La verdad es que es toda una osadía por parte de Martin Scorsese el presentar, en los tiempos que corren, una película de tres horas y media sin demasiada acción ni efectos especiales. Más aún, el empeñarse en darle formato de largometraje, sin caer en la tentación de las miniseries al uso, lo que, dicho sea de paso y a mi modo de ver, le hubiera encajado a la historia como un guante. Pero, el viejo maestro ha pretendido someter al espectador a una prueba de concentración y de paciencia, sabedor que solo en pantalla grande y sala oscura, el cine alcanza su verdadera razón de ser. Pero, una cosa son las pretensiones y otra distinta los resultados. Y hay que decir que, lamentablemente, “Los asesinos de la luna” no pasa la prueba del algodón. Sin desmerecer en ningún caso la brillante puesta en escena, ni las buenas interpretaciones de sus personajes principales, la película de Scorsese se muestra falta de nervio, sin capacidad de generar emoción ni empatizar con ninguno de sus personajes, en definitiva, como realizada con el piloto automático. Nada sorprende, en una historia que no deja de ser la misma que el director de “Taxi driver” nos viene contando desde hace décadas. Cambia el marco, eso sí, pero tanto los personajes como sus acciones, podrían ser trasladables a cualquier película de mafiosos de los años cincuenta o sesenta, y ni el carisma de Di Caprio puede esconder una sensación de “déjà vu” que acompañará al espectador a lo largo de 206 interminables minutos. Sin dejar de recurrir a los lugares comunes que han caracterizado buena parte de su filmografía, Scorsese sigue pasando cuentas al pasado de los Estados Unidos y, en esta ocasión, aprovecha para homenajear y reivindicar al mismo tiempo a las víctimas silenciadas de una Historia escrita a sangre y fuego.

Parecía claro, e incluso comprensible, que después del inesperado éxito que acompañó en su día a estos “Campeones”, la secuela no tardaría en llegar. Javier Fesser no ha podido resistir la tentación de estirar el chicle de su exitoso equipo, aun a sabiendas que este tipo de segundas partes acostumbran a ser tan generosas económicamente como pobres en el terreno artístico. Y si bien es cierto que esta “Campeonex” conserva alguno de los méritos que atesoraba su predecesora, hay que reconocer que por el camino ha perdido buena parte de la frescura y espontaneidad que hicieron del film de 2018 una comedia brillante. Se adivina en Fesser la intención de acercar la historia a las nuevas generaciones, de darle una capa de barniz woke tan al gusto del cine que se factura estos días, de adaptarlo, en definitiva, a los más jóvenes consumidores de contenido online. El cambio de entrenador a entrenadora sería el más claro ejemplo, y aunque no hay nada que reprochar a la interpretación de Elisa Hipólito, la ausencia de Javier Gutiérrez es un lastre del que la película no se puede deshacer a lo largo de su (excesivo) metraje. No obstante, persiste en la continuación el poder reivindicativo de un grupo de personas que se resisten a permanecer ocultos en una sociedad que les mira de reojo, verdadero motor de todo el proyecto. A golpe de humor punzante, de lecciones de compañerismo y dignidad grupal consiguen que la nave no se hunda más de lo inevitable, aunque, en el global, sobren grandes dosis de previsibilidad y subrayados. Sin poder evitar el sabor a fórmula repetida, podemos decir, sin riesgo a equivocarnos, que la versión boomer supera con creces a la millenial.

Lo mejor: el espíritu de grupo se mantiene intacto.

Lo peor: la competición final, tan interminable como poco emocionante.

No es “Oppenheimer” una película fácil de visionar. A sus tres horas de duración, hay que añadir una estructura narrativa compleja, que se sustenta en dos “juicios” paralelos mediante los cuales vamos conociendo la historia del físico protagonista y los interminables secundarios que van desfilando por la función. Christophen Nolan, en su afán por alejar de la convencionalidad su relato, somete al espectador a una prueba de resistencia en la que deberá superar incontables diálogos, saltos temporales y la constante presencia de una música que juega a alterar el ánimo de la platea, a la espera de la escena cumbre, en forma de prueba atómica. Mientras esta llega, es preciso estar atento y concentrado para no perder el hilo y la ubicación de lo que se nos está contando. Tan hábil y lúcido como la mente de su protagonista, Nolan expone unos hechos para que sea cada espectador quien saque sus propias conclusiones, dejando que la ambigüedad del personaje central nos lleve de la mano hacia una parte de la Historia, no por conocida menos espeluznante. Con todo hay que decir que el director inglés no puede evitar que la película se le vaya por momentos de las manos, dando muchas veces la sensación de estar viendo un trailer de tres horas. Sin ningún sentido de la mesura, con un despliegue sonoro y visual digno de los blockbusters más ambiciosos, “Oppenheimer” acaba resultando el proyecto personal y definitivo del más científico de los directores actuales, aunque la bomba cinéfila se acabe acercando finalmente más a un “petardazo”.

Lo mejor: la ejemplar escena de la prueba atómica.

Lo peor: la errática estructura narrativa echa por tierra una historia interesante.

No parece mala idea resucitar al viejo cine de catástrofes para devolver al público a las salas en plena época de pandemia. Disfrutar del espectáculo en pantalla grande, ver como los personajes sufren los caprichosos azotes de la naturaleza, ayuda, no cabe duda, a empatizar más si cabe, con ellos, cuando la realidad se vuelve igual de dura e inhóspita para la población mundial. Y en realidad, los responsables del producto no inventan nada. Ni el guión de Chris Sparling, ni Ric Roman Waugh a la dirección ofrecen nada novedoso que no se haya visto una y mil veces en películas similares. De hecho, el John Garrity al que da cuerpo y alma un Gerard Butler entregado a la causa, podria estar emparentado con el Ray Ferrier que luchaba contra invasores alienígenas en la piel de Tom Cruise en “La guerra de los mundos”. Ambos harán de la protección de su familia la prioridad absoluta ante la amenaza que llega del cielo, y su lucha por llevar a los suyos a buen puerto será el motor que guie la narración. El mérito principal será, pues, el hacer de una historia trillada algo atractivo y que funcione, aunque podamos adivinar sin demasiado esfuerzo el desarrollo y final del relato. Y, en este sentido hay que reconocer que Ric Roman Waughn cumple con creces el cometido, apoyado en la tormenta visual y sonora que envuelve los mejores momentos de un film, salpicado de referencias a la lucha de clases y la condición humana en situaciones extremas. No son méritos cinematográficos que le vayan a permitir pasar a la historia, está claro, pero este “último refugio” en forma de odisea para la supervivencia, al menos supondrá un halo de esperanza para mantener viva la llama del cinéfilo más sediento de estrenos en la gran pantalla.

Lo mejor: su honestidad y falta de pretensiones.

Lo peor: que ya nos la sepamos de memoria.

Nadie le puede discutir a Salvador Calvo la oportunidad, que no oportunismo, de tocar, en su nueva película, un tema de candente actualidad como es el drama de la inmigración proveniente de África. Dividido en tres líneas narrativas, cuyo engranaje no siempre acaba de funcionar, se establecen de entrada tres claros referentes, como el continente africano personificado en Adú, el pequeño protagonista, héroe a su pesar, la vieja Europa incapaz de hacer frente al problema, a la vez que se autoengaña pensando que está haciendo lo correcto, en la piel de los miembros de la Guardia Civil, y finalmente esa cara amable del primer mundo, a los que dan cuerpo los personajes de Gonzalo y su hija, Sandra, colaboradores humanitarios que a la vez lavan una conciencia que se sabe demasiado culpable. Todo ello está narrado a una cierta distancia, con cuidado de no entrar a fondo en terrenos demasiado truculentos, dejándolos en simples apuntes. De hecho, toda la película mantiene en todo momento un tono de miniserie, de indisimulada vocación mainstream, lo que la aleja de los circuitos festivaleros a la vez que ayuda a hacerla accesible al gran público. Esa opción de mostrarla digerible para todo tipo de estómagos obviamente trae consigo sus desventajas, pero también hace que su mensaje se amplifique y acabe resultando más efectivo. Funciona por tanto la película de Calvo, en cuanto su mezcla de denuncia y aventura se deglute con agrado, y en conjunto la película, aunque no alcance momentos que inviten a pensar que vayan a perdurar en la memoria, ofrece un acabado aceptable.

Lo mejor: el mérito en sacar del pequeño Moustapha Oumarou una interpretación más que notable.

Lo peor: el diferente interés que despiertan las tres líneas narrativas.