De nuevo me acerco a una cinta ante el interés suscitado tras leer halagos hacia ella. Esta vez, la tarjeta de visita del director es la que parece ir abriendo brecha... pues lo siento, pero para mí es un bodrio de película. Con todas las letras. Es cierto que tengo en lista alguna película anterior de B. Cronenberg, pero empecé con esta, si me quedan ganas de ver las otras, ahora casi mejor, porque no creo que me aburran tanto como Infinity pool.

Partimos de una idea medianamente interesante, la de criticar el snobismo y la diferencia de clases, pero el camino para llegar al fin es insufrible. El desarrollo no es muy malo hasta que se presenta el meollo de la historia, es ahí cuando la película se precipita hacia el vacío de forma irremediable e infumable para el espectador. Lo primero que hay que hacer es un acto de fe (bueno, es ciencia ficción ¿no?) para tragarse lo que plantea el guión, se presupone, pero es que la peli no solo no hace ni un mínimo esfuerzo por hacerlo creíble sino que se presenta de la forma más vacía y tonta posible (spoiler). La tercera vez que esto sucede y que entiendes que ya da igual quién es quién, desconectas totalmente de la película para centrarte en tus cosas: que hago de comer mañana, hay que llamar al tío Paco, cuándo me caducaba la ITV...

B. Cronenberg parece querer hacer un cine que beba del de su padre, profundizando en lo psicológico de sus personajes, rayando lo psicodélico a veces en sus formas... pero aquí no son más que artificios absurdos que no hacen sino hundir del todo una trama que ya ha perdido el norte. Y para las legiones de fans de Mia Goth, no, con Mia Goth no vale. Mia, que tiene papeles muy buenos, parece que se va a convertir en una de esas actrices que los directores piensan que, con ficharla para su muermo de turno, está todo hecho, y no.

Lo mejor: las ganas de hacer una crítica social.
Lo peor: que aburre a las vacas. Lo ridículo del proceso central de la película.

Punto de ebullición (¿por qué no se traduce literalmente el título?) es una película notable. Quitémonos de un tirón lo del plano secuencia: sí, hora y media de plano secuencia. Pensé que podría hacerse incómoda o pesada, al transcurrir todo en un escenario tan limitado, pero no, en absoluto. La sensación de inmersión está muy lograda: Desde el momento en que Andy entra en el local, pasas a ser parte de una escena que te atrapa (con su carne cruda delante, con el tintineo de las copas y el rumor de los clientes detrás) y no te suelta la mano hasta el final. Y no puedes irte, te guste o no el plato, esperas al siguiente, aún a sabiendas de que nuevamente, te guste o no el postre, tendrás que estar ahí cuando venga la cuenta. Y vendrá. Philip Barantini, combinando arreones de dureza con lapsos para respirar, consigue con maestría que el espectador se sienta parte de la escena, en ocasiones un miembro más de la plantilla del restaurante, en otras el clásico "vouyer" de mesa de restaurante que todos hemos sido alguna vez.

Entra en acción el reparto. Stephen Graham está brillante, interpretando a Andy Jones, un chef que, desde el principio de la película, intuimos huraño, con algún que otro problema y que pronto descubrimos que es capaz de pasar de 0 a 100 y de 100 a 0 más deprisa que un Ferrari, sin embargo se contiene como puede. Graham representa a la perfección esa lucha interna por salir de la espiral en la que se encuentra su personaje. Su acento "scouse" es un aliciente más. IMPRESCINDIBLE en versión original. Su mano derecha es Vinette Robinson que se come la pantalla, brillante. Contrapunto contenido del Chef Jones y sin embargo la muleta donde el chef se apoya para seguir en pie. No te la pierdas. El contrapunto fuerte lo ejerce Hannah Walters, interpretando a la jefa del local y, aunque su aportación es a cuentagotas, es acertada y aporta un elemento de presión interesante, unos minutillos más de fuego a esa cazuela que poco a poco se encamina a su punto de ebullición. Por último, podemos hablar de Jason Flemyng, que interpreta a un antiguo compañero del Chef Jones y que parece haber triunfado tras la separación, que tiene reserva para el servicio de cena... Probablemente, de los personajes principales, el menos convincente, al igual que Graham transmite perfectamente la desesperación, Flemyng no llega a calar tanto, si bien es cierto que su personaje no lo tiene tan fácil y que tiene que "interpretar" dentro de la película. ¿El resto? quedan sin duda en un segundo plano, a pesar de ser indispensables, sin duda, para una historia con diferentes aristas.

Poco diré sobre la historia en sí: una noche en la vida de un hombre que está en un momento crítico.
Otra noche de curro de un joven sirviendo bebidas, para sacarse unos billetes y gastárselos con su novia.
Otra noche de puteo de una chef que quiere llegar lejos y sabe que tiene que pasar por ahí.
Otra noche que permite a un chico distraerse y no cruzar la línea.
Otra noche lejos de tu familia, sudando por cuatro perras que enviar a tu país.
Otra noche que tienes que aguantar a gilipollas que se creen Dios y no partirles la cara.
Otra noche que te recuerda que en pleno siglo XXI sigue habiendo racismo.

Es una noche de trabajo, una noche más... ¿El escenario? Simplemente es el vehículo y a fe que muy muy bien conducido, quizá ayude que Barantini haya trabajado dentro de una cocina durante años. Convence.

Lo mejor: Robinson y Graham se comen la escena. La inmersión está muy lograda.
Lo peor: No verla en versión original. No entender -del todo- el título de la crítica.

Interesante propuesta. Es innegable que La llegada logra bastante con muy poco, aunque me deja cierto sabor agridulce. Y me explico. Una de las virtudes de la cinta es también su punto flaco y es la sencillez en todo su desarrollo. La película transcurre en su totalidad (salvo el breve inicio) en un control de entrada de pasajeros de un aeropuerto y no es la primera vez que vemos películas tan limitadas en cuanto a personajes y escenarios, de hecho las hay mucho más "minimalistas" en este sentido, sin embargo el guión resulta escaso, con un conflicto simple y un desarrollo también simple, como si se tratara de un corto. Los directores juegan la baza del thriller psicológico con cierto brío, haciendo un ejercicio de malabarismo cinematográfico para llevar el asunto hasta los 70 minutos. Poco para un largo, mucho para un corto. Y a ratos funciona muy bien, como buen thriller, escondiendo las cartas pero haciendo que los personajes pongan cara de farol, para que sospeches que llevan juego, aunque no sepas qué. Sin embargo en algunos momentos sientes que la tensión podría haberse resuelto antes o que alguien podía haber tenido otro as bajo la manga.
En cualquier caso, tiene mucho mérito desarrollar esta idea tan sencilla de una forma tan efectiva y mantenerla; si se logra con éxito, es sin duda gracias a las actuaciones que son soberbias, sin duda lo mejor de la película. Por último, destacar un final brillantemente ejecutado, de los que más me han gustado en los últimos tiempos junto con el de Pearl.
En definitiva, una película que te hará pasar un buen rato, ni muy largo, ni muy corto. Y eso se agradece.

Lo peor: A pesar de su corta duración como largometraje hay momentos en los que se hace "poco llevadera", la brillantez de las actuaciones no es suficiente para sostener la simpleza del guión en esos tramos.

Lo mejor: Las actuaciones, en especial de los protagonistas. El final es sencillamente magnífico, música incluida.

Si estás aquí, leyendo críticas de "One cut of the dead" sin haberla visto antes, probablemente ya sea tarde. Y es que esta película es de esas que me gustan a mí, de esas que es mejor no saber ni el título cuando te dispones a verla y que, a veces, lo consigues... y lo celebras.

Y es que esta maravilla japonesa sorprende no una, ni dos veces, haciendo que con cada sorpresa vayas disfrutando más y más del conjunto. No voy a decir más por si, por casualidad, no has leído nada más sobre la peli y aún no la has visto. ¿Qué haces que aún no la has visto?

Lo mejor: la demostración de que con cuatro duros o yenes se puede hacer una maravilla, eso sí, hace falta ingenio.
Lo peor: que se empeñen en hacer segundas y terceras partes de estas películas... ¿por qué?¿por qué?¿por qué?

Bueno, por fin algo que me gusta de Ti West. Pearl es una película diferente y eso siempre siempre se agradece. Desde su inicio ya te das cuenta de que la intención es dotar a la cinta de un tono especial, anclado en otra década, (quizá no tan antigua como los años 30) con un colorido notable y una alegría que irradia... hasta que nos muestran que en este escenario de luz y color no todo es de color rosa.

El tono alegre y colorista y la vitalidad de la protagonista y esa cara angelical se convierten en el balón de oxígeno que necesita el espectador cuando se inicia la caída en espiral de la protagonista. Esa caída realmente no es un cambio en Pearl, siempre estuvo ahí, y es magnífico cómo se muestra en la película, con pequeñas perlas (no he podido evitarlo) desde el inicio. Cuando entras en la recta final, ya te has rendido casi sin darte cuenta ante Mia Goth, que está soberbia y solo queda aplaudir a una película fresca, bien rodada e interpretada y que, con relativamente poco, ha logrado captar tu interés hasta el último momento, en un "crescendo" sutil pero aplastante.

No sé cómo funcionará sin haber visto "X" antes (imagino que bien) quiero decir que no sé si será mejor verla antes o después. Yo puedo decir que vi "X" antes y que no me gustó mucho, la verdad. Sin embargo, mientras ves "Pearl" no puedes evitar pensar en la conexión con "X" y, entonces, notas que la primera mejora, cual chiste del chocobollo, Buena jugada Ti.

LO MEJOR: sin duda Mia Goth. También la falta de complejos del director
LO PEOR: que ya esté en marcha MaXXXine y que me genera mucha desconfianza. Sí, soy así de escéptico.