REBEL ganó con todo derecho el Premio a la Mejor Película en el pasado BCN Film Fest. Los personajes están comprometidos con una situación real que, lamentablemente hoy y quizás mañana, ya no necesita ser demostrada: el condicionamiento brutal y feudal de una parte de la juventud por parte de los grupos islamistas en la década del 2010. El cine juega correctamente su papel artístico, cultural y social al describir la trayectoria de Kamal, un joven belga, que salió a Siria para limpiar su actividad criminal en su país y a petición de su madre, Leila. Primero comprometido en un proyecto humanitario, se encuentra a pesar de sí mismo envuelto por la ola rompiente de Daesh. La película es compacta, a menudo sin aliento, cruda, a veces sorprendente en las elecciones escénicas, pero el espectador no puede levantarse de su asiento ya que ciertas imágenes impactan por la ferocidad, la barbarie, la intolerancia, el anacronismo, el dolor y, a pesar de todo, a veces la dulzura suspendida en una mirada, una sonrisa, un abrazo, una palabra.

Si los manantiales vinculados a la historia de la familia de Kamal, Leila y Nassim se han vuelto algo convencionales hoy en día, el tratamiento de los “locos de Dios” es más edificante que los reportajes televisivos que han regado nuestra vida cotidiana desde el trágico año 2001. La locura asesina que se muestra a través de las imágenes cinematográficas cuestiona por completo qué es la fe. Así que, si el espectador quiere estar informado, la película merece la pena, pero si es para entretenerse, puede seguir su propio camino. Imágenes realistas, nerviosas, mordaces, pero también controvertidas, desfilan ante nuestros ojos, porque las repetidas y a veces extremas secuencias de violencia -la película está inspirada en hechos reales ocurridos entre 2011 y 2013- acaban aniquilando el potencial de reflexión del espectador, desactivando la intención de considerar la película como una posible arma política.

Sin embargo, la película quizás se convierta en el recuerdo de los trágicos acontecimientos que han azotado dolorosamente a muchos países en los últimos años. Una memoria colectiva para subrayar el creciente peligro del enrolamiento de jóvenes occidentales en busca de un reconocimiento tribal y existencial. La película no cae en la trampa de moralizar el discurso frente a este tema sacudido por otros conflictos, pero aún ardiente. Los directores, Adil El Arbi y Bilall Fallah, parecen no tener la ambición de dar respuestas sobre el extremismo religioso de sus personajes Abu Amar o Idriss, por ejemplo. Aprendemos muy poco sobre sus motivaciones. Y en ocasiones unos interludios de baile rap y hip hop endulzan el tema final sin peso real, rayando incluso en lo superfluo. ¿Qué razones subyacentes pueden empujar a hombres y mujeres a cometer tales actos? Los cineastas no se detienen en este punto.

Está claro que la película quiere desenmascarar el terrorismo islamista visto desde dentro, pero no aborda suficientemente los medios utilizados para enrolar y manipular a la juventud. El planteamiento de motivos sociales, culturales, religiosos o incluso individuales habría permitido ampliar la fuerza de la película que, sin duda, pretende desmitificar la imagen de los terroristas. Los desacredita y los revela como individuos vulgares. Uno contempla con temor y asombro el adoctrinamiento de Nassim y otros jóvenes en una guerra que los líderes llaman “santa”, pero ¿cómo puede una guerra ser santa? ¿Significa esto que la santidad es inseparable de la violencia? Sí, tal vez, porque es habitual atribuir la causa de la violencia al fanatismo cultural, religioso o psicológico, omitiendo otros factores sociales más profundos como las relaciones de poder. En el caso de la violencia yihadista destacada en la película, los asesinos matan como agentes individuales y lo hacen por motivos personales que la película no sugiere realmente, como ya hemos señalado. El que mata no es el islam, sino el yihadista que pretende defender su propia supremacía.

La película muestra la prueba de este discípulo involuntario que es ante todo un hombre con dudas y un miedo en las entrañas que sigue creciendo. La tragedia es que la mayoría de estos discípulos no se ven a sí mismos como bárbaros, sino como soldados que esperan y obedecen órdenes. El matiz es más difícil de ver cuando el objetivo del fanatismo es la perversidad. ¿Puede una cultura, religión, forma de vida diferente justificar las últimas escenas de la película? La respuesta es obvia, pero el miedo implacablemente escenificado se apodera por completo. Frialdad y brutalidad. Precisamente otro punto fuerte de la película radica en la sensación de inseguridad constante, ayudada por unos personajes bien encarnados, fluidos y contundentes.

El escenario altamente documentado y la puesta en escena están modelados sobre un principio de inmersión discreta que pretende ser primero salvador para Kamal y luego pernicioso. El primero sigue con precisión las acciones de Daesh donde se mezclan expectativas, dudas y tensiones, la segunda se inclina a los códigos del thriller para intensificar un suspenso que recuerda mucho a un nudo corredizo. Los guionistas optan por permanecer lo más cerca posible de sus personajes, aunque la intimidad de cada uno se queda en un esbozo, al igual que la expresión de sus convicciones. Ver a Kamal comenzar su transformación es una idea ingeniosa: la cámara se convierte en un espejo que adquiere un malestar cada vez más pronunciado mediante el uso de paneos o la disposición de travellings alrededor del personaje. Cuanto más está en movimiento la película, más sacude la comodidad del espectador, más gana en impacto su tema, porque logra identificar el carácter angustioso de las situaciones. El flujo de la trama está bien realizado. De hecho, el resultado no es fácil de adivinar y la película nos mantiene en vilo hasta el final.
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Observando el cartel ya nos hacemos una idea de lo que veremos en pantalla y si se ha visto la obra de teatro esa idea todavía es más clara. Letras rojas, colores subidos, mucho contraste y cuatro rostros apilados y oprimidos con expresiones distintas que simbolizan personalidades diferentes. La popularidad de los actores y actrices hacen que la oferta sea más atractiva y puede condicionar la reacción del público, especialmente si sigue la producción audiovisual catalana. Tan solo con esa imagen, y el texto, ya apetece ir a verla. Es curiosa, y cierta, la frase: “La comèdia catalana de l’any. Bé, potser també l’única” que podemos leer en el cartel. Hay otras películas sobro escapes rooms o similares, y al menos una tiene el mismo título, pero en este caso, a pesar de ser de género, la calificaría principalmente como comedia.

El hecho de tener tan pocos personajes, básicamente solo dos parejas, requiere de una historia que no decaiga y esto lo consigue mostrando una serie de pruebas ingeniosas y divertidas que forzarán a los participantes a afrontar la verdad.

La adaptación del lenguaje teatral al cinematográfico no siempre funciona, pero en este caso el resultado es inmejorable. Al contar con los mismos actores que en la obra de teatro, exceptuando Ivan Massagué, se nota una gran complicidad y fluidez entre los actores (y actrices). Haber representado un papel tantas veces en teatro es una ventaja pero también puede complicar la adaptación interpretativa al cine, que es un entorno diferente. Es cierto que las películas no tienen la calidez y proximidad del teatro pero ofrecen recursos muy interesantes como la gran variedad de planos posibles, los flashback, la fotografía, la edición del sonido, etc. y esto sabe aprovecharlo el director.

La película funciona muy bien tocando diversos géneros y temáticas, pero es, sobre todo, una cómica reflexión de la hipocresía de nuestra sociedad. Trata de las convicciones cerradas y retroalimentadas que nos limitan y de lo próximos que estamos unos de los otros a pesar de que podemos sentir, e incluso creer, que somos mejores los demás. Condicionados por las circunstancias y los deseos no somos seres de una forma concreta, ni somos verdad absoluta, sino que más bien somos una mezcla que incluye la mentira y la debilidad. El engaño no es solo hacia los otros sino, principalmente, hacia nosotros mismos. Es de aquellas películas que cuando acaba continúa puesto que quieres seguir comentándola.

Cuesta encontrar buena comedia, que enganche, y todavía más superar la sonrisa y acabar riendo con ganas. En este caso los personajes nos atrapan y nos vemos identificados en sus comportamientos un tanto exagerados como corresponde a toda buena comedia.

Por todo el expresado, y el éxito teatral que todavía dura después de más de 500 funciones, la película promete y lo mejor de todo, no decepciona.

Su estreno será en los cines de Cataluña el próximo 11 de marzo. Os la recomiendo.

Se trata de un cortometraje tenso, crítico, teatral, crudo, sencillo y con buenos diálogos. En su mayor parte se desarrolla en interiores y el uso del espacio abierto tiene que ver con el desarrollo de la protagonista. Ambos actores hacen una interpretación excelente, especialmente Manolo Solo. Es una historia llena de realismo, subrayada por la cámara que los sigue y tiembla y la ausencia total de música.


Otros cortometrajes que recomiendo de este director y en los cuales se ve su particular estilo:

Uno

El vestido (donde interviene la misma actriz)

Classmate

Casitas (uno de sus dos únicos cortometrajes cómicos)

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Excelente cortometraje con un fabuloso dominio de la imagen que presenta dos mitades claramente diferenciadas. La primera mitad juega con la superposición de imágenes y planos cortos y sugerentes. Los atractivos protagonista llenan la pantalla ante una cámara que les adora. La segunda mitad trata de explicar la situación y resolver la historia mostrando el contexto.

Resulta magistral el juego de reflejos combinado con la música. Ambos actores tienen una gran carga erótica que el director ya ha ido mostrando en las escenas previas y sabe aprovechar. Este uso de la superposición del reflejo me recuerda a la película Alicia en las ciudades de Wim Wenders pero con el añadido, imagino que calculado, que realmente se tocan en esa imagen proyectada. El contacto llega a ser tan preciso como para que los dedos de él acaricien suavemente los labios de ella en su totalidad hasta entrar en su boca. El reflejo borroso en el cristal combinado con la música resulta onírico y despega a los protagonistas de su dura realidad.

En su última parte, pese a utilizar elementos de tensión como activar el cronometro, no consigue ser tan interesante y deriva en un final impactante, principalmente por el contexto y por el hecho de ser una historia próxima a la realidad. Es un claro ejemplo de aquella frase que dice: La realidad supera la ficción.

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Desde el primer momento intuimos que estamos ante dos personas que posiblemente son víctimas de algo, puesto que el niño tiene un moratón en el ojo y ella esta escapando. Queremos saber qué ha pasado y ese es el gancho de la historia.

Está bien interpretado y es creíble aunque deja una sensación de cierta indiferencia pese al fondo que tiene lo que nos cuenta. Por si alguien lee esta crítica con la intención de verlo por primera vez escribiré el resto de la crítica en zona spoiler.



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