En todas las artes siempre hay un pionero que marca el camino a seguir y asienta unas bases que se utilizarán para la posteridad. El cine es el arte más joven y durante sus inicios se experimentó un rápido crecimiento y aumento de creatividad. En esta ocasión el cineasta D.W. Griffith produjo, dirigió y adaptó el guión basado en la novela The Chink And The Child (1916) de Thomas Burke. El resultado fue una película bastante distinta a sus super producciones más conocidas El nacimiento de una nación y Intolerancia. En Lirios rotos podemos disfrutar de una historia más intima, con pocos personajes y localizaciones. El tratamiento es más minimalísta, la carga dramática estremecedora y el tema que trata, sigue siendo de actualidad.

Se centraron muchos esfuerzos en un diseño de producción y dirección de actores, la fotografía es impecable, el rodaje casi en toda su totalidad fue en decorados interiores y el montaje de la película, soberbio. La gran fuerza narrativa y expresiva de las imágenes cautiva por si sola, la historia es más simple y su duración más accesible. Las actuaciones del triángulo protagonista alcanzaron grandes cotas de expresividad, donde hay que destacar un gran trabajo a quien fue la musa de Griffith, la espectacular actriz Lillian Gish. Su fragilidad y sus expresiones transmiten los sentimientos del personaje. Durante el rodaje de una de las escenas más angustiosas de la película hay varias anécdotas al respecto, pero por lo visto su actuación fue escandalosa entre el equipo de rodaje. El trágico romanticismo que desprende en sus escenas son inolvidables una vez que los ves, conceptos como el de la chica que no puede sonreír, entre otros, son de una intensa carga emotiva.

El actor Richard Barthelmess, interpretando al hombre amarillo, se mete en el papel de Cheng Huan. La ternura que desprende el personaje hacia la hermosa y desamparada Lucy es abrumadora, así como su ideal romántico de llevar a Inglaterra la doctrina de Buda. Todo ello se verá truncado en los barrios bajos por el personaje interpretado por Donald Crisp, padre de Lucy, un boxeador con dependencia al alcohol, el sexo y los malos tratos. La intolerancia, racismo y abuso de poder oscurecen una historia de amor imposible. Los tres actores lograron grandes interpretaciones, en conjunto con la fuerza narrativa de las imágenes. La comprensión y emotividad de la película es superior aún, no solo a otros melodramas actuales, sino, a la gran mayoría de películas.

Lirios rotos es excelente en todos los aspectos, a parte de un trabajado tratamiento en la composición de los encuadres, la utilización de primeros y planos detalle, fue en el montaje en paralelo donde se demuestra la gran capacidad narrativa y constructiva de Griffith. Algo que en la actualidad está asimilado como algo natural, aunque no siempre se utiliza de la manera correcta. Una mención especial para la gran escena en que la protagonista queda atrapada en el armario mientras su pérfido y despreciable padre intenta entrar. Me vino rápido a la cabeza una famosa escena de El Resplandor de Kubrick. En la actualidad hay una edición de la película con los fotogramas entintados, diferenciando distintas localidades y momentos del día, aunque la original es en blanco y negro. El talento y los adelantos que dio el cine en sus inicios son espectaculares y sin duda, Lirios rotos es de visión obligada, si encima disfrutas con los dramas que reflejan una realidad cruda, te tocará la fibra. Es sorprendente como está película con el paso del tiempo no envejece, sigue siendo un reflejo de la actual crudeza social.

Razas de noche es la adaptación cinematográfica de la novela Cabal escrita por Clive Barker en 1989. Él mismo se encargó de escribir el guión y dirigir la película. El presupuesto ascendió a 10 millones de dólares, muy elevado en aquel momento para su género.
Injustamente desvalorada y criticada, Razas de noche es una película caída en el olvido fuera de un minoritario círculo de aficionados al género, aunque resulta muy destacable en producciones de su estilo.

La ambientación conseguida es sensacional y la banda sonora de Danny Elfman crea cierto misticismo, el diseño de las razas de noche y las localizaciones nos trasladan a un mundo oscuro, siniestro y misterioso. Un inframundo donde el ser humano es el verdadero monstruo. Dentro del reparto, sin haber actuaciones destacables, cabe remarcar al director David Cronenberg en el personaje del Dr.Decker, un papel sumamente especial.

Razas de noche no es una película integra de terror, es un cuento macabro que trata sobre el miedo a lo desconocido. Refleja la cruel maldad del ser humano y la violenta reacción contra aquello que no se comprende por ser diferente.
Tras el buen apartado técnico encontramos una dirección que sin ser brillante, consigue absorber y entretener. Marca un ritmo constante y aun queriendo contar muchas cosas, consigue dosificar la información en pequeñas dosis adornando la historia principal, en la que el protagonista es nuestro guía.

Una producción para nada presuntuosa con un resultado carismático y memorable, aunque al final deja la sensación de haber querido explicar más de lo que se podía en sus 100 minutos. Pero eso fue culpa de las distribuidoras, que recortaron la duración de la película para su estreno en cines, la duración original era de 159 minutos, perdiendo luego el material recortado.

Entrañable película, que por desgracia ha quedado siempre a la sombra de Hellraiser, considerada como la mejor película de Clive Barker. Aunque personalmente, siempre he preferido a las Razas de noche.

El Cosmonauta es un interesante proyecto que nace de una iniciativa cada vez más extendida, pero fue una de las primeras películas de nuestro país en conseguir sacar adelante un ambicioso proyecto financiado mediante crowdfunding. Quienes puedan desconocer el método, se trata de un cooperación colectiva a través de la difusión de un proyecto para conseguir financiación de otras personas u organizaciones para su realización. Con Internet hay más facilidad para difundir este tipo modelo de financiación, es la herramienta ideal para mostrar una gran variedad de iniciativas.
Una de las propuestas más interesantes de El Cosmonauta es su modo de difusión, su estreno fue multiplataforma, el 18 de Mayo del 2013 se fechó un estreno con la intención de ser simultáneo en Cines, dvd, Canal+, y también de forma gratuita en la web oficial. Los tiempos están cambiando, la forma de consumir cine también, y este tipo de iniciativas de distribución pueden abrir otros caminos que convivan con el convencional; en ese aspecto, El Cosmonauta entra dentro de un movimiento pionero a nivel nacional.

También quiere unirse a la forma de narrativa transmedia, que consiste en ampliar la experiencia de la ficción a través de diferentes disciplinas artísticas. En lugar de diseminar, en este caso, el contenido de la película por diferentes canales como cines, dvd, tv, internet, móviles, etc. La narrativa transmedia propone, a parte del contenido existente, aportar nuevo contenido por Internet, videojuegos, móviles, cómics, libros, teatro, exposiciones, etc. Y cada canal debe aportar nuevos aspectos al todo, que se complementen entre ellos ampliando lo que sería el punto de partida, en este caso, la sinopsis de El Cosmonauta.

También hubiera sido la primera película española financiada íntegramente mediante crowdfunding, con la colaboración de más de 4500 personas que aparecen en los créditos. La productora Riot Cinema Collective compuesta por tres jóvenes integrantes inició el proyecto en el 2004, al principio todo parecía muy bonito, pero fueron surgiendo baches durante el camino de conseguir una financiación integra mediante crowdfunding. La cuestión es que se creó cierta polémica con el proyecto, su presupuesto ha sido aproximadamente de unos 860.000€ y no todo gracias al crowdfunding, pues al final el mayor porcentaje de financiación se recibió por entidades privadas y dinero público. Aunque la mayor polémica que tambalea la ética que sustentaba el proyecto, fue de forma mediática. La respuesta del director de la película, a un mail que recibió solicitando empleo en su productora. Eso podría ser una estrategia para hacerse auto publicidad, pero vaya, de cualquiera de las maneras es una desfachatez y una falta de respeto horrible.

Pero como lo que importa es la película, hay que procurar valorarla como tal, en parte dejando a un lado aspectos de su proceso de preproducción y polémicas adjuntas. Aunque, es entonces cuando se puede establecer cierta conexión, sobre todo con el resultado final. ¿Quiere esto decir que se trata de una mala película? No, en absoluto. Tiene cosas muy interesantes, pero su conjunto global no está a la altura de la pretensión que radica en la propuesta.
El Cosmonauta fue rodada en Letonia, Rusia y España, buscando de una forma bastante acertada una ambientación setentera de la antigua Unión Soviética durante la época de la carrera espacial, en un supuesto viaje a la luna. No dispone de un reparto de actores y actrices muy conocidos, pero han actuado mucho en televisión y han aparecido en papeles de películas con mucha distribución. Imagino que de ahí y la intención de buscar una distribución más amplia y comercial, se decidió rodar la película en inglés. A nivel personal creo que se trata de un error, pues dada la naturaleza base del proyecto, se tendría que haber apostado por rodar la película en ruso, esa falta de riesgo hace restar coherencia artística al conjunto.

El apartado técnico con el que se ejecuta la película está muy logrado, buena fotografía, encuadres interesantes, algún movimiento de cámara llamativo, bastantes efectos digitales que cumplen sobrados su cometido; una banda sonora efectista, aunque por momentos abusiva en la dramatización. En ese aspecto no hay quejas, incluso, potencia una puesta en escena interesante que durante el punto de partida de la película ayuda a mantener tu atención. La ensambladura de todo es lo que consigue que el resultado global termine en decepción, no por un montaje malo, el montaje está bien ejecutado y en algunos momentos con ideas muy interesantes. Pero ahí se puede apreciar como durante el camino del proceso creativo hay algo que se perdió o no quedó definido como una base solida de intenciones.

He leído opiniones que tachan la propuesta como una narrativa no lineal, pero vaya, lo he visto completamente lineal, excepto que alterna diferentes líneas temporales con una especie de mundo paralelo. Una propuesta muy interesante, pero en la práctica queda muy vacuo como conjunto global, en definitiva, me hizo pensar en Muriel de Resnais, pero de forma fallida. No revelaré nada de la película, pero me gusta que no se tenga que profundizar en información de los personajes para mostrar lo que importa, sus emociones a través de detalles, lo malo es que no se consigue transcender más allá de una barrera de apatía.
Otra característica de la película es que bajo licencias Creative Commons quieren ofrecer la posibilidad al público de montar la película a su gusto, desconozco si incluso con material adicional, siempre bajo un uso no comercial; por lo mismo creo que también se ofrece la posibilidad de ver, supongo que bajo pago, un final alternativo o distintas alternativas de montaje. De todos modos, es algo difícil de cuajar, pues tras ver El Cosmonauta no se genera el suficiente interés para querer extender la experiencia.

El director y guionista de cine austríaco Michael Haneke es conocido por mostrar ese lado oscuro del ser humano, con un estilo turbador consigue crear la sensación de malestar y agotamiento. La temática de sus películas trata problemas de la sociedad moderna, pero desde una perspectiva que no encaja con todos los gustos para terminar causando controversia.
En los últimos años Haneke ha estado cosechando premios y mejorando en sus obras; aunque también dirige Operas y se inmiscuye en otros proyectos, es su carrera cinematográfica la más fructífera y la que está consagrando su nombre. En el 2005, entre otros premios y menciones, lo nombraron mejor director en el Festival de Cine de Cannes por Caché. Tras realizar en el 2007 su propio remake norteamericano de la polémica Funny Games, llegó (aunque no de la manera más agradable) a más público. En el 2009 La cinta blanca consiguió el Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa y obtuvo nominaciones a mejor película extranjera y mejor fotografía en los Oscar; también consiguió la Palma de Oro en la 62ª edición del Festival de Cannes. Los mismos premios que ha ganado ahora entre el 2012 y 2013 con Amour, película que terminó por conseguir un Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Como guinda, el 9 de mayo le han otorgado el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2013.

En la actualidad, la situación de Michael Haneke es muy buena. A parte de los premios mencionados, ha conseguido algunos más sin contar con muchas de las nominaciones que no han sido premiadas, se puede afirmar que Amour es su obra de más éxito. Mucho se habla de la película, una minoría opina que se trata de un bodrio, de forma mayoritaria hay como un consenso de alabanzas, y lo más común es leer que se distancia de lo que nos tiene acostumbrado. No quisiera repetir con otras palabras lo que se puede leer en otros sitios, pero vaya, empezando por la puntuación y desde una perspectiva personal, la película me hizo disfrutar mucho, al terminar estaba muy excitado a la vez que agotado, en ese sentido, Haneke consigue de nuevo su propósito.
Lo que quiero remarcar es mi opinión sobre que Amour, no se distancia tanto como parece de anteriores experiencias que nos proporciona el cine de Haneke. Incluso afirmo que se trata de una de las películas "más Haneke", no en forma, pero si en contenido. A través de lo sutil ataca hacia las emociones, muestra un tema que de forma inevitable nos es cercano. Te agarra del cuello, poco a poco va apretando, pero sin llegar a doler... muy despacio te vas ahogando y cuando termina la película, la sensación de agotamiento emocional te paraliza en la butaca del cine.

Lo que más llama la atención es la supuesta sencillez que destila la película, pero cada elemento consigue mostrar algo, transmitir algo... no quiere decir que cada plano sea una obra de arte, ni que la relación de todos los elementos sea perfecta. Pero el desarrollo global de la película está muy bien trabajado, hay encuadres muy interesantes, movimientos de cámara muy conseguidos, con sentido dentro de lo que se explica, y sobre todo, un trabajo muy interesante en la forma de filmar el espacio. Una buena fotografía, sobria, detallada... sutil, con algunos momentos que destacan un poco más dentro de la acción, pero siempre con un tono en conjunto al ritmo fílmico.
El trabajo con los actores es lo que más sobresale, sobre todo los protagonistas. Jean-Louis Trintignant es espectacular, el punto de vista del personaje consigue remover el estomago. Pero quien destaca es Emmanuelle Riva, inolvidable en (Hiroshima mon amour, 1959) de Resnais y conmovedora para consagrarse en Amour. El resto de reparto principal es escueto pero muy bueno, y la aparición de la actriz Isabelle Huppert (La pianista, 2001) es interesante dentro de la relación de su personaje con los dos protagonistas y la historia.

El tratamiento sonoro también es muy notable, el hecho de que en la banda sonora sólo se utilice música diegética es una elección aplastante. De ahí que la sensación en el cine al terminar la película fuera de aplomo, consiguiendo un efecto extraño, toda la sala quedó inmersa en un silencio sepulcral y nadie se atrevía a levantarse de la butaca durante los silenciosos créditos finales.
Amour es para degustar con paciencia, si se conoce algo de Haneke y sobre todo, si hay afinidad con anteriores películas, la sensación que provoque Amour será contundente. Puede dar la impresión de ser una película en la que todo el rato te cuentan lo mismo, pero está tan llena de momentos inolvidables que después no consigues recordarlos. La película se puede definir igual que Georges, interpretado por Jean-Louis Trintignant, explica a Emmanuelle Riva una experiencia que tuvo de pequeño al ver una película en el cine. Puede que al tiempo de ver Amour no recuerdes bien todas las escenas, pero recordarás la sensación que te provocó, los sentimientos.

El cineasta Luc Besson (Nikita, El quinto elemento, Juana de Arco, entre muchos otros trabajos como escritor, productor y director), escribió y dirigió en 1994 una irregular historia de acción con elementos dramáticos. Una película que siempre a sido valorada de forma injusta, pues su tratamiento es especial e irreal. Con un suculento reparto, Besson nos cuenta una historia llena de ternura, pasión y acción. Dentro de la temática de la mafia, la corrupción y la violencia, se adentra en la vida de un asesino a sueldo implacable y nos muestra su otra cara.

Está película no alardea de tecnicismos, es muy efectista y sin llegar a profundizar en las situaciones que se van planteando, ni en los personajes, consigue transmitir un cumulo de emociones variadas. No hay que olvidar que se trata de una película de acción, quien no disfrute con este tipo de género la aborrecerá, pues tras su arranque pasamos por un interludio de calma, para poco a poco llegar a un climax que sin abusar, roza lo surrealista. Hay momentos que las transiciones de una situación a otra son algo bruscas y sobre todo al final, cuando el ritmo de la película adquiere otra connotación, dando la sensación de que todo es muy precipitado, aunque también consigue el efecto de hacerte perder el control, tal como ocurre en la situación de la película.

La película se desarrolla en New York y Luc Besson logra otorgar un estilo visualmente europeo, con muchas imágenes logradas, travellings interesantes y bueno planos. El contraste de las escenas de acción con los momentos más descriptivos, algunos detalles del comportamiento del protagonista y la interpretación de Gary Oldman, una de las más exageradas, son varios de los fallos que puede presentar la película. Lo que cuenta la película y el tiempo que se toma para hacerlo, puede resultar aburrido para muchos y muchas, siendo todo algo previsible y con un desenlace muy efectista y fácil. De ahí la diversidad de opiniones que siempre ha levantado está película, una película especial que puede gustar mucho o ser simplemente una historia hueca que no conduce a nada. Cada opinión vale y todo depende de la predisposición, gustos y tolerancia con que se visione. La banda sonora de Eric Serra es muy interesante, muy ambiental y simple, una mezcla de sonidos y violines que acompaña a la perfección las imágenes y situaciones. Ofrece a la película un aura especial de emociones y tensión, destacando la emotiva canción de los créditos finales Shape of my heart de Sting.

La película no tiene ningún tipo de pretensión, eso le hace sumar puntos, consigue el propósito de entretener con una historia imposible, aunque emocionante. El gran acierto de la película son sus personajes, que aunque sean exagerados e increíbles para el público, tienen carisma y consiguen ser recordados. Jean Reno encarna a Leon, un asesino a sueldo analfabeto, un tipo frío, calculador y metódico, pero introvertido y con una ligera disminución emocional. Natalie Portman en el papel de Mathilda, una niña con gran personalidad, sin suerte en la vida, el contrapunto inocente que necesita Leon. Juntos se complementan a la perfección, mantienen una platónica relación intensa y emotiva. La interpretación de Danny Aiello con Toni es de agradecer, un personaje de peso, sin demasiado protagonismo aunque importante dentro del desenlace. También disponemos de un grupo de malvados bien diseñados, dirigidos por un atroz, excentrico e irreal personaje protagonizado con maestría por Gary Oldman. Un papel muy sobre actuado, como suele ocurrir con Oldman, consigue realzar la figura del villano hasta el límite. La impresión que me llevé desde la primera vez que vi esta película, es similar a la de leer un buen cómic, por la forma de "dibujar" a los personajes, recrear las situaciones y compactar los diálogos. Para mí siempre fue una película especial, un consejo al verla, no busquéis defectos, pues hay muchos, hay que dejarse llevar para poder disfrutar de verdad.