Cassius es un joven que comienza a trabajar como teleoperador. Pronto se da cuenta que para que los clientes no le cuelguen ha de hablarses fingiendo la voz de un blanco. Empezará así un ascenso a la cima de la empresa para descubrir un entramado corporativo desolador. Riley retoma el testigo de Get out para volver a hablarnos, en un principio, de la identidad racial. Un sistema laboral en el que hay que adaptarse al molde del hombre blanco triunfador para poder encontrar su sitio. A la vez que Cassius inicia su ascenso, sus antiguos compañeros, su familia y su novia le reprochan su rechazo a su propia identidad pero también su individualismo frente a las organizaciones sindicales que empiezan a formarse.

Todo esto ya supone una base interesante, pero no queda ahí el asunto. Boots Riley pone toda la carne en el asador y escribe su debut en pantalla como si fuese en realidad su última película. Sorry to bother you, según van pasando los minutos, se muestra como un manifiesto contra el nuevo orden mundial. La empresa de un multimillonario californiano, un pijo egocéntrico con aires de filántropo de quinta interpretado por Armie Hammer, convierte la firma de un contrato de trabajo en deportaciones masivas a campos de concentración. Dardo directo a las polémicas condiciones de trabajo de empresas como Amazon en diversos puntos del planeta.

El atardecer antes de la oscuridad. Las últimas horas del esplendor del imperio austro-húngaro antes de que la Primera Guerra Mundial termine con él. Estamos en el Budapest de 1913, una huérfana vuelve a su ciudad natal tras haber sido enviada en su infancia a Trieste. Su objetivo, trabajar como sombrerera en el taller que lleva el nombre de sus padres. La vuelta de tal misteriosa mujer servirá como excusa para adentrarnos en los secretos más turbios de esta parte de la ciudad. Enigmas que parecen no tener fin y que llegan al núcleo del mismísimo imperio.

Nemes, asistente de dirección del ya retirado Béla Tarr, debutaba en 2015 con la impactante El hijo de Saul. El protagonista, preso en un campo de concentración, cree haber encontrado el cádaver de su hijo, a quien quiere dar un entierro digno a espaldas de los guardias nazis. Una película laureada con el Gran Premio del jurado de Cannes y el Oscar a la mejor película extranjera, un hito para un debutante.

Sea como fuere, Nemes no ha dudado en rodar su segunda película de la misma manera, esta vez, con un sujeto menos peliagudo, permitiendo por tanto al espectador prestar mayor atención a la puesta en escena. La protagonista de Atardecer, efectivamente, aparece en todos los planos de la película, aunque sólo fuera su hombro para enseñarnos aquello que observa a lo lejos. Una forma de rodar claustrofóbica y sin embargo capaz de representar de manera fidedigna la vida de la ciudad en aquel entonces. Nemes logra sugerirnos un decorado abierto y gigantesco en unos planos cerrados que apenas nos dan información, y pese a todo, la técnica funciona gracias a una planificación asombrosa y compleja.

La idea de dirección no deja de ser una serie de recorridos pegados a un personaje al que se van añadiendo elementos y personajes con cuentagotas para que el seguimiento de la mujer pueda alargarse. Por increíble que parezca, todo funciona. El interés por saber qué ocurrió a la familia de la joven y qué oculta su jefe nos adentra en una trama bien estudiada que consigue fascinarnos. La película logra así mantener el tipo pese a su larga duración, evitando caer en la monotonía de una realización tan limitada, y por otra parte, ya vista en el debut del director.

Pero el mayor logro de Atardecer, y aquello que la hace dar un paso adelante respecto a El hijo de Saul, es el ser capaz de hacernos comprender el contexto en el que el imperio austro-húngaro firmó su sentencia de muerte. El escenario esta vez ya no son los oscuros y cerrados barracones de Auschwitz, sino la luminosa y abierta Budapest. Es decir, la segunda ciudad del imperio y crisol de culturas y lenguas, rival popular de la burguesa y noble Viena. Este enfrentamiento entre países dentro de un estado no augura nada bueno. Nemes retrata un Budapest turbio en el que oímos varios idiomas y dialectos de soslayo, donde comprendemos las diferencias sociales, donde seremos testigos de crímenes impunes y de la corrupción, donde nos integraremos sin darnos cuenta en bandas terroristas... Todo un caldo de cultivo de una ira popular que podemos percibir en la película como anticipo del asesinato del archiduque Francisco Fernando, desencadenante de la Gran Guerra.

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Cambio radical para Lanthimos, que nos brinda su primera película cien por cien británica, sin ningún atisbo de sus orígenes helenos. La anterior, El sacrificio de un ciervo sagrado, aunque también se trataba de una producción inglesa sí que analizaba cómo la ciencia actual no podría hacer frente a las reglas de las tragedias griegas. Langosta, además, no sólo contaba con las musas del director Ariane Labed y Angeliki Papoulia sino que el juego de actores se caracterizaba por la frialdad con la que las líneas eran recitadas, más cercano del teatro clásico que del cine.

Grecia no está presente en The favourite. Se trata de una película de época, eso sí, cargada de humor negro en la que pese a todo, tanto en técnica como en argumento, la mayor referencia es Barry Lyndon. Emma Stone es una noble caída en desgracia que para recuperar su prestigio se acerca a su prima, consejera de la reina, para poder ganar posiciones en el mismísimo palacio real. Una ambición como el personaje de Kubrick y un director que apunta a alcanzar los niveles del fallecido cineasta. Aunque Lanthimos renuncie a su característico estilo, desde su debut, el aspecto técnico, no ha hecho más que mejorarse de una película a otra.

The favourite está rodada con unas lentes en ojo de pez, que centran a los personajes al mismo tiempo que enfoca los detalles del borde de la imagen, tanto en interiores, resaltando la decoración del palacio, como en exteriores, aprovechando el juego de luces. El resultado es espectacular tanto en planos fijos, como en travellings, como en bruscos giros de cámara en un punto fijo. La dirección de Lanthimos parece no tocar techo. Sin embargo, The favourite tiene un gran pero e, injustamente, no viene de la propia película.

Lanthimos hizo irrupción en el cine europeo, desde una industria tan modesta como la griega, gracias a unos pitchs impactantes que desdibujaban la frontera entre la sátira y la distopía, entre la comedia y el terror. Un autor nacía y hoy, con The favourite, su prestigio queda definitivamente grabado en la meca del cine con todo el aluvión de premios y menciones antes de los Oscars ¿Pero qué prestigio? ¿Como autor o como artesano?

Asako formó parte de la selección oficial del último Festival de Cannes, anunciada en abril. Aunque la película se fue sin ninguna mención en el palmarés, su llegada a La Croissette fue muy celebrada por suponer el desembarco en Europa de un director desconocido. Carne fresca en un festival en el que se repetían demasiado algunos nombres, año tras año. A las pocas semanas del anuncio, además, salía en salas la anterior película del cineasta: la magnífica Happy hour. Tras tres años sin distribuirse en occidente por sus cinco horas de duración, se presentaba en forma de cinco capítulos y convirtió inmediatamente a Hamaguchi a un director a seguir.

Esta nueva película se aleja de Happy hour en su estilo, en el público al que va dirigida y en sus objetivos. Y por increíble que parezca, eso no es nada malo. Asako abandona la austeridad para presentarnos un apartado técnico mucho más esplendoroso, se centra en el final de la adolescencia y el principio de la madurez y además se trata de una película mucho más accesible para el público joven. Asako podría perfectamente considerarse un film comercial al que Hamaguchi adapta sus propios códigos sin renunciar a su estilo en ningún momento.

La protagonista, una joven adolescente de Osaka que se enamora a primera vista de un chico rebelde con el que se cruza en la calle. Juntos comienzan una relación y de la noche a la mañana, su novio desaparece. Años después, Asako, ya adulta, trabaja en Tokio y allí conoce a un hombre idéntico a su amor adolescente. También se enamora de él aunque siempre tendrá presente la duda si su nuevo novio es en realidad aquel primer amor que la abandonó.

El planteamiento de Hamaguchi no puede ser más interesante: el eterno referente de Vertigo procesado a través de un filtro de melodrama adolescente. El misterio de averiguar si los dos hombres son la misma persona se va diluyendo poco a poco hasta que es otro dilema, más importante si cabe, el que gana interés: ¿Es Asako la misma mujer que se enamoró de aquel adolescente? No en vano la película marca dos momentos bien diferenciados en la vida: el primer amor platónico, loco e idealizado y el amor de madurez, racional y comprometido. Qué hacer cuando toda tu vida parece asentada y de repente tu primer amor llama a la puerta para poner todo patas arriba.

Otra vez Hong Sang Soo. Tras la increíble proeza de estrenar cuatro películas más que interesantes en un año, el coreano no se ha dormido en los laureles y este 2018 ya ha rodado dos. Grass es la primera de ellas. Apenas una hora de duración y un par de decorados sirven para añadir otra perla de incalculable valor a la filmografía del director. En ella, una aspirante a escritora de más que cuestionable talento intenta encontrar inspiración en las conversaciones que oye a su alrededor en una cafetería. Sang Soo vuelve a demostrarnos que simpleza no implica necesariamente superficialidad o dejadez. Casi al contrario, a lo largo de su carrera ha logrado transmitir emociones complejas con una desnudez técnica sorprendente. Grass no es menos y encuentra un equilibrio perfecto entre el divertimento narrativo y el sentimiento de su texto.

La película sigue un vaivén entre dos cafeterías pero también entre la ficción y la realidad. La protagonista, mientras escribe en su portátil, escucha conversar a unos jóvenes, luego a una pareja madura y luego a dos compañeros de trabajo. Se va con su hermano a conocer a su nueva cuñada al café de al lado para volver poco después al bar inicial y así escuchar otra vez a los compañeros de trabajo conversar con la pareja madura, luego a los jóvenes y terminar ella misma formando parte de esas conversaciones.