El tándem formado por Mariano Cohn y Gastón Duprat, con Nada su nuevo proyecto pone el foco en el mundo de los críticos gastronómicos.

Después de haber sacado los colores al mundo del cine con Competencia oficial y a los literatos con El ciudadano Ilustre entre otros colectivos.

Con el sello particular que les caracteriza, la crítica social que recorre sus proyectos, siempre con grandes dosis de ironía, han conseguido ser dos de los directores argentinos mas reconocidos de esta época.

Nada, es una serie de cinco capítulos de poco más de media hora de duración cada uno, que sirve como homenaje a la ciudad de Buenos Aires y a su a veces denostada gastronomía.

La historia gira alrededor del crítico gastronómico Manuel Tamayo Prats, interpretado genialmente por Luis Brandoni.

Manuel es una persona muy atada a su rutina, con una vida tremendamente cuadriculada, que ve que todo esto salta por los aires cuando Celsa la señora que durante cuarenta años ha estado cocinándole y planchando sus camisas muere repentinamente.

Ante esta perdida, aparecerá en su vida Antonia, la chica a la que contrata para cubrir la ausencia de Celsa, una joven paraguaya, interpretada por Majo Cabrera.

Por si el buen hacer de Brandoni, no fuera suficiente aliciente para ver esta serie, tenemos que decir, que cuenta con la participación de Robert de Niro, en el papel de Vicent Parisi, un escritor neoyorkino amigo de Manuel.
De Niro, será el encargado de narrar la historia, así como de traducir al inglés los términos que dan título a cada uno de los capítulos, frases porteñas todas ellas relacionadas con la gastronomía como Estar en el horno, La verdad de la milanesa, Nadar en dulce de leche.

Incluso hay en un momento que se atreve a explicar expresiones lunfardas tan extendidas como boludo y pelotudo.

Estos son los ingredientes que bien mezclados, convertirán a buen seguro a Nada en uno de los éxitos de la plataforma Disney + de esta temporada.

Y si pasar un buen rato entretenidos fuese poco, hay que ver la serie para aprender hacer la perfecta milanesa (no hago spoiler, mejor véanla).

Llevar el teatro al cine no es tarea fácil, pero Marc Crehuet, ha cubierto el expediente con creces en su debut, con la obra El Rey Tuerto.

La película es la adaptación de la obra de teatro homónima, estrenada en 2013 y que tan buenas críticas ha cosechado. Para su salto a la gran pantalla Crehuet ha querido mantener al mismo elenco formado por Alain Hernández, Miki Esparbé, Betsy Túrnez, Ruth Llópis y Xesc Cabot.

Una cena de reencuentro de viejas amigas, en la que casualmente se juntan el hombre que acaba de perder un ojo en una manifestación y el policía responsable de este incidente, desencadenan esta historia que tiene la crisis económica como trasfondo. Personajes muy alejados ideológicamente, que a lo largo de la película van sufriendo una evolución, debido a la fragilidad de sus convicciones.

Probablemente la excesiva fidelidad a la obra de teatro, su carácter poco fílmico, la ha penalizado de cara ha conseguir alguna de las Biznagas del Festival de Málaga en el que se estrenó, pues la fuerza del personaje de David, interpretado por Alain Hernández, seria merecedora de la Biznaga a mejor actor, por hacer creíble un personaje histriónico, así como el papel de su pareja en la película Betsy Túrnez, también sería de Biznaga.el rey tuerto

A pesar del tema tratado, es una comedia, comedia negra, que en ocasiones gira hacia lo dramático, con gran rapidez en los diálogos, y en los que cada palabra es un dardo que hará reflexionar a los espectadores, y hacerse muchas preguntas. Una película en la que no hay buenos y malos, no hay maniqueísmo, ni posicionamiento.

Después de dos años girando con la obra de teatro para Miki Esparbé, rodar esta película ha sido “como hacer la última función que tanto emociona y cerrar de alguna manera un círculo”.

Según Michael Hunter, profesor de la Universidad de Sheffield en Gran Bretaña, el tono de la voz femenina emite sonidos más complejos que la masculina, debido a diferencias en el tamaño y forma de sus cuerdas vocales y su laringe, por esta razón la voz femenina agota al cerebro masculino. Según Hunter “un esfuerzo en atender durante mucho tiempo la conversación femenina podría afectar la zona cerebral masculina”.
Es decir que según esta información La vida en una pecera, la última película de Rubén Alonso, sólo sería apta para el público femenino, ya que la mayor parte de sus ochenta minutos de duración, comprenden un monologo de la actriz Betty Olivares con el espectador.

Pero dejando estudios británicos a parte, esta película es para todos los públicos, bueno para todos no, solo para que aquellos que busquen algo diferente en una película, un nuevo lenguaje, no tan solo una historia con principio, nudo y desenlace.

Me gusta la forma en que está contada, con un personaje que nos introduce en su mundo particular del que somos testigos mudos, de sus amores y desamores, de sus problemas existenciales, y trascendentales, en definitiva de todo lo que acarrea la tan temida crisis de los veinticinco años.

Audacias fílmicas que estamos más acostumbrados a verlas en el mundo del cortometraje, pero que en un largo sorprenden mas, no son muy habituales en el cine patrio, no en vano Alonso, considera a su película en ciertos aspectos muy francesa no solo interpretativamente, sino estéticamente, con un cierto aire al cine de la Nouvelle Vague siempre en blanco y negro como su película, y con una banda sonora también francesa que se convierte en un personaje más de esta película, dando ritmo hasta el último minuto, merece la pena ver los títulos de crédito.

En definitiva, una apuesta arriesgada de Alonso, un director que intenta hacer de su cine una manera de expresarse, no solo de contar historias, experimentar con el cine, y además hacernos pasar un buen rato.

Un hombre y una mujer en un desierto, no se conocen entre ellos, no saben porque están allí, y no encuentran la forma de salir, poco a poco a través de los sueños empiezan a entender quienes son, que les une, pero es una verdad que igual preferirían no conocer, mientras tanto un hombre les vigila.

Este es el resumen de la película Zerø que se puede hacer, pues cualquier otra información nos hará caer fácilmente en el spoiler.

Se trata del debut en pantalla grande de Iñaki Sánchez Arrieta, que ha trabajado como ayudante de dirección en una treintena de películas de directores como Benito Zambrano, José Luis García Sánchez, Belén Macías y muchos más.

También ha trabajado al menos como ayudante en una decena de series, en anuncios comerciales y ha realizado ya unos cuantos cortometrajes, por lo que se nota que Sánchez Arrieta conoce bien el oficio.

La película está dividida en tres capítulos en los que a través de los diálogos de sus dos protagonistas se tocan temas como el amor, el desamor, la suerte, el dolor, el sentimiento de culpa, son unos personajes claramente lastrados por su pasado.

El peso de la película lo cargan sobre sus espaldas sus dos actores principales Nuria Herrero y Juan Blanco, pero tampoco nos queremos olvidar de Pep Sellés que a pesar de apenas pronunciar palabra juega un papel fundamental en la historia.

Se nota que hay química entre los dos actores protagonistas y se da la casualidad que después del rodaje de esta película también han formado pareja en la serie Señoras del (H)ampa.

Además de sus actores, hay otros protagonistas indiscutibles en la película los paisajes desérticos dan mucha potencia a la historia y su música, banda sonora de Ricardo Curto y grabada con la Orquesta Sinfónica Nacional de Praga sin la cual la cinta no sería lo mismo.

El ritmo de la película va in crescendo hasta llegar a removerte por dentro y eso lo consigue con la perfecta mezcla entre el género fantástico y el drama real separados tan solo por una fina linea.

Una road movie con saudade, es lo que nos presenta Paco R. Baños en su segundo largometraje, que lleva el curioso título de 522. Un gato, un chino y mi padre.

522 son los pasos máximos que George, la protagonista, es capaz de alejarse de su casa, pues padece una especie de agorafobia.

Le es muy difícil salir de su zona de confort, pero la muerte de su gato Fernando, le obligará a emprender un viaje, junto a su amigo de la tienda de chinos, en busca de sus raíces.

Para ello, ambos y las cenizas de su gato, emprenderán un viaje desde Sevilla hasta el Cabo de San Vicente, siguiendo la ruta que marca un libro de viajes escrito por el padre de George.

Este intento de George por recuperar su pasado servirá de elemento liberador, y hará que la joven comience a tomar las riendas de su mundo.

A su vez su amigo Chino-japonés, también emprende un viaje para recuperar un viejo amor y cerrar heridas del pasado.

Una historia que nos habla sobre la necesidad de no renunciar a nuestro pasado, a nuestras raíces y sobre como poder afrontar nuestros miedos.

Natalia de Molina, lleva todo el peso de esta historia que aunque en ocasiones el planteamiento narrativo es un tanto caótico, la actriz consigue con su interpretación que nos sintamos atrapados también en ese mundo del que solo podemos alejarnos 522 pasos.