Pocos negarán la vigencia del realismo mágico hoy en día, solo hay que ver el éxito de films como Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas (2010), ganadora de Cannes o Amélie (2001), nominada a cinco premios Oscar. No obstante, conviene recordar que antes de los mencionados títulos del presente siglo, ya había autores sentando las bases de lo que es este género en su vertiente cinematográfica, tales como Jaco Van Dormael, con Toto, el héroe (1991), Emir Kusturica, con El tiempo de los gitanos (1989) o Jean-Claude Lauzon con el título que nos ocupa.



Léolo da comienzo presentándonos a su protagonista, Léolo Lozone, versión italianizada de su nombre real debido a su deseo de ser hijo de un campesino siciliano, y a su familia, una “tropa” bañada por la locura y la suciedad que parece sacada de Brutos, sucios y malos (1976). Estos contrastes, presentes durante todo el largometraje, nos muestran una elegante voz en off acompañada por una música que evoca al erotismo más absoluto que sirve de hilo conductor a una imagen en la que tienen cabida las pulsiones más bajas, que van desde el onanismo más bizarro, a la prostitución con niños como clientes. También es remarcable, como es obvio, el
contraste entre Léolo y su familia. Él, un soñador elevado al máximo exponente que ansía haber sido engendrado por un tomate impregnado por esperma italiano y que profesa el amor más absoluto por su vecina siciliana, la cual nunca ha visto Sicilia. Su familia, al contrario que él, es la representación de lo terrenal, lo mundano, la degradación más absoluta.



Léolo es, simple y llanamente, como la vida misma, una lucha entre lo real y lo imaginario, la necesidad de evadirse de un mundo en el que predomina lo prosaico. Léolo es incómoda de ver porque así tiene que serlo, porque la oscuridad siempre estará presente y nuestra será la decisión de, en palabras de nuestro protagonista, soñar y por tanto, no estar locos, o como a él mismo le pasa, perder las fuerzas y tomar la decisión de dejar de soñar, abandonándose a ese mundo del que durante tanto tiempo ha luchado por escapar.

¿Recordáis a Jaco Van Dormael? Exacto, ese genio que nos deslumbró a todos con Las vidas posibles de Mr. Nobody y que se dio a conocer con esa maravilla creativa que es Toto, el héroe. Uno de los pocos realizadores que quedan en activo que cada vez que se pone tras una cámara es para crear cine, único y mágico, sin limitarse a hacer pastiches que por muy bien dirigidos que estén no dejan de ser productos vistos una y mil veces.

En esta ocasión, el director belga nos cuenta la historia de la hija de Dios, una niña que vive en Bruselas con un padre opresor y una madre sumisa que solo limpia la casa y colecciona cromos de beisbol. Su hermano dejó el nido tiempo atrás. Dios no le envió a salvar a la humanidad, simplemente se fue de casa porque su padre era un cabrón.

Con solo dar un vistazo al punto de partida, ya salta a la vista que nos encontramos ante un producto fuera de lo común, pero es que no es solo eso; está contado en una clave de realismo mágico que te sumerge en la historia de principio a fin. Bien es verdad que este recurso que ya explotasen películas como Amélie o Delicatessen puede parecer que usado hasta el tedio, pero aquí sigue conservando el don de la novedad. Seamos claros, esto no es un caso aislado en la filmografía de van Dormael. Este hombre es, simple y llanamente, uno de los padres de el realismo mágico dentro del séptimo arte.

También es verdad que no todo es un jardín de rosas, como es normal en una película con un contenido tan excelso y complejo como el de esta, es sumamente complejo mantener un nivel constante. Si bien el film comienza en un tono de humor negro a costa de la iglesia tremendamente efectivo, acaba derivando en un drama entrañable que, a pesar de intentar mantener esa comedia que tan bien funcionaba al comienzo, puede acabar por sacar de la partida a alguno de sus espectadores. Es como si se tratase de dos películas distintas, lo cual no tiene porque ser algo malo, no obstante, es una narrativa a la que el público no está acostumbrado y puede llegar a desconcertar.

En resumidas cuentas, El nuevo nuevo testamento es una de esas pocas maravillas con la virtud de aportar algo nuevo. El año pasado tuvimos alguna que otra (Magical Girl, Coherence o Enemy, por citar alguna). Este año parece que llegan algo más tarde, pero mientras comiencen a llegar... bienvenidas sean. Necesitamos más soplos de aire fresco como el film de Jaco van Dormael en este mundo de pastiches y sucedáneos de sucedáneos.

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Tú, gafapasta. Sí, el capullo de la segunda fila que no para de quejarse a gritos de que esto está lleno de tópicos y que todo parece una coña de mal gusto, ¿se puede saber qué cojones esperabas ver? Has pagado para ver una película cuya única premisa aparente es ofrecer hostias como panes, chistes pasados por humo y que encima está dirigida por un tío cuya única película conocida era "Project X". No seas mojigato, si esperabas el paradigma de la complejidad desde un punto de vista aristotélico el problema probablemente no sea de la película, sino tuyo.

Dejando este tipo de cosas aparte y entrando ya en materia, "American Ultra" nos muestra la vida de un fumado cualquiera con problemas de ansiedad que vive con su novia y que, tras encontrarse con un par de matones en un aparcamiento, descubre que es un antiguo superagente capaz de cargarse a quien sea casi sin darse cuenta.

Con esto os podréis imaginar lo que promete la película: entretenimiento ligero con dosis de humor. Y seamos claros, cumple de sobra. Sí, podría intentar ser más consciente de lo que es y ceñirse a ello en vez de tocar demasiados palos para no brillar del todo en ninguno. También podría, ya puestos, intentar satirizar en su totalidad todos los tópicos que intenta tocar y no hacer que sean tan ridículos en el mal sentido de la expresión. Pero no nos equivoquemos, con sus virtudes y defectos, "American Ultra" se desenvuelve con soltura en un área dónde basta con hacer pasar un buen rato al espectador y hacerle reír siempre que sea posible, porque a veces, amigos míos, no se necesita nada más.

Con todo esto y unas interpretaciones protagonistas más que notables, "American Ultra" es una de las producciones más locas en lo que llevamos de año. Ha recibido palos hasta en el cielo de la boca y probablemente siga haciéndolo, pero miremos el lado positivo, mientras todos estos payasos que parece que cagan flores y sudan algodón de azúcar crucifiquen todo aquello que no entra en sus reducidas cabezas donde solo hay sitio para obras de arte, los demás seguiremos disfrutando, disfrutando tanto de aquello que os empeñáis en defenestrar y a nosotros consigue hacérnoslo pasar bien como se propone, como de aquello que alabáis ciegamente sin daros cuenta de que, aun siendo bueno, quizás no es un producto para cualquier momento. Lo peor es que si lo firmase Matthew Vaughn os bajaríais los pantalones. La generación Fimalffinity, aquella que contamina su juicio con la opinión de la mayoría y la transmite como propia. Panda de capullos pretenciosos.

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La premisa es bien simple: Evan es un padre de familia feliz que se queda solo en casa el fin de semana por motivos de trabajo. Todo parece ir bien hasta que unas tías llamadas Genesis y Bel se presentan en su puerta con el objetivo de jugar a esconder la salchicha y lo que surja. Supongo que hasta aquí todo bien, sin embargo, la promesa de una "Funny Games" hipersexualizada se pierde rápido entre sus forzadas situaciones que no van a ningún sitio, sus personajes absolutamente carentes de fondo y su total falta de ritmo narrativo.

Es sumamente fácil vender una película de estas características, teniendo en cuenta que el nombre de Eli Roth atrae a los espectadores que buscan "emociones fuertes" por sí solo y que el cine de terror comercial cuanto peor es, mejor se vende, medio trabajo está ya hecho de antemano. Para la desgracia del primer grupo, olvidaos de todo lo que habéis visto de él, "Knock, Knock" ni si quiera ofrece eso. Si eres de los que se ven atraídos por la segunda característica mencionada, esto básicamente va de dos tías corriendo y armando follón en una casa, así que supongo que estás de enhorabuena.

Respecto a las interpretaciones... en fin, como podréis suponer, poco sentido tiene hablar sobre las ellas teniendo en cuenta que los papeles femeninos podrían haber sido llevados a cabo por prácticamente cualquier actriz medianamente de buen ver y que Keanu Reeves no sale repartiendo galletas, que es en lo que en realidad destaca este hombre. Tampoco es que esté especialmente mal, simplemente está, que no es poco teniendo en cuenta como está el panorama. Dejando esto aparte, representan bien su función principal; ejercer de reclamo para que la gente vaya a ver la peli y poco más, no hay que buscarle más pies al gato.

Llegados a este punto, sobra decir que una película basada en jugar al gato y al ratón dentro de una casa es, como poco, previsible, lo cual puede ser hasta bueno teniendo en cuenta que la única cosa que no te ves venir es su desenlace. Un giro inesperado sería positivo de no ser por el hecho de que su única sorpresa viene en forma de anticlímax tamaño XXL, con una resolución que podría haberle servido para redimirse en parte, pero que básicamente despeja las pocas dudas que pudieran quedarte acerca del filme.

Tras las exitosas, a su manera, "Cabin Fever" y "Hostel", Eli Roth se convertía en un referente dentro del cine de terror más gore y macarra que se puede encontrar en una sala convencional. Todo perfecto hasta aquí, al margen de que puedan gustarme más o menos sus películas, he de admitir que tengo una especial debilidad por los directores "de género". Al margen de esto, es un director que destaca por el mimo que pone en cada uno de sus largometrajes, no dejando que vean la luz hasta que son totalmente de su agrado. Este fue el caso de "The Green Inferno", por ejemplo, que llega a los cines este próximo mes de septiembre más de dos años después de su paso por festivales. Es obvio que todo eso no garantiza una buena película, no obstante, son cualidades que hacen que sea inentendible que un director como él dé a luz un producto como este, totalmente mediocre y carente de alma. No me malinterpretéis, no es que "Knock, Knock" sea un bodrio con todas las letras, el problema es que se vende a sí misma como una película de Eli Roth cuando en realidad podría firmarla cualquier otro director y nos lo tragaríamos igual. Tan entretenida como inocua, tan inocua como olvidable.

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Billy Hope (Jake Gyllenhaal) es un boxeador en lo más alto de su carrera, tiene todo lo que alguien puede desear, una mujer que le quiere (Rachel McAdams), una hija que le admira (Oona Laurence) y el incondicional afecto del público, pero toda su vida cambia drásticamente cuando su mujer recibe un disparo en medio de una pelea.

Si bien su argumento puede parecer olvidable sobre el papel, en absoluto lo son sus interpretaciones, encabezadas por un Gyllenhaal por el que podría pasarme días deshaciéndome en halagos y quedarme corto, apoyado por la omnipresente Rachel McAdams y por un Forest Whitaker que parece incapaz de hacer un mal papel. Digno de mención aparte el cambio físico de nuestro protagonista, el cual estrenaba hace menos de un año Nightcrawler con 20 kilos menos de los que pesa en Southpaw.

Por difícil que parezca, el desarrollo de Southpaw es todavía más simple y convencional que su premisa. Tan predecible como pueda parecer y más manipuladora sentimentalmente hablando de lo que podría dar de sí la trama, no obstante, es tan asquerosamente entretenida que hace que te olvides de que lo que estás viendo ya lo has visto mil veces antes. Que ni su drama es tan puro como el de Warrior (2011), ni su épica llega a la del mítico Rocky, pero cumple con nota su trabajo y su conjunto funciona como un "todo" más que polivalente.

Respecto a lo menos destacable de la película, podríamos limitarlo a Fuqua. Sí, su trabajo con los actores es digno de elogio, así como la elección de esa maravilla de banda sonora que quedará para la posteridad como el último trabajo de James Horner. No obstante, los intentos de autor en forma de recursos innecesarios y algún que otro plano que baila peligrosamente por el eje de acción, chirrían sobremanera en un largometraje cuya principal característica es ofrecer simplemente una historia "de las de siempre" con una factura tanto artística como técnica notablemente superior.

Si bien podríamos decir que la calidad de la película en general dista de estar a la altura de las actuaciones de su reparto principal, conviene recalcar que en su conjunto sigue siendo un producto más que a tener en cuenta. Sí, puede que su dirección no sea la más acertada de la historia, que su guion no sea el paradigma de la complejidad y que técnicamente hablando sea simplemente eso, una más, pero, ¿qué más da? la perfección es aburrida y Southpaw no lo es. Dejad de buscarle complicaciones al séptimo arte y limitaos a juzgarlo por lo que es, una forma de evasión, de placer, de diversión; áreas en las que Southpaw aprueba con muy buena nota. Apta para cualquier persona, sea cual sea el momento. Sin ningún complejo ni más pretensión que la de disfrutar de buen cine del de siempre. Buscad una butaca cómoda y preparaos para disfrutar.

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