Nota: 7,5

“Algo no está bien” es la primera frase que los personajes pronuncian en la película. Y pese a un inicio en el que asistimos a lo que podría ser un rico y calmado homenaje al seductor cine de Rohmer, pronto nos invade una poderosa sensación de que se avecina un mal en el horizonte. Un augurio que acabará materializándose, en cierto modo, sin que podamos evitar asistir a ello. Tan inevitable como esa mirada furtiva del enamorado que atisba el objeto de su deseo. En nuestro caso, el cine.

El director consigue concretar una alquimia fílmica perfecta a través de los elementos que rodean a los personajes: tierra, aire, agua y, por supuesto, fuego (este último permaneciendo al acecho para devorarlo todo). Las decisiones formales y escénicas evitan entorpecer la mirada y buscan evocar metáforas que reflejen el estado psicológico del siempre oscuro y encubierto protagonista. La ejecución ostenta un manejo de los tiempos envidiable en el que se apuntan reflexiones acerca de la trascendencia del arte, los sentimientos o los pequeños placeres que dejamos de lado por una supuesta y mediocre obligación de trabajo, una condena rutinaria auto impuesta que impide ver lo maravilloso que nos ofrece la vida aun sin merecerlo en absoluto.

Y es que, hay que decirlo: Leon es un imbécil. Un joven escritor que, no obstante, refleja perfectamente las inseguridades fruto del continuo examen al que es sometido un creador o artista, así como el aislamiento, la soledad y el dolor que parecen ser el tributo a pagar si se quiere dar a luz algo que merezca la pena. Y, ciertamente, lo único que merece la pena acaba surgiendo de la amargura, de las experiencias vividas cuando “algo no está bien”. Aunque se empeñen en ofrecer falsas disculpas y finalmente evocar en nuestra mente la imagen de un mar brillante y en calma, tanto Leon como Petzold dejan claro que el arte surge de las cenizas y los recuerdos que estamparon aquellos valientes a los que la vida y los elementos han consumido. El arte surge, en última instancia, de un fuego eterno que habita el interior del artista romántico, que arrasa todo y a todos a su paso.

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Obra capital en la carrera del realizador. Un complejo estudio de personaje (extrapolable a toda una sociedad) en el que se combinan los grises y la no identificación, con una estilización, fascinación e iconicidad difíciles de leer de manera unilateral.

“Soy el mejor”. Jake no deja de repetírselo.

Hay algo masoquista en la manera en que se enfrenta a sus oponentes y relaciones. Los rivales deben ser aplastados. Un hombre debe mantenerse en pie. Las mujeres son objetos. Controlar, golpear y poseer. Relacionarse a través de la violencia a costa de perderlo todo. Pero también a él le vemos sufrir. Cada golpe que da dentro y fuera del ring acabará por derribarle en un arco de ascensión y caída, con el irónico destino de sobrevivir como humorista (alguien de quien todo el mundo se ríe), quedando patente la vinculación entre violencia y espectáculo en las dos facetas ejercidas por el protagonista.

El tratamiento de la violencia, tema central en la película, coquetea con la estilización aunque rechaza la indolencia recurriendo al realismo para hacer de ella algo visceral y perturbador. Se puede sentir la dureza y la repercusión de cada golpe. La estilización de la última pelea denota la trascendencia y el acto de expiación de pecados que supone para él (expiación de pecados y culpa en el cine de Scorsese). Otra cosa es que pueda leerse como redención.

La puesta en escena, el sonido y el montaje reflejan el estado psicológico que dirige los actos de La Mota, magnificando el espacio en el ring, acentuando el desconcierto y la inestabilidad mediante steadycam, la amenaza que supone un rival con plano subjetivo en contrapicado, la crudeza del dolor con primeros planos e iluminación dura, o las consecuencias de cada golpe con un contraluz que magnifica cada gota de sangre y sudor que escapa de un rostro. No obstante, es interesante la diferencia entre combates y escenas costumbristas, donde se impone un realismo más crudo y minimalista con influencia de realizadores como Cassavetes.

De Niro dejó para la historia una de sus interpretaciones más físicas y viscerales.

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Una buena película de espías. Seria, cruda, sexy, sin perder de vista el sentido del espectáculo.

La película está bien filmada, mantiene el ritmo y el interés, con sus juegos de bandos que no engañan a nadie pero que atrapan por el carisma de la protagonista y la estilización con la que se traslada el personaje a la pantalla. Hay un saber hacer en la realización en el que todo funciona de manera fluida, aparentemente sin grandes pretensiones pero revelándose un gran trabajo en el manejo de las escenas, plasmando aspectos muy interesantes acerca de los personajes y sus interrelaciones. La crudeza en las escenas con violencia o sexo y las dobles lecturas políticas y sociales la hacen menos masticada y obvia que otros productos con planteamientos similares.

“Podemos engañar al cuerpo”.

Es muy interesante la manera en la que la protagonista se enfrenta a un mundo de expectativas y amenazas constantes por varios bandos, al que debe sobrevivir gracias a sus virtudes físicas e intelectuales, para acabar convirtiéndose en lo que siempre ha debido ser o ha aprendido a aparentar que es. En este sentido, la psicología del personaje es uno de los puntos fuertes de su escritura, destacando la cuestión de la tolerancia al estrés y al sufrimiento. Como también lo es la cuestión de su rebelión ante todas las estructuras sociales y dinámicas de poder masculino ejercidas sobre ella. Una mujer que se sirve, en beneficio propio, de las enseñanzas, la psicología y la propia imagen que el sistema le ha enseñado a proyectar.

“¿Que es ser amado? Que nos vean, que nos reconozcan, dejar de sentirnos solos.”

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Una interesante premisa muy desaprovechada, malograda por la falta de capacidad y talento de alguien a quien no estoy seguro que podamos, de momento, llamar “directora” sin faltar al respeto a sus compañeras de profesión.

Haciendo un esfuerzo por olvidar el nefasto desarrollo de la historia, los subtextos apuntan a una sociedad en la que somos dominados por la constante exposición, discursos acerca de la naturaleza, el folklore y, cómo no, a la superación de nuestros miedos. Sí. Una película de terror/suspense en la que subyace un trauma del pasado que debe ser superado. Lo nunca visto. Y todo ello desaprovechado con personajes poco trabajados, mal escritos, con actores haciendo lo que pueden con unos diálogos que es difícil tomarse en serio. Por si fuera poco, después de innumerables conveniencias, cuando parece que la ficción no da más de si, quizás por un tema de costumbres familiares nefastas, se intenta meter un giro de guion anunciado a viva voz del que mejor haremos como si no hubiera existido.

A la película le falta alma propia y le sobran clichés. Dejando de lado las cuestiones técnicas, lógicamente bastante correctas teniendo en cuenta la condición de apadrinada de la directora, ofreciendo destellos de poderío visual apoyados en el montaje y los efectos sonoros, el problema es que no se sabe qué hacer con los recursos de los que se dispone y las imágenes acaban siendo indiscernibles de las de cualquier producto de la tele de nuestro tiempo: las plataformas.

Olvidable. Espero.

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Una película que logra meterme en la piel y la celda de su protagonista, siendo cierto que para disfrutarla hay que pasar por alto ciertas conveniencias y comprender el discurso acerca de la esperanza en el ser humano presente en el cine del director. Para mi la película tiene otras virtudes y otros encantos, como un estilo de interpretación muy particular, alejado de lo dramático y casi mecánico (también ausencia de actores profesionales), con un gran François Leterrier a la cabeza, y un uso de la voz en off que atrapa y embelesa. En este tipo de historias siempre es fácil ponerse de lado del protagonista y la incertidumbre para con su plan mantiene el interés de manera eficaz, más aún con un estupendo montaje y quirúrgicas elipsis, amen de un final con una construcción de la tensión envidiable por su aparente sencillez.

Es también interesante la despersonalización como recurso visual y subtextual respecto al bando alemán. Y es que técnicamente destaca la fotografía, con gran uso del encuadre y la luz pero sobretodo una narrativa visual que intuyo tiene ecos del cine mudo por todo lo que cuenta sin tener que servirse de los diálogos. El uso de la música de Mozart, escueto y repetitivo, apoya lo anodino de la situación. Mención especial a los efectos de sonido en fuera de campo, teniendo una importancia grandísima a la hora de brindar información escénica y actuar como elemento inmersivo e identificativo con la opresión del protagonista. Muy recomendable. Film a rescatar.

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