El documental de Sebastián Alfie, “Gabor”, se ha alzado con el premio a Mejor Largometraje Documental español en la XI edición del DocumentaMadrid. Con la delicadeza y ritmo de una historia de casualidades reales, Alfie construye un relato que emociona, motiva e inspira.

Las casualidades de la vida a veces nos llevan a cosas extraordinarias, a historias que necesitábamos sin saberlo. Un encargo de la organización solidaria Ulls del món, cuyo objetivo principal es mejorar la salud visual de las personas con patologías oculares, lleva a Sebastián Alfie a necesitar una cámara que pocas personas poseen. Gabor es una de esas personas, y es, casualmente, una persona invidente. Este encuentro es el germen de una historia de superación, de cómo mirar de frente a tus dificultades y plantarles cara. “Gabor” es un documental que narra cómo un ciego se convierte en el director de fotografía de un anuncio publicitario, que le llevará a viajar hasta América del Sur a encontrarse con sus propios límites, o descubrir la falta de ellos.

El personaje de Gabor es encantadoramente real. De origen canadiense y antiguo director de fotografía, a principios de siglo comenzó a quedarse paulatinamente ciego, hasta caer en la oscuridad. Junto a su perro Gustav, se había marcado unas fronteras, que se vieron atravesadas por la ilusión de Sebastián Alfie y su proyecto. Trabajando a sus órdenes, nos damos cuenta que el señor Gabor goza de una lucidez mental apabullante. En su cabeza guarda las imágenes que una vez pudo ver, y su imaginación se potencia al extremo. “Es una persona que ve”, dice alguno de los miembros del equipo durante el documental. Con “Gabor” aprende, y aprendemos todos.

“Gabor” cuenta un proceso, una búsqueda, un camino. El montaje entre las imágenes, con planos variados y ágiles, con la música, con los consejos de la madre del director (asesora de personas ciegas), es francamente brillante.

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Los escándalos de abusos sexuales del político francés protagonizan una de las películas más polémicas del año. Además, el nuevo film de Abel Ferrara ha tenido un estreno mundial en plataformas de distribución online, al mismo tiempo que se proyectaba en Cannes.

La sensación general de “Welcome to New York” es un regusto a regañina. Ferrara muestra la caída de un poderoso político francés, cuyo ritmo de vida sexual desenfrenado e inmoral se ve sancionado en la ciudad neoyorquina. No se nos escapa este espíritu moralizador que el mismo título de la película parece anunciar (“Bienvenido a Nueva York”), y que culminan en un film reprobatorio contra este tipo de personas que representa Dominique Strauss-Kahn, ente inspirador de la historia. Este tipo de personas que representan, a su vez, el capitalismo más sucio y la arrogancia de los poderosos.

La calidad de Abel Ferrara, que ya deslumbró en “El Funeral“, en cuanto a imagen y narrativa es indiscutible. El señor Devereaux – nombre que adquiere el personaje principal de la película – no es alguien aislado. Su historia es una mirada concreta, pero también un reflejo global de un estilo de vida que pertenece a los poderosos, y que pasa por el abuso, la violencia y el machismo más absoluto. El señor Devereaux es un ser a todas luces repugnante que, a pesar de ser juzgado y expuesto a la condena pública, seguirá con sus abusos sexuales. Como bien se indica al principio del film, los hechos se extraen de juicios públicos, pero la interpretación y personajes son ficticios, hasta donde cada uno lo quiera considerar. Lo que está claro es que la ficción siempre tiene un espacio en el cine.

El cerco que “Welcome to New York” ha sufrido en el Festival de Cannes de este año ha llevado a la productora Wild Bunch a revolucionar su distribución con un estreno multiplataforma. Al mismo tiempo que se proyectaba en Cannes – en una sala independiente del festival -, las plataformas Filmin, Yomvi, Wuaki y Nubeox, entre otras, ponían a disposición de los usuarios españoles una de las cintas más polémicas del año.

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La cartelera española acoge la nueva película del mítico director estadounidense Jim Jarmusch, un hito en el cine underground. “Solo los amantes sobreviven” es un fresco gótico y atormentado sobre la vida de los vampiros en el siglo XXI, una vida de soledad, melancolía y hambre.

La fantasía, o mejor dicho las criaturas fantásticas, no son un recurso muy habitual en las películas de Jim Jarmusch. Sí lo es, en cambio, la voluntad de mostrar una historia sin una finalidad específica pero con un mensaje claro y redondo. Todo acompaña en “Solo los amantes sobreviven“ a ese aura de desolación, tanto de los propios vampiros como de la ciudad de Detroit, que envuelve el día a día – o noche a noche – de la soledad eterna de dos amantes abocados a la vida. Estos amantes viven en una resaca permanente, marcada por el ansia de sangre, pero sabiendo que matar humanos en el siglo XXI traería consecuencias de las que no podrían huir.

Tom Hiddleston y Tilda Swinton, caracterizados cual estrellas del rock con el mono de la droga, destilan en sus lentas maneras unas vivencias que no se cuentan, un pasado escondido que no conocemos tras el respeto que profesa su misteriosa personalidad. Reside aquí el encanto de sus personajes, que, pese a sus hipnóticas maneras, se ven eclipsados por el cambio de ritmo que supone la entrada de Mia Wasikowska, corta pero intensa. Pero sabemos que solo los amantes sobreviven, porque en la alianza está la supervivencia. Aun así, estas tres estrellas, con sus Ray-Ban negras y su ropa indie dentro de una discoteca de música en directo, no hacen más que recordarnos a la estética hipster con toques góticos, creando un concepto vampiresco cuanto menos original.

Muy alejada queda ya “Extraños en el paraíso“(1984), de los primeros éxitos de Jim Jarmusch y uno de los films bandera del cine underground. La técnica ha cambiado, la imagen es más coqueta, las formas más dinámicas, pero la esencia de Jarmusch sigue ahí. Así reconoció el jurado del Festival de Sitges a “Solo los amantes sobreviven”, con su Premio Especial, así como el Festival de Cannes, que decidió incluirla en su Sección Oficial. Quizás por estos reconocimientos, quizás por sus actores de talla internacional, el film ha llegado a unas pocas salas españolas, a diferencia de otras muchas que ni siquiera asoman la cabeza en España si no es por plataformas como Filmin. Son películas de minorías, de nichos, de resistencia, no aptas para un desarrollo convencional.

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“Ida” cuenta la historia de Anna, una joven huérfana que a escasos días de tomar sus votos como monja vivirá un viaje con su tía que le removerá algunos esquemas. Pawel Pawlikowski nos trae esta joya en blanco y negro ambientada en la Polonia de la posguerra, haciendo gala de una sensibilidad especial al tratar desde nuevas perspectivas los crímenes contra los judíos. “Ida” está disponible en Filmin.

Anna es joven y atractiva, y no ha visto nada más allá de su convento. Pero esos años de inmersión exhaustiva en la fe católica han hecho bien su trabajo, y se dispone a tomar sus votos para convertirse en monja. A raíz de un viaje a casa de su tía, su único familiar vivo, surgen las preguntas que tanto tiempo habían estado enterradas. ¿De dónde es? ¿Qué les pasó a sus padres? Los interrogantes la llevan a conocer su identidad judía y a emprender un viaje con su tía en busca de respuestas.

Y es que Anna no es Anna, es Ida. Y no es católica, es judía. A partir de estos descubrimientos, la decisión está entre el amor a la vida o el amor a Dios. Todo en “Ida” transcurre con avances mínimos pero con encanto en cada una de sus escenas. Pese a parecer que caerá en otros referentes de su estética, Pawlikowski ahonda en los detalles, en las expresiones, en las emociones contenidas hechas silencio. Nos llena lo que no nos cuenta, lo que nos sugieren los ojos vacíos pero incendiarios de Agata Kulesza. Y no es fácil tratar un tema tan removido como es el Holocausto, aunque solo suponga el background de “Ida”

“Ida” escapa de las convenciones estéticas, pero construye un relato con ritmo constante, ayudado por su corta duración – 80 minutos. Toda la película está rodada en blanco y negro, lo que le da ese aire de historia antigua que acompaña con un juego de luces y sombras muy interesante. La guinda de la originalidad estética de “Ida” la pone la pantalla de 4:3, que deja un marco negro a la imagen que acentúa aún más la sensación de lejanía de la historia. No sé si será la técnica, la estética, las interpretaciones, o una ingeniosa mezcla de todo, pero lo evidente es que “Ida” huye de la indiferencia y emociona. Transmite belleza y sensibilidad en todas y cada una de sus escenas, dejándote en alguna de ellas sin respiración. Simplemente brillante.

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Los cuentos románticos clásicos han representado durante siglos unas creencias y modelos preestablecidos en las relaciones de pareja entre un hombre y una mujer. En un tiempo en que estas estructuras tradicionales están cambiando, la francesa Agnès Jaoui nos trae un relato audaz, a dos tiempos entre la fantasía y la realidad. “Un cuento francés” es un homenaje al romanticismo, pero también a las mentiras sobre el mismo.

Un “ceniciento” que deja la fiesta corriendo y pierde un zapato, una Bella Durmiente drogada o una Caperucita Roja que se enamora del lobo feroz. Quizás suene un poco extraño, pero eso es lo que nos enseña “Un cuento francés“, la decadencia de los personajes clásicos en el mundo actual. Y no es que Agnès Jaoui intente moralizar a su público a través de cuentos infantiles, sino que son su arma para contarnos una historia de amor llena de altibajos. Unos altibajos enormes, hay que decir, puesto que la pareja protagonista la conforman dos jóvenes con la cabeza llena de pájaros.

La directora nos propone un juego de ambientes. En la vida de Laura, la protagonista, todo es como una ficción, y así lo reflejan las miradas, los gestos y la música. Llegamos a ver incluso un arranque de pasión con canción latina de fondo incluida, cual telenovela mexicana. En cambio, la vida de sus padres y allegados se enfrenta a la realidad de los divorcios, el trabajo, los hijos y demás problemas cotidianos. Aquí ya no hay música ni polvo de hadas, sino las luces y sombras de la vida ordinaria. Jaoui sabe encajar muy bien estas dos realidades, aunque no llega a desarrollarse en una armonía perfecta.

De hecho, la película en su conjunto carece de equilibrio, y se puede confundir como una más a la lista de comedias románticas a la que nadie prestará atención. Y aunque el film destaca por un guion ágil y entretenido, premiado en el SEMINCI, en su conjunto no emociona. No obstante, “Un cuento francés” nos sumerge en los numerosos mitos que la cultura y la sociedad han creado en torno a los conceptos de “amor” y “desamor”. Jaoui parece decidida a mostrar cómo las mujeres en particular nos hemos visto afectadas por estos modelos, estas ficciones que hemos asumido y con las que hemos soñado tantas veces. Por ello Laura tiene esa necesidad de estar con alguien, cree enamorarse a primera vista, confundiendo la atracción con el amor. Y por ello necesitará una bofetada para despertar de su sueño de Bella Durmiente, de la ilusión de un romanticismo caballeresco que pocas veces acaba comiendo perdices.

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