No negaré que asistir a los festivales en ocasiones conlleva cierto peaje, como el hecho de tenerte que enfrentar a películas que representan un suplicio como espectador y que quizás fuera del Festival no verías. Algo normal si atendemos al número de proyecciones que se asisten de promedio (de cualquier manera entre 30 y 50 dependiendo del festival). Son sin embargo muchas las ventajas que ofrece: desde visionar films que no tendrán distribución y por lo tanto no podrán ser vistas en una sala de cine nunca más, a plasmar las emociones de una gran cantidad de público ante ciertas películas o, claro está, descubrir y visionar antes que el resto de humanos joyas de enorme calado. Dentro de esta categoría entre sin lugar a dudas 'Lucky', la mejor películas del FICX hasta la fecha y que sin embargo tardará varios meses en ver la luz en salas comerciales: si no hay variación por parte de Avalon, tenedora de los derechos de distribución en España, el 5 de Mayo del 2018.

Habría mucho de lo que hablar en 'Lucky'. Tanto como para divagar, filosofar y llenar páginas y páginas de texto. Sin embargo, como su director ha confesado “prefiero que el público la descubra y aparezca el film en las tertulias del café del día siguiente”.

La película supone la ópera prima de John Carroll Lynch -quién tras exitoso debut ya tiene delante de la mesa nuevos proyectos- y a quién conocerán por su labor como intérprete en películas tan notables como 'Fargo', 'Zodiac' o 'Sutther Island'; actor que recibió primero la oportunidad de interpretar un pequeño papel en la película pero que sin embargo después fue sugerido como director (siempre había mostrado sus deseos de dirigir por primera vez) por los guionistas y productores del film: la pareja compuesta por Logan Sparks y Drago Sumonja, amigos personales de Harry Dean Stanton (uno de ellos asistente personal incluso del actor) y quienes empezaron el proyecto tomando notas y grabando al protagonista sin que éste lo supiera, al menos hasta que un primer boceto del guión tuvo forma. El film supone sin lugar a dudas un efectivo testamento del genial Harry Dean Stanton, quien nos regala una de sus mejores interpretaciones de su carrera (inolvidable en 'París, Texas', 'Alien, el octavo pasajero' o 'Una historia verdadera') y que sin embargo lamentablemente no pudo visionar la película terminada al fallecer el pasado mes de septiembre a los 91 años de edad.

La película está basada en el propio Harry Dean Stanton, con frases y datos personales reales (como su participación en la IIGM, su amor por el tabaco, su afición por los concursos televisivos o la historia del ruiseñor), mostrando la esencia de un personaje ateo, de fuertes convicciones y quien se planteaba sobre temas tan relevantes como la soledad, la libertad o cómo enfrentarse a la muerte. Todo ello está plasmado en la película con una habilidad sensorial y narrativa muy notable (el desierto, los cactus milenarios como esencia de un habitat casi inmortal, lo fronterizo y las rancheras, el mcguffin del teléfono rojo, la representación del cielo y el infierno...), haciendo de la película un retrato crepuscular de Stanton junto con gran parte de sus amigos (los que aparecen como secundarios son en gran parte amigos personales del actor como David Lynch o Tom Skerritt por ejemplo) y que será digno merecedor de varios premios tanto en el propio FICX como en la carrera de premios que está por comenzar.

Un film plasmado con mucho acierto en su fotografía (a cargo de Tim Suhrstedt) y en su dirección, pero sobre todo está cimentado a través de un guión muy brillante donde abundan los momentos existenciales con una gran carga irónica.

Vayan señalando la fecha de estreno en España en su calendario del año próximo.
LO MEJOR: Un Harry Dean Stanton superlativo. La dirección de John Carroll Lynch. El maravilloso guión.
LO PEOR: Que nunca más podamos ver esta poderoso rostro de Stanton en pantalla.

VALORACIÓN:

Fotografía: 8
Banda sonora: 7
Interpretación: 10
Guión: 9
Dirección: 8.5
Satisfacción: 9

NOTA FINAL: 8,6

‘Intocable (Unbroken)’, película dirigida por la actriz y también activista humanitaria Angelina Jolie, narra la absolutamente increíble historia de Louis Zamperini, atleta olímpico y héroe de guerra superviviente a la II Guerra Mundial que fue preso de campos de concentración japoneses en la llamada Guerra del Pacífico tras un accidente aéreo en un B-24. Película basada en la novela que la escritora norteamericana Laura Hillenbrand escribió sobre Zamperini llamada ‘Unbroken: A World Warr II Story of Survival, Resilience, and Redemption’, y a su vez, historia que ha pululado por los estudios de Hollywood durante décadas sin que nadie se decidiera a llevarla a la gran pantalla.

Desde luego la historia reunía muchos alicientes para que fuera de mi agrado. Desde la temática bélica ubicada en la II Guerra Mundial, pasando por el carácter épico de la misma o la presencia de los hermanos Coen en el guion, Alexandre Desplat en la composición musical o Roger Deakins en la dirección de fotografía. Sin embargo, y en contra de lo esperado, lo que me encontré en la sala me dejo altamente insatisfecho, sobre todo por los mimbres que tenía en sus manos la famosa hija de Jon Voigt y que no han sido conjugados adecuadamente.

La película tiene un comienzo esperanzador. Un primer tramo que viaja desde el momento en el que se ubica la historia –Zamperini en 1943 a bordo de un B-24 sobrevolando la isla de Nauru– para retroceder a modo de flashbacks a la conflictiva infancia, su posterior dedicación al atletismo y su llegada a los Juegos Olímpicos de 1936 en Alemania . Todo un tramo que a pesar de la excesiva utilización de eslóganes de autoayuda o la evidencia religiosa presente, muestra la evolución de un joven de orígenes italianos que de no ser por el atletismo podría haberse perdido en el alcoholismo o la delincuencia. En estos interesantes tres cuartos de hora, vemos su relación con sus padres y hermanos, simultaneando su odisea marítima –al más puro estilo ‘La vida de Pi’–, donde Jolie incide en su notorio ateísmo inicial y en su conversión católica, algo que queda demasiado panfletario católico apostólico. A continuación de todo, después de recorrer los primeros 19 interesante años de nuestro protagonista a la misma velocidad de sus carreras, nos adentramos en la oscura, dolorosa, cruel e innecesariamente larga segunda parte en los campos de concentración. Lugar donde nuestro protagonista sufrirá los devenires propios de un campo de prisioneros pero aderezado con la particular animadversión y sadismo de Matsuhiro Watanabe –considerado por McArthur criminal de guerra–, alias el pájaro, mando militar de los campos de concentración de y auténtico azote de Zamperini.

El guion se trasforma con el avance de los interminables minutos en algo absolutamente repetitivo (me cuesta creer que los Coen han realizado esto sin intromisión), y ni la música de Desplat ni la preciosista fotografía de Deakins logra hacer olvidar el hastío al que Angelina Jolie no arrastra, motivada por su ansia por describir cada paso de la valentía y resistencia del protagonista. El reparto tampoco lo considero acertado. El prometedor Jack O’Connell no sabe aportar la trascendencia del personaje y Domhnall Gleeson está demasiado a la sombra del protagonista, siendo a su vez el desarrollo de su personaje es algo confuso. El resto de secundarios tampoco destacan, quizás únicamente Garrett Hedlund, quién sí que aporta al personaje más carga dramática a pesar de que su personaje también queda muy esbozado y mal introducido. Finn Wittrock se limita a poner sus caras de serio o de desequilibrado al estilo de ‘American Horror Story’, y Miyavi, el andrógino cantante de rock japonés en ningún momento me encaja como el sádico Watanabe alejándome mucho de la historia en sus escenas. Es especial la escena más simbólica de la película, donde siento más vergüenza que emoción. Quizás el no muy elevado presupuesto se lo gastaron en las localizaciones y fotografía, además de las interesantes escenas aéreas iniciales, para recortar en el casting actoral. Un desacertado casting que ha costado caro en mi opinión.

En definitiva un film que se quede en poca cosa, que me trajo a la memoria a la estupenda ‘Gallipolli’ y que satura al espectador a través de sus increíbles logros más allá de provocar admiración en ellos recordando también a ‘Forrest Gump’.

Lo mejor: Las escenas iniciales aéreas. El reconocimiento a la figura de un Louis Zamperini que no llego a ver su película estrenada (falleció meses antes a los 97 años)
Lo peor: El casting. La insistencia en mostrar el sadismo sufrido por parte de Jolie, no captando en ningún momento el tono adecuado.

Valoración:
Banda sonora: 6
Fotografía: 6
Interpretaciones: 3
Guion: 4
Dirección: 4
Satisfacción: 4,5
NOTA FINAL: 4,6

@hilodeseda - www.habladecine.com

Me resulta gracioso tratar temas de cine fuera de los círculos más eruditos en la materia. En la mayoría de ocasiones diferentes reuniones que poco o nada tienen que ver con ello suelen convertirse en distendidas charlas sobre el séptimo arte y sus colaterales (sí, de Brad Pitt y la Jolie también). Reuniones que suelen tener un común final: el terminar acribillado sobre qué película recomendaría, si tal o cual actor lo considero notable o que explicación le encuentro al absurdo y sorprendente éxito de 'Ocho apellidos vascos'. Conversaciones en las que, para que negarlo, disfruto como un enano pero en las que, a fin de cuentas, terminan teniendo todas un común denominador: saber si tal o cual película merece la pena verse.

'Captain Fantastic' es una de esas películas que llegan a lo largo del año que te dejan huella. De esas que no olvidas fácilmente y que tras una noche en compañía del gran Johnny Walker no haces sino darle vueltas y más vueltas a la trascendencia de su guion. Sí, de esas que merecen la pena, y mucho, se lo digo yo. Palabra de boy scout.

Premiada en Cannes en la sección Un certain regard (mejor director) y tras su premier en Sundance, llega a España el segundo largometraje en la carrera de Matt Ross (actor de reparto que podemos quizás recordar de películas como 'American Psycho', 'El aviador' o de la serie televisiva 'Big Love'), un autor que sin duda ha encontrado su lugar dentro del séptimo arte: detrás y no delante de la cámara. 'Captain Fantastic' es tan recomendable como sorprendente. Deudora por momentos de la estética nerd de Wes Anderson aunque en este caso más ochentera que sesentera; la película utiliza una mezcla de comedia, simpatía, sensibilidad, melancolía y sobre todo mucha emotividad sobre la dificultad de cómo ser padre, qué educación y que valores fundamentales transmitir a nuestros hijos y de como la sociedad cohabita dentro de la tenebrosa jungla de asfalto, con sus virtudes y sus demonios, ampulosa de consumo y marcas comerciales, dando cada vez más valor a la esencia individual y egoísta más allá de los pilares de la unión, apoyo y respeto. El respeto que da el escucharse, el escucharnos y tratar de comprender las diferentes versiones sobre la vida, la muerte y el cómo ésta debe sobrellevarse. Una historia que no oculta cierto tono autobiográfico de base, de vivencias personales, ya que Ross vivió durante muchos años en unas comunidades alternativas que su madre ayudó a fundar, nada de hippies como despectivamente o de alguna forma reduccionista se tiende a tildar a este tipo de sociedades, sino familias que cansadas de un tipo de vida se instalaron en el bosque para vivir y ayudarse unos a otros.

La película, como la vida, se sustenta en varios pilares fundamentales sobre los que se erige fuerte y consistente. Esos pilares no son otros que la fuerza del poderoso guion y la soberana presencia de un actor completo y absolutamente maduro como Viggo Mortensen; una rara avis que no terminó devorado por el lado comercial del cine Hollywood a pesar de sus éxitos, y que siempre prima los grandes trabajos, en Europa o América Latina, más allá del vil metal que dan otros films. No sería de extrañar que ambas aspectos, guion e interpretación masculina obtuvieran premiso de aquí a principios del año próximo. Completan el reparto un estupendo George McKay ('Pride' o 'Sólo ellos'), quien junto a Samantha Isler encabezan el destacado reparto juvenil, y los populares Frank Langella, Kathryn Hahn y Steve Zahn.

También son un placer para los sentidos la fotografía Stéphane Fontaine, jugando con desenfoncados y luces naturales -muy indie-, y la música que Alex Somers aporta al film. Somers, norteamericano afincado en Islandia, explora su estilismo visual llevado a los tonos de sus composiciones: Experimentales, sensoriales y que conjugan magistralmente los tempos del guion.

Una auténtica delicia de película que narra como un padre de familia y sus seis hijos y tras vivir diez años en los remotos bosques han de abandonar su estilo de vida y volver a la civilización. Un choque de mundos y cultura tratado con humor no exento de emotividad y que no hace sino desmontar la sociedad contemporánea a través del dilema moral de la educación y el respeto.

Una historia compleja y conmovedora, a la que apenas podemos achacar un par de momentos de fino maniqueísmo -tan difícil de evitar en este tipo de films- y que volará delante de sus ojos como un suspiro. Indispensable joya contemporánea.

LO PEOR: Su emotividad y complejidad emocional. Cine con mayúsculas.
LO PEOR: Algún momento de brocha gorda.

VALORACIÓN:

Banda Sonora: 8,5
Fotografía: 8
Interpretación: 9
Dirección: 9
Guión: 9
Satisfacción: 9,5

Nota Final: 8,80

@hilodeseda - www.habladecine.com

Recién salido del cine. Contento, satisfecho...asi se puede definir mi estado actual. La verdad es que me da más de lo que pensaba. Te introduce muy bien en la trama y en todo lo que concierne a la post-guerra de Irak. Muy recomendada para todas la personas que os gusten las películas de acción, con carga política, y que os haga comeros un poco el coco.
Aderezada además con buenos actores con buenas interpretaciones. Salgo del cine entendiendo mucho más de todo lo acontecido en Irak, y del fracaso enorme de los americanos...además mete en dedo en la llaga de la farsa montada con las armas de destrucción masiva.

No os arrepentiréis. Saludos

Hablar de Joseph Mallord William Turner (1775-1854) es hablar de una de las mayores figuras de la pintura británica en toda su historia. Controvertido en su época y todo un ejemplo de precocidad –a los 15 años ya formaba parte de la Royal Academy of art–, Turner es considerado el maestro de los paisajes, dominándolos fundamentalmente en óleo aunque también en acuarela y ubicándose en pleno romanticismo pero en el paso previo al impresionismo. Su gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos fue tenido muy en cuenta por los impresionistas Degas, Pierre-Auguste Renoir, Manet o Monet.

Mike Leigh, excelente director británico autor de entre otras 'Secretos y mentiras' o ‘Naked (indefenso)’ nos muestra este brillante y pictórico biopic del trascendental paisajista británico J.M.W. Turner. 'Mr. Turner' se centra en los últimos años de la figura del pintor realizando un recorrido desde la creación de varias de sus obras –mostrado con una fotografía francamente arrebatadora–, pasando por su relación con su familia, su complicado carácter o el contexto de su obra dentro de la sociedad británica del siglo XIX. ‘Mr. Turner’ ya desde su primera secuencia en esos preciosos paisajes holandeses, inclusive en sus títulos de crédito, refleja arte casi en cada plano, tratado con cariño y parsimonia, mostrando parte de su proceso creativo y luchando con la opacidad e incomprensión de sus sentimientos. Leigh nos muestra un personaje de difícil empatía, pero de infinita pasión pictórica a lo largo de casi 150 minutos de ritmo pausado y necesario, que evocan el romanticismo mientras chocamos con los gruñidos del curioso y antipático personaje.

‘Mr. Turner’ enfatiza en la fotografía de Dick Pope (absolutamente embriagadora en la mayor parte del film), en la preciosa música compuesta por Gary Yershon y en la poderosa interpretación de un Timothy Spall soberbio. Spall (ganador del premio a mejor actor en Cannes y en los recientes Premios del Cine Europeo) está fantásticamente dirigido por Leigh y recrea un personaje atormentado, de fuerte personalidad y fealdad reinante, de torcido andar y de característica figura, conformando un Turner de carne y hueso en el que tratamos de entender sus reacciones, gestos y pasiones. Excelente la relación padre-hijo, así como la secuencia de la galería de arte o sus conversaciones con varios eruditos. El film es un deleite romántico donde se le eche en falta quizás algún detalle más de su vida personal pasada, y en el que sentimos formar parte de varios de los cuadros más relevantes del autor, como por ejemplo la magnífica secuencia que revela el origen de una de sus obra más representativas como es el caso de ‘El temerario remolcado a dique seco’ (1839).

Reconozco sin embargo que su visionado no será fácil para muchos espectadores. Su ritmo en ocasiones muy lento, y la antipatía que puede llegar a trasladar el personaje principal pueden hacer que a más de uno se le atragante, pero una vez superado eso, contemplaremos una obra de alto nivel en el que la belleza de sus planos deja palpar la esencia de un genio incomprendido hasta por sí mismo. ‘Mr. Tuner’ en mi opinión es una de las mejores películas del año que no debería pasar desapercibida por los amantes del séptimo arte.

Lo mejor: La fotografía de Dick Pope y la interpretación de Timothy Spall.
Lo peor: No alcanzamos a comprender las reacciones del protagonista.

Banda sonora: 7
Fotografía: 10
Interpretaciones: 8,5
Guion: 7,5
Dirección: 9
Satisfacción: 8,5
NOTA FINAL: 8,5

@hilodeseda - www.habladecine.com