Generalmente las películas hispano-italianas de los sesenta de temática clásica se pueden dividir en dos categorías: Las serias y las WTF. El problema es que muchas veces (Más de las que debería) Las primeras terminan siendo más WTF que las segundas. Al menos el péplum fantástico, de mero entretenimiento era muy consciente de su naturaleza de serie B. Hay peplums (¿o pepla?) pretendidamente serios que de pretencioso aburren y de mal contados... aburren también. Pensé que Héroe sin patria sería uno de ellos. Se trata de una historia real de un periodo apenas tratado por el cine, la monarquía romana, más interesado en la grandeza del imperio y el advenimiento del primer cristianismo que en esta remota fase de la más importante civilización que ha pasado por la tierra (Que me perdone China).

Coriolano fue un héroe (más mítico que real, posiblemente... pero como Moisés y otros tantos) que pasó de la gloria a ser desterrado y aliarse con los enemigos de su patria. Una historia bastante jugosa que ya había interesado a los mismísimos Plutaco, Ludwig van Beethoven y William Shakespeare. Ahí es nada.

Pues contra todo pronóstico resulta que está sorprendentemente bien narrada (Y más viniendo de un director que había contado antes una guerra de Troya capaz de aburrir a Homero)

La puesta en escena está bastante bien, a nivel artístico no se ve el bajo presupuesto (tampoco es que parezca una superproducción, pero no luce mal)

Un 7 para este Coriolano.

Uno de los grandes títulos del cine de los 90 que, de todos modos, encuentro irregular.

Por una parte posee planos de una fuerza cinematográfica enormes, especialmente los sexuales y sangrientos. La potencia visual de esas escenas es incuestionable. El problema es la desgana que se ve en el resto de la planificación. Salvo algún plano secuencia que funciona muy bien, en el resto no se ve el mimo y cariño que se le debe presuponer a la organización visual. Esto hace que le falte energía a la película, y eso que tiene algunos planos, vuelvo a decirlo, realmente impresionantes.

El reparto no me parece del todo acertado. Maribel Verdú tiene un físico excesivamente sexual para hacer de mojigata . Aunque la vistan a como a una teresiana, emana sexo. no puede evitarlo. Jorege Sanz, por su parte, no transmite ese ímpetu e hiperactividad sexual que se le supone al personaje. Se le ve demasiado tranquilo, demasiado apático. Realmente, tendrían que haberse intercambiado los papeles Maribel y él. Todo lo contrario que Victoria Abril. Está fantástica como viuda, timadora y dependiente emocional del soso de Jorge Sanz. Nunca ha estado más guapa que en esta película y, por poner un pero, quizá fuera demaisado joven para el personaje.

Y lo peor es la música. Con diferencia. Una misma melodía machacona, no especialmente inspirada ni buen refuerzo de la imagen que lastra la potencia de lo que quiere contarnos Aranda.

Con todo, se deja ver bastante bien y no deja de ser uno de los títulos más importantes del cine español de los 90.

Evita es una película que puede parecer ya mal envejecida en su factura (sobretodo por una fotografía tan noventera) pero que ha significado mucho más de lo que aparenta a primera vista. Se concibió con la loable intención de pasar a la historia como el musical definitivo. Se estrenó en una sola sala por ciudad y sin opción a rebaja de entrada por el día del espectador para eternizar su vida comercial. El problema es que quedó la cosa a medio gas, que es el mayor castigo de un ambicioso. No fue el taquillazo con el que soñaban ni la crítica la elevó al Olimpo de las obras maestras. Ganó un oscar de cinco nominaciones. Para cualquier película que junte a Madonna con Banderas viene a ser una proeza sobrehumana. Pero esto era Evita y cinco fue una cifra decepcionante.

Con todo, Evita es un título primordial porque inició lo que serían los musicales a partir de entonces: Producciones de lujo, adaptando famosísimos éxitos de Broadway para ir sobre seguro, repletos de estrellas y un artificioso diseño artístico con los ojos puestos en la ceremonia de los oscars. Todos los musicales hasta el día de hoy, como Chicago, Nine, Los miserables, El fantasma de la ópera e incluso Mamma mía siguen la estela de Evita. Hasta se ve su huella en musicales originales como Moulin Rouge.

Todos recuerdan esta película como aquella en la que Madonna aprendió a cantar y actuar (y lo olvidó justo a continuación). No es un trabajo magistral el de la reina del pop. Es muy llamativo por la comparación de cómo había interpretado anteriormente (y posterior también). Su trabajo es sobretodo voluntarioso. Se ve el deseo de encarnar a Eva Perón, y de hacerlo lo mejor posible siendo muy consciente de la magnitud del proyecto en el que había sido aceptada. Madonna transmite su fascinación por la leyenda de Eva Perón y esto suaviza la desmitificación a la que someten a la primera dama argentina durante todo el metraje. Pese a que sólo cuentan las miserias de su vida, Eva Perón queda retratado como un personaje glorioso por encima de sus sombras y esto es porque Madonna te transmite a cada segundo su absoluta admiración por Evita sin avergonzarse de manifestar que, por una vez, es ella la fan. Pocas veces un actor ha estado tan orgulloso de encarnar a su ídolo. Con todo esto, no consigue que se nos quite de la cabeza el partido que le hubieran sacado a semejante bombón de personaje otras candidatas con más talento como Michelle Pfeiffer.

Y por cierto, que alguien con la voz de Madonna sea considerada la reina del pop hace que nos debiéramos plantear cuales son los pilares de nuestra civilización porque algo falla.
La conmoción de escuchar cantar bien a Madonna por primera vez en sus veinte años de carrera hace que el mérito de Banderas quede en segundo plano. El trabajo que hay detrás de Banderas para mejorar su voz es portentoso. Le habíamos escuchado en El mariachi y en Los reyes del mambo a un nivel muy inferior de lo que consigue en esta película y, al contrario que su compañera de reparto, siguió aumentando en técnica y seguridad. Tras Evita se atrevió con e incluso a protagonizar Nine en Broadway. Y si no quiso cantar en los oscar “Beautiful María of my soul” cuando ésta fue nominada, se desquitaría años después con “Al otro lado del río”.

El punto fuerte de Evita es su música. Esto puede parecer redundante, pero la adaptación musical sobre el original es tan lograda que en ocasiones la supera. Por ejemplo, I’d de surprisingly good for you se convierte aquí en un bolero que le hace ganar muchos puntos sobre su versión teatral.

En Evita se inició también la decadencia de los temas originales. Hasta entonces, cuando una canción se añadía al musical era porque estaba a la altura. Cabaret incorporó “Mein Herr” y “Money Money” a la adaptación cinematográfica. Grease, “You’re the one that i want” y “Hopelessly devoted to you”. Canciones sin las que hoy no se puede entender la obra. Evita incluyó el tema “You must love me”. Es bastante agradable de escuchar, ganó el oscar cuando aun lo ganaban canciones bonitas e incluso se ha incorporado al montaje teatral actualmente. El problema es que no es memorable. Si piensas en Cabaret, la primera canción que te llega a la cabeza es Money Money. Con Grease pasa lo mismo con You are the want that i want. Evita siempre será Don’t cry for me Argentina. En ese aspecto da la sensación de que de no haberla agregado, no hubiera pasado nada.

Pero como ya he dicho, la importancia de Evita es haber creado la pauta de lo que serían los musicales tras ella, y en este aspecto es en el que más se nota (desgraciadamente)

Ningún musical ha mimado las canciones originales que creaba y el nivel de exigencia cada vez ha sido más bajo. Chicago, incluso, relegó su “I move on” a los créditos. Y el “Suddenly” de Los miserables es lo más anodino que se ha compuesto nunca.

En definitiva. Evita fue la película será mejor o peor, pero hizo que los musicales sean lo que son hoy y para eso hace falta mucho talento.

Mucho.

Sentido homenaje a la profesión de actor. En general funciona bien, gracias sobretodo a un guion que dosifica con cabeza un cierto punto artificioso, propio del teatro clásico. Los actores igualmente bien, los que suelen estar siempre bien, pero algunos de los alumnos... vaya tela. Mas que en cuarto de interpretación parece que están en preescolar. Pero en general bien, muy disfrutable. Se hubiera echado en falta un mayor celo en la planificación y puesta en escena, ya que una academia teatral daba bastante juego. Por otro lado, la elección de la música y la descuidada fotografía le dan un cierto empaque cutre que si lo hubieran trabajado más la película hubiera ganado enteros.

Si tuviera que elegir una película para explicar a las generaciones futuras cómo han sido estos tiempos que nos tocan no buscaría una cinta histórica. Ni un título sobre la crisis, ni sobre el 11-S ni vaivenes políticos o crítica social. Creo que los hechos no pueden explicar del todo la historia. Escogería Young adult. La cinta de Jason Reitman plasma algo aun más certero. Nos muestra nuestro estado de ánimo. Eso no se aprende en ningún documental ni libro de historia.

Charlize Theron en la mejor actuación de toda su carrera (que ya es decir) es joven, guapa, preparada, talentosa. Lo tiene todo para triunfar. Debería hacerlo, se lo merece. Pero sólo es el negro de una escritora consagrada. Es la sombra de lo que ella debería haber sido. Y recibe una invitación para la boda de su novio del instituto. En ese momento lo ve claro. Su futuro es volver al pasado. retomar su vida en el momento en el que tenemos toda la vida por delante, todos los sueños, cuando aun podemos enmendar las malas decisiones que nos quedan por hacer (O harán por nosotros). Nihilista, desencantada, pero aferrada a una última esperanza por salvarme, por muy desesperada o inconcebible que resulte. Porque es joven, guapa, preparada, talentosa y lo merece.