso, porque es verdad. Es su don (y a veces su maldición, aunque muy pocas y contadas).

De esos tres aspectos que actúan a modo de pilares en su cine sin duda es el diálogo el que más brilla y maravilla, hace reír y fascina. Y es por eso que el volumen II de la extravagante Kill Bill es una obra maestra, y bastante por encima de la primera parte.

Cuando en el primer acto la conjura de la acción, la sangre y la estética pop mandan en la trama, nos gusta lo que vemos, ya que amamos los fetiches setenteros y sesenteros del bueno de Quentin, como también su devoción a lo kitsch, lo exagerado y sin duda lo mitificado. Pero es en el segundo cuando, salve la expresión, eyaculamos cinefilia por nuestros poros. El segundo y más genuino acto es lento, pero no pesado; sus diálogos, largos y extensos, portan una sabiduría y un sentido humano tan potente como sus geniales capítulos, cada cual más brillante.

Decir que alguno de ellos son de lo mejor que Tarantino ha regalado al cine no es exegerar ni lo más mínimo. Hablamos de arte mayor.

Seguramente la segunda parte perdería peso sin las características de la primera, y viceversa. Ese ying y yang conviven de forma harmónica cerrando así, a mi opinión, el top 3 de Quentin Tarantino.

Verla es un auténtico gozo, y sentirla un placer incomensurable.

Cuando una película te hace divertir, entristecer, perturbar, y concienciar en un misma dosis -como las que Rents y compañía se introducen sistemática e irracionalmente durante todo el film- solo la puedes calificar de soberbia. Y soberbia es la palabra adecuada para representar la obra de Boyle.

El cóctel molotov de drogas, amigos y la decadente y gris Edimburgo que durante los 90 fue azotada por la aguja y el SIDA es tan efectivo como explícita, tan oscura como aleccionadora, y sobre todo, tan real que conmociona. Ya solo la banda sonora ya es una de las mejores del cine contemporáneo, a la altura de las del mejor Tarantino.

No se queda muy lejos tampoco la bellísima factura estética y cromática de la película, que transforma aquello tan ruin y catastrófico en algo casi etéreo y hasta romantizado, como tampoco lo está la enorme interpretación de un jovencísimo McGregor y sus compinches de chutes y conversaciones sobre James Bond, el sexo, el fútbol y la música.

Ningún pequeño detalle escapa de las garras del director inglés, ni si quiera el título. Trainspotting viene a ser una vaga costumbre de pasar el día viendo pasar los trenes durante horas; una pérdida de tiempo. Como son las drogas.

Enfundada con una genial banda sonora y ataviada con una ensoñadora brillantez, la vírgenes suicidas, sin querer llegar a nada en concreto, te puede remover todo. Podría hablarse de una historia curiosa y sempiterna que funciona como oda a la belleza y que se encuentra a medio camino entre Blue Velvet y American Beauty. Nunca algo vacuo podía estar tan lleno, en este caso de todo tipo de adjetivos que bruman la mente y embruja los ojos.

En sus casi 50 minutos de duración apenas he parado de sonreír. Es original, emotiva, hilarante, cálida y nada pretenciosa. Con alguna que otra sorpresa en las voces de los protagonistas, el malo no tan malo y una gran técnica que evita el desentonamiento de este episodio con la totalidad de la serie (mostrando inquietudes universales de sus protagonistas en cada número), este inusual episodio es una auténtica joya de la televisión. Tras el buen episodio de ''Silencio'', Joss Whedon se corona con este bonito homenaje al espectáculo de Broadway y las luces y coreografías de los mejores musicales.

Y mi pregunta es: ¿Qué hubiera pasado si Joss Whedon hubiera escrito cada uno de los episodios de toda la serie?
Quizás hoy no estaríamos hablando de una buena serie de culto, si no de algo más grande...