Cuando la pantalla se pone en negro y de repente comienza a repicar con fuerza una de las sintonías más legendarias de la historia del cine es inevitable que el subconsciente de cualquier fan de la saga original de La Guerra De Las Galaxias se transporte hasta cuatro décadas en el pasado. Algunos eran niños, otros no habían nacido. Algunos han muerto ya.

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana… Se lograba la magia.

Muchos años han pasado, otra trilogía, mientras tanto, con el sello del propio Lucas, entre denostada e ignorada por los seguidores más acérrimos. Pero una nueva esperanza se entrevió cuando las informaciones apuntaban a que J.J. Abrams pilotaría la nave en la trilogía que daría conclusión a esa guerra entre el Bien y el Mal, República e Imperio, Fuerza y Lado Oscuro.

Episodio VII: El Despertar de la Fuerza se beneficiaba de tener un listón muy bajo, con bastante más de remake que de continuación, en el que se conseguía enviarnos de vuelta a la galaxia, por fin, pero una vez desenmascarado, perdía midiclorianos en sucesivos visionados. Aunque si hay una cosa que Abrams sabe hacer muy bien es cerrar un capítulo y dejar con ganas de más.

Luke Skywalker. The Last Jedi. Razón más que suficiente para pagar la entrada que haga falta y ser espectador durante más de 2 horas de lo que sea que nos quieran contar. Esta vez bajo la tutela de otro alumno aventajado, Rian Johnson, que también dispone de una estimable legión de followers, sobre todo después de su magnífico debut con Brick. La cosa no pintaba mal.

Las expectativas nunca han sido un buen aliado y se convierten en una losa de la que resulta difícil levantarse. El primer tercio del metraje tampoco ayuda, con un arranque algo perezoso que rebajaría cualquier euforia inicial. La irrupción de Skywalker daba para más. No es eso lo que nos encontramos. Su historia ya se contó, otra vez las expectativas. Sin embargo, poco a poco el desarrollo va cogiendo fuelle, entre otras cosas, gracias a un satisfactorio Kylo Ren alimentado por un Adam Driver que gana en carisma. Del Toro cayó en la marmita.

Tal vez su pilar fundamental es que el diseño de producción y el apartado visual vuelven a brillar especialmente, distracción que permite desviar la mirada y encubrir determinadas lagunas que de otra manera hubieran podido resultar insalvables.

Tampoco hace falta mucho más que apelar a la mística, quitarle el polvo a un buen sable láser y coreografiar alguna buena batalla para obviarle otros pecados y de esto obtenemos alguna que otra ración, por lo que uno puede acabar disfrutando del espectáculo.

En el fondo ya sabíamos que no iba a satisfacer plenamente nuestros deseos. Recordad a Yoda: “Hazlo o no lo hagas, pero no lo intentes”. Johnson parece que lo ha intentado.

Y por mucho que se intente hay ciertas cosas que son irrebatibles.


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Da la sensación que, tras pasar unos años y después de abandonar su refugio catódico, Steven Soderbergh ha tenido la determinación de volver a la gran pantalla y no permitirse a sí mísmo errar en el intento. Aquí estoy yo. Nunca me fui.

Así que, para su objetivo, ha decidido dejar a un lado la experimentación y la gaseosa y con una sonrisa de autoconfianza se ha preparado para entregarnos de nuevo uno de sus trucos favoritos.

Resultaría tremendamente sencillo sintetizar el visionado del último juguetito cinematográfico de Soderbergh como el reverso redneck y desprovisto de glamour de la saga Ocean´s y el tiro no iría mal dado. La cosa es tal, que el agua le salpica hasta a un Daniel Craig con aires de malote en una maniobra de casting que cae sobre los dos pies y los brazos en alto.

Se hace inevitable recordar la trilogía sobre la ejecución de un sesudo atraco planificado en un escenario estupendamente singular, donde transita esa fascinante galería de personajes dotados de química y en la que acompañaba en todo momento una banda sonora que te convertía en cómplice de todo lo que ocurría. Pero este hermanito menor tiene su propia personalidad.

La fórmula, como uno podría figurar, está dominada con soltura por el maestro, así que, una vez más, tenemos la oportunidad de asistir a una exhibición de ritmo, precisión, carisma, ideario estético y piruetas de guión marca de la casa que hará las delicias en cualquier sesión palomitera fuera de pretensiones.

En su recorrido, y como si de un viejo y estilizado automóvil de los setenta se tratara, la máquinaria se toma su tiempo para arrancar e ir subiendo de revoluciones para, progresivamente, llegar a la velocidad de crucero con el motor aullando alegremente y el brazo reposado en la ventanilla mientras uno recuerda aquella estupenda canción de Mac Rebennack y compañía.

La Suerte De Los Logan, ejercicio de estilo en toda regla, cumple en todos los apartados de sobra y se permite incluso regalarnos algunos instantes en los que las piezas encajan de tal manera que ocurre ese pequeño milagro del goce cinematográfico.


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Greta Gerwig lo ha conseguido. Si un Oscar se guarda en el cuarto de baño, ¿dónde demonios mete uno un Globo De Oro?

Dar el salto de musa del indie y mumblecore made in USA a creadora con todas las letras no debe ser algo fácil. Que le pregunten a Julie Delpi. No en vano, ya se había estado cultivando concienzudamente participando en nutridos proyectos junto a Todd Solondz, Woody Allen, Mia Hansen-Løve o los hermanos Duplass o trabajando y firmando guiones ya desde hace años junto a su pareja, Noah Baumbach, o su socio Joe Swanberg, Greta puede presumir de haber estado en el epicentro del movimiento desde el primer momento.

Con esta trayectoria a sus espaldas, la californiana se remanga la camisa y coge el timón para ofrecer una modélica cinta que captura en su mejor versión todos los requerimientos que uno pudiera solicitar en una proposición destinada sí o sí a ser estandarte de festivales como Gotham o los Independent Spirit Awards.

La capacidad de sorpresa es limitada, lo que es debidamente suplido con honestidad y acertadas ráfagas de sabiduría. Gerwig demuestra inteligencia y escoge hablar de aquello que conoce bien para presentarnos una historia con alta carga autobiográfica en el retrato de las tribulaciones de su alter ego, Lady Bird, arrojando de esta manera una Coming-of-Age movie intachable. Las relaciones familiares, una eficaz postal de la sociedad americana, la gris cotidianidad o la obsesión por las apariencias están al otro lado del objetivo con valorable precisión.

Para lograrlo, Lady Bird está fotografiada de manera que difícilmente puede mejorar sus pretensiones, así paralelamente la puesta en escena se conduce en perfecta sintonía y los acontecimientos se suceden ante nuestros ojos con una naturalidad y un desparpajo por los que más de uno vendería su alma. El paisaje humano del que se rodea juega a su favor y, claro, ya tienes el universo creado. Todo con la sencillez necesaria para narrar los instantes de la vida con verosimilitud, Lady Bird eleva su vuelo por encima de la media.

Con homenaje incluido a John Hughes y la mítica La Chica De Rosa, Greta Gerwig, en su ópera prima, lo ha conseguido.


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La primera parada fue en Brujas, a continuación llegó Hollywood. Ahora, la tercera etapa de la yincana cinematográfica del esforzado dramaturgo y director británico Martin McDonagh nos lleva hacia la imaginaria pero muy real población de Ebbing, Misuri.

Aunque distantes en el mapa, ambas guardan mucho en común, pero no, ni existía Twin Peaks ni existe Ebbing. Lo que sí son tremendos espejos de realidad son las desventuras y desgracias que sirven de motor de acción en este nuevo viaje que, con indudables méritos y, por supuesto, algún que otro defecto, tantos reconocimientos ha recibido en su puesta de largo por los distintos festivales del circuito mundial.

Antes de copar las categorías principales de los Globos de Oro, ya había cosechado en Toronto, Venecia o San Sebastián, para finalmente hacerse con las estatuillas a Mejor Actriz Principal para la tremenda fuerza de la naturaleza McDormand y al Mejor Actor Secundario para el talentoso Rockwell.

El autor de Escondidos En Brujas o Siete Psicópatas ha conseguido eso, la denominación de autor, por ser abanderado de un estilo perfectamente reconocible, aunque no genuinamente original, pero si totalmente paradigmático. Las reminiscencias a los hermanos Coen, Tarantino, Guy Ritchie o, incluso Clint Eastwood, no pillan por sorpresa.

Pero dejemos de hablar de hombres porque es, sin duda alguna, Frances McDormand la figura que se erige por encima de todo y de todos.

Rosie the Riveter (o Rosie la remachadora) aquel icono cultural que representaba y representa la lucha y la fortaleza de la mujer de clase trabajadora no podía haber encontrado mejor encarnación que McDormand. Su personaje, Mildred Hayes, se confronta a un universo impregnado de machismo, racismo, violencia o corrupción y hará cualquier cosa que sea necesaria para intentar sobrevivir a semejante hostilidad.

Y claro que está rodeada de un talento de altura, podríamos citar también a Peter Dinklage o a Woody Harrelson, todos ellos se contagian del arrollador despliegue de Frances, y se benefician de la pluma de McDonagh, que elabora un guión original rico en claroscuros, con salidas de tono y esa mezcolanza estilística tan remarcable en su obra. Hay western, hay drama, hay comedia negra, hay cine de denuncia. El menos pintado puede reir, llorar y retorcerse en su asiento durante su visionado.

Si esto no es lo que se llama disfrutar de una buena sesión de cine que me aspen, yo ya no sé lo que es.


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Hollywoodland. Año 2018. Se respiran tiempos de convulsión en la ciudad de las estrellas. La creciente influencia de las demandas sociales a través de las redes cristaliza en tendencia mundial y empieza a encontrar su eco en el conservadurismo imperante. Movimientos como #OscarsSoWhite o Time´s Up no pueden ser ignorados durante más tiempo por el establishment. Algunos signos comienzan a percibirse en los grandes artefactos de la industria, pero es Black Panther la que toma posiciones como uno de los primeros zarpazos en el universo Blockbuster.

Ésta podría ser la perfecta sinopsis de una película de ciencia ficción utópica o, sin ir más lejos, de un capítulo de Black Mirror, pero la cuestión es que está ocurriendo de verdad. Puedes salir a la calle, dirigirte al cine y comprarte un par de entradas para comprobarlo. Ve a la taquilla y consigue unas butacas para, el que aún no lo sepa, la nota de color de una de las franquicias más rentables del panorama cinematográfico. Marvel.

Resulta significativo que acercándonos a la segunda década del siglo una producción como la que nos ocupa resulte ilustrativa, pero encuentra en este proyecto a un perfecto aliado.

Un primer paso se materializó con el éxito en la pasada edición 2017 de los premios Oscar con Moonlight, un film con ADN netamente afroamericano. La polémica, por anecdótica, representación de la etnia negra en los Oscars, o en cualquier película mainstream en general, y la imparable reivindicación del rol femenino en todos los ámbitos, particularmente en un perfil como el que tenemos entre manos, se va abriendo camino.

Lo hace en la adaptación del cómic de Stan Lee y Jack Kirby, el primer superhéroe negro de los cómics estadounidenses de gran tirada y precedente de la creación del movimiento conocido como las Panteras Negras.

El resultado de la coctelera es un film de grandes audiencias con una interesante y necesaria reflexión política, habitado mayoritariamente por personajes de raza negra ocupando posiciones de poder, y aderezando el conjunto con una incipiente representación de fortaleza y relevancia femenina en la acción. Llegaban con retraso pero sean bienvenidas.

Claro que hay peros. La idiosincrasia de su universo roba protagonismo a su valoración como film. ¿Pueden ser excusables sus intenciones con las carencias del resultado final?. Sí y no. Todavía encontramos tibieza y timidez innecesarias que dotarían de mayor fortaleza al empaque. Se echa en falta más valentía en algunas decisiones. Definitivamente. Pero ya sabemos. Al igual que ocurre en la naturaleza, los grandes mastodontes se desplazan lentamente.

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