Para describir objetivamente el documental "The Beatles Anhology", lo mejor es hacerlo lo más subjetívamente posible. Sí, han oído bien, porque hablar de la historia de John, Paul, George y Ringo (que nombres tan familiares) es hablar de MAGIA con todas sus letras.
Así pues, el mejor modo de comprobar si todavía conservas algún resquicio de humanidad en tu interior es ir, y comprar los 8 volúmenes del Anthology, para acto seguido insertar el Disco 1 y pulsar Play...

...Si comenzando con un primer plano panorámico de la ciudad de Liverpool en color sepia, mientras se distinguen los primeros acordes de "In My Life", llegas al final de este maravilloso viaje con la reflexión final de cada beatle, (especialmente la de Ringo, colosal), y aún no has derramado ninguna lágrima, amigo mío, lo único que necesitas es amor.

Porque, tal y como nos enseñaron aquellos cuatro chicos de Liverpool, en el último tema que grabaron, "Y al final, el amor que tomas es igual al amor que das".

Nos encontramos ante un film que ejemplifica lo que es, simple y llanamente, cine en estado puro.
Si nos ponemos a hablar del guión, lo podemos sintetizar por entero en cuatro palabras: "una historia de venganza".
Pero lo que realmente es cine, y no me cansaré de repetirlo, no es el guión (contenido), sino el rodaje en si -caracterización de los personajes, interpretación de los mismos por parte de los actores, y los planos-; así como, no pudiendo ser de otro modo, la ordenación de estos últimos logrando dar vida propia a un film, lo que se llama el montaje, el cual no es más que aquello que constituye el alma de una película, equiparable a lo que supone la función del bajo en la música... Esto es lo que yo llamo "forma" con todas sus letras. Y de esto de la forma, Kill Bill tiene a saco, para dar y tomar.
En primer lugar, todos los actores bordan sus papeles (en ambas entregas), destacando como no a una Uma Thurman formidable en el papel de *1, seguida dicha interpretación, en mi opinión, por la de Michael Madsen haciendo de Budd, quizá el personaje más completo de ambas películas al haberle dotado Quentin de un encanto muy particular. En lo que concierne a los demás personajes todos clavan su papel, destacando la actuación de Daryl Hannah interpretando a Elle Driver.
Por otro lado, tenemos un montaje que da miedo, siendo uno de los mejores que he visto. Y no me refiero únicamente al estilo al que ya nos tiene acostumbrados Tarantino a la hora de componer la estructura narrativa de la obra (que ya es una logro en sí mismo), sino sobre todo a la ordenación que hace este genio de los planos en una misma secuencia, haciendo especial hincapié en las escenas de acción, y aún más concretamente durante la sangrienta batalla que se da lugar en el Capítulo 5. El montaje llevado a cabo durante el desarrollo de toda la pelea no tiene palabras para describirse. Es una hazaña realmente jodida; y, como dice Tarantino en los extras, los mejores directores son aquellos que saben dirigir el género de acción (eso sí, nadie lo hace tan bien como él). Además, este capítulo goza de tener, en mi opinión, el mejor plano secuencia de toda la película. En éste, la cámara fluye por toda la escena, dando una sensación de espacio abierto pocas veces vista antes en cine, y sólo comparable, en mi opinión, con algunos ejemplos del maestro Kubrick.
Siguiendo en la línea de los elogios hacia este magnífico film, añadiré otros detalles técnicos de la película como son el empleo de la fotografía (a veces hasta se nota una cierta influencia de Almodóvar), con hermosos filtros y sobretodo magníficos encuadres. En este apartado me remitiré nuevamente a la secuencia de la pelea con los 88 Maníacos, en donde Tarantino demuestra un dominio del color en todas sus facetas, desde el color en color, valga la redundancia, hasta el blanco y negro, pasando por el rodaje en nocturno, y sin olvidar el capítulo 3, rodado por entero en manga. (Sigue en SPOILER)

"Reservoir Dogs", antecesora de la culminante "Pulp Fiction", fue el primero de los 5 largometrajes oficiales filmados por Quentin Tarantino hasta el momento (tomando Kill Bill 1 & 2 como un sólo filme y sin tener en cuenta el capítulo que rodó para "4 Rooms", la pequeña parte que dirigió en la famosa "Sin City" y el episodió filmado para la conocida serie americana "CSI"). El filme trata sonbre un atraco fallido a un banco debido, supuestamente, a que existe un topo entre los atracadores, y uno de los fines más concretos en el aspecto argumentativo de la película, es averiguar quien es el "traidor". El atraco en si no llega a verse nunca. Lo que contemplamos, y que además respresenta la historia central de la película, son las consecuencias que desencadenan dicho atraco, y algunos momentos anteriores a este.
Casi se puede concebir como una obra teatral, ya que el escenario principal (un sencillo almacén) es siempre el mismo, salvo en los diveros flash-backs, llevados a cabo de una forma magistral y dejando entrever ya en este, su primer filme, el estilo propio y orginal creado por el director. Dicho estilo sería remarcado y culminaría en su siguiente film, la ya mencionada "Pulp Fiction" que, precisamente por el éstilo llevado a cabo en la estructura narrativa, sería maestra y pionera de muchas otras películas que trataron (y tratan) de imitar la estética del director. (Continua en el spoiler).

Esta película constituye un ejemplo evidente de como el público se deja influir, consciente o inconscientemente, por la opinión que postula la masa popular de que "Titanic" es una bazofia. Ahora yo les pregunto: ¿Por qué? ¿Por ser una historia romántica?, ¿Por aparecer un actor tan infravalorado por los espectadores de hoy en día como es Leonardo Dicaprio? Es realmente fácil rajar sobre cualquier peli, decir que es una basura y ponerte a contar ovejitas. Pero se nota que James Cameron (Sí, sí ¿el mismo director de las ya clásicas Terminators 1 y 2 hizo esta "mierda"?) se dejó la piel en esta maravillosa obra que, junto con la igual de magnífica pero completamente diferente "L.A. Confidential", constituyen los dos únicos ejemplos de cine contemporáneo, que no sólo beben de los filmes clásicos, sino que directamente están dirigidos como si de una propia película de cine clásico se tratase (por lo menos los dos únicos que un servidor haya videado). “Titanic” es una jodida obra maestra se mire por donde se mire y le pese a quien le pese.

Y a propósito, Leonardo Dicaprio, aunque a mucha gente le toque la fibra por ser el típico guaperas de turno, es un actor que ha ido ganando muchísimo a lo largo de los años, y que hoy en día, sobre todo en sus actuaciones de las películas más recientes (aunque la presente tampoco es que sea un muy mal ejemplo) se encuentra entre los mejores actores habidos en la actualidad (sino videar sus cojonudas actuaciones en pelis como "Infiltrados" o "Revolutionary Road"). Atrás quedó el Dicaprio de aquella embarazosa "Romeo y Julieta".

Película que visioné con 8 años en el cine. Desde entonces, atrapó mi corazón del mismo modo en que mi corazón quedó atrapado en ella. Cuando salió en video volví a verla unas cuantas veces más; decidí que, a pesar de encontrarme ante una buena película, formalmente no era nada del otro mundo. Ahora, 12 años después, "La vida es bella" me ha vuelto a cautivar como cuando niño. He sucumbido a ella, como he sucumbido a una visión del cine en la que el aspecto formal no lo es todo. Como aquella "Rosa púrpura de El Cairo", en la que el bueno de Woody Allen hacía una declaración de amor sin miramientos al cine, al mismo tiempo que reivindicaba la gran pantalla como forma de evasión de la realidad, la obra de Benigni constituye un claro ejemplo de lo que el director estadounidense trataba de hacernos ver. En "La vida es bella", tanto primera parte como segunda, nos son mostradas como si de un cuento fantástico se tratase. El protagonista, a la vez que director, nos da una buena lección de lo que es el amor en todos sus sentidos (amor a una mujer, amor a un hijo, amor al arte). Nos muestra una forma de ser, completamente desinteresada, sin necesidad de tener que traumatizarse por acontecimientos, ante los cuales cualquier persona tiraría la toalla en cuestión de segundos. Así es Guido, un hombre que por encima de todo ama el mundo en su conjunto, contemplándolo como un regalo único con el que ha sido obsequiado. Guido ama este regalo, y no está dispuesto a que alguien o algo le haga cambiar de parecer. Y precisamente este hecho, el hecho de que nada ni nadie le pueda arrebatar su preciado deseo de amar incondicionalmente, convierte a nuestro protagonista en uno de los personajes con los testículos más grandes que este invento del cine nos ha caracterizado tan excepcionalmente. Como ya he dicho, o por lo menos se ha podido deducir de mi comentario (porque esto de crítica tiene más bien poco), la película trata de una historia de amor; sin embargo este concepto es contemplado desde dos visiones completamente diferentes (en la primera parte el amor platónico a una mujer, y en la segunda amor a un hijo) a la vez que tratado desde dos géneros completamente opuestos (primer acto comedia, segundo drama). Y en ambas partes, Roberto Benigni da en el clavo. Sobre todo, en lo que concierne a la parte de la relación de Guido con Dora, hay secuencias magistrales, destacando por ejemplo aquella escena de los dos frente a la casa de ella, y Guido, antes de despedirse, dispuesto a desnudar sus sentimientos ante ella sin complejos, ejecutando un diálogo tan efectivo e inigualable como el expuesto por el protagonista . Ejemplos como éste son los que hacen que una historia romántica como esta no caiga en el típico-tópico sentimentalismo barato tantas veces explotado a lo largo de la historia del cine. Y, en consecuencia, hacen de una historia romántica algo completamente desenfadado, ingenioso y por supuesto nada empalagoso (Sigo en el Spoiler).