Tengo muchos amigos que me dicen siempre eso de que Pedro Almodóvar no podría rodar jamás una película de otro género que no fuera el suyo (que es un género sui generis entre el drama y la comedia). Algo así como que Pedro no podría (o no sabría) rodar una película de ciencia ficción, de terror, de aventuras o un western.

Yo les decía que en Pedro había talento de sobra para rodar lo que quisiera y mira por donde con Extraña forma de vida por fin he podido decirles a estos amigos: ¡Os equivocabais! Pedro sí sabe rodar otras cosas y para muestra este corto maravilloso que se apropia de forma muy natural de las constantes de un género tan brillante y único como es el western para darle otra visión personalista pero también muy pura, muy clásica.

Es un western de manual donde el desierto, los caballos, la violencia, el honor y la venganza se unen de forma prodigiosamente viva, donde es fácil ver las influencias de un Ford o de un Hawks en esa tensión narrativa y ese tono crepuscular de la historia (donde los dos personajes protagonistas están estupendamente definidos -y de repaso interpretados genialmente por Pedro Pascal y Ethan Hawke- y tienen una historia que contar sólida con cimientos fuertes detrás). Desde luego, la perspectiva gay le da una dimensión nueva muy agradecida pero sigo pensando que la película funciona igualmente a todos los niveles tanto artísticos como técnicos por la prodigiosa dirección de Almodóvar.

A pesar de ser un corto, me atrevo a decir que estamos ante la mejor obra del manchego desde la mismísima Volver. Ambas dejan un poso de melancolía y de satisfacción que son dos de las constantes de su cine (el salir de la sala reconfortado, feliz y con ganas de más). Gracias, Pedro!

La tercera película de Henry King de 1936 (junto con Lloyd’s of London y Cinco cunitas) es el drama romántico Ramona protagonizado por Loretta Young y Don Ameche y basado en la novela de Helen Hunt Jackson (era de hecho la tercera adaptación de la famosa novela, si bien la primera sonora). La adaptación cinematográfica contó con el gran Lamar Trotti quien ganaría el Oscar en 1944 por el guion original de Wilson, también dirigida por Henry King y ganadora de 5 estatuillas aquel año.

Los dos futuros ganadores del Oscar (ella en 1947 por Un destino de mujer y Ameche en 1985 como secundario por Cocoon) son aquí una pareja (ella mestiza y él indio) a la que une el destino tras el no rotundo de la familia blanca en la que Ramona se había criado como una más a una relación entre ella y el hijo mayor, Felipe. Hay por lo tanto amores trágicos y cierta denuncia social clara y adelantada (sin excusas ni cortapisas habituales en aquella época) contra el racismo imperante en la sociedad americana que censuraba las relaciones entre personas de razas distintas.

La banda sonora, omnipresente, es obra del irrepetible Alfred Newman y resulta un complemento perfecto para resaltar las distintas emociones de los personajes. La producción es muy cuidada y se nota el presupuesto holgado. Los actores protagonistas están correctos (aunque cueste ver a Ameche con sus ademanes suaves como un indio americano) y entre los actores de reparto destacan la futura ganadora del Oscar secundario Jane Darwell (por Las uvas de la ira de Ford) y actores tan fantásticos como John Carradine o J. Carroll Naish, así como la hija de Cecil B.DeMille, Katharine (quien estuviera casada con Anthony Quinn).

Era el cuarto film en utilizar la técnica del Technicolor tras El jardín de Alá, El camino del pino solitario y el musical Dancing pirate. Todos ellos también de 1936 (el primero de ellos, El jardín de Alá de hecho ganaría un Oscar especial por su fotografía en color).

Film entretenido que se deja ver aunque no creo personalmente que esté ni siquiera en un top 10 de la filmografía del siempre interesante Henry King.

Qué pena que La voz humana se haya quedado en corto y Pedro no haya decidido hacer un largo, partiendo eso sí de la adaptación del texto de Cocteau.

Y es una pena porque en el corto está todo el universo de Almodóvar a su máxima potencia. El Almodóvar clásico, elegante, sirkiano (Escrito sobre el viento aparece entre los DVD de una mesa), el que empezó a pulirse con Todo sobre mi madre (aunque ya La flor de mi secreto -mi favorita- y Carne trémula eran piezas de orfebrería que atisbaban el rumbo de su carrera) y probablemente se haya confirmado con Dolor y gloria (aunque esta última ya sabéis que a mí no me ha engatusado tanto).

Ese universo que vuelve a la mujer/heroína almodovariana que a mí tanto me apasiona para convertirla en el centro del drama, dándole un texto sublime y una actriz en estado de gracia constante. Y de nuevo es una pena que no sea un largo porque Tilda hubiese estado fuertísima en la carrera para los Oscars. A mí jamás me ha gustado tanto como aquí (y ya es decir). Por lo demás, técnicamente es una película refinada, bien planificada, con una fotografía y dirección artísticas al servicio de la historia y las palabras. Simbiosis perfecta que alcanza su clímax con la sobresaliente música que ha compuesto Alberto Iglesias para la ocasión (no me canso de alabar su infinito talento).

No puedo más que rendirme una vez más ante Pedro, alegrarme por mi reconciliación con su maestría y plantarle un merecidísimo 10.

Las historias románticas sustentadas en el diálogo, en la interacción entre los dos protagonistas son y han sido habituales en el cine desde siempre. Desde “Breve Encuentro” pasando por “Al final de la escapada” por la trilogía de Linklater “Antes del…” y llegando a “Weekend”. Son historias que funcionan porque todos en el fondo hemos pasado por algo similar en nuestras vidas y nos evocan el tiempo que fue y lo que pudo ser. “Medianoche” sigue esa estela pero aportando un punto de originalidad en su guion que la hace singular.

Partiendo de esa premisa, que se desarrolla a lo largo de sus casi 20 minutos y que se va mostrando poco a poco a través de la intercalación de imagénes con los mismos protagonistas, “Medianoche” es una reflexión atemporal sobre nuestros anhelos y la insignificancia de la existencia en un mundo gobernado al fin y al cabo por el azar y la suerte. Su final es una metáfora inteligente que representa con acierto todo lo anterior.

Pese a ser un corto, se nota el oficio técnico de todo su equipo, en particular, una atmosférica fotografía y una dirección que sabe a donde va, que se luce a la hora de sacar todo el jugo a la historia y que no se ve opacada pese al exceso de diálogo en ocasiones (quizás sea más apropiado decir exceso de frases algo artificiales que no pegan en boca de dos jóvenes, por mucho que uno sea escritor y la otra periodista en ciernes). Esa artificialidad se ve compensada sin embargo por la chispa entre ambos actores y, como decía, por el genio del director que sabe como sacarle partido a la interacción de las imágenes sin diálogos y a la potente y muy cinematográfica escena final.

Como con el corto, del que uno se queda con ganas de más, lo importante ahora es ver como se consolida tanto talento aquí junto en un proyecto de más envergadura.

Mi cita en el cine con Pedro ya llegó. Es algo que busco ansiosamente tras haber visto su última película hace ya dos años, "Los amantes pasajeros”, comedia alocada aborrecida por casi todos, que me pilló en un momento extraño que ahora veo muy lejano. “Julieta” me pilla en pleno apogeo de alegrías y emociones. En el mejor momento posible como en su momento me pasó con “Hable con ella” o incluso con “Volver”.

Cine de una fuerza dramática casi imperceptible por lo austero y desnudo que lo presenta Pedro. Un torrente de emociones todas juntas arremolinadas sobre unos personajes magnéticos, vivos por dentro y por fuera que cierran un círculo de contención (en las palabras, en los gestos, en esos escenarios) apabullante. Qué acertado ese título original de silencio porque es precisamente ese concepto (lo básico, lo que no hace ruido, lo que fluye por dentro dejándote inmovilizado, sufriendo y disfrutando con la historia) lo que eleva a Julieta a la categoría de verdadera obra maestra y sí, probablemente, a la consideración de la mejor película de Almódovar no en mucho tiempo, sino de toda su carrera.

Es la culminación absoluta de un estilo depurado al máximo que no por ello se olvida de lo realmente importante: Pedro, una vez más, rasca las heridas, las cura e intenta cicatrizarlas a través de personajes, de diálogos, de monólogos y de muchas más cosas que son la esencia de todo su cine.

Muchos la han calificado como la menos almodovariana de sus películas, pero yo no estoy de acuerdo: Julieta huele a dolor, a perdón, a desamor, a alegría contenida, a tantas y tantas cosas que el universo del manchego ha sabido retratar con acierto a lo largo de los años. Ello sin embargo no es óbice para reconocer que Julieta se mira en Hable con ella y en Volver fundamentalmente lo que, en todo caso, me parece algo natural en Pedro. Es evidente además que aunque en Julieta el dominio del guion y de la dirección es absolutamente perfecto (pero que difícil lo tendrán ahora sus detractores habituales), su espíritu, sus colores, sus detalles artísticos (guiños constantes y homenajes a los mitos de Pedro), sus cameos reconocidos y no tan reconocidos y por supuesto la elección de las actrices (portentosas todas ellas, al nivel del elenco de Volver) te llevan inmediatamente a Pedro.

Julieta es la película que yo quería ver. Es la película que necesitaba ver y que me llena de felicidad y emoción en un momento vital de alegría. Es la película que Pedro me ha regalado y por lo cual le estoy inmensamente agradecido. Gracias, Pedro.

Un 10