Las luces de neón, la música electrónica repleta de sintetizadores y la obsesión por todo lo que tenga que ver con los 80 se abre paso una vez más en otra comedia de terror que homenajea al cine slasher. Aprovechando la figura del joven perdedor enamorado de su compañera de piso que acaba de forma involuntaria donde no debía, Vicious Fun se tira de cabeza dentro de todos los arquetipos y espacios comunes del cine de terror ochentero para ofrecer una divertida comedia llena de escenas sangrientas y humor negro. Sin tomar riesgos ni innovar en su propuesta, el film se convierte en un divertimento sin tapujos que convencerá a los fans del género. Mención especial para un desbordante Ari Millen que se come la escena cada vez que aparece en pantalla.

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Con evidente homenaje a La dimensión desconocida a lo largo del metraje, The Vast of Night plantea un relato de ciencia ficción de la vieja escuela en el que el constante diálogo entre personajes sirve de hilo conductor para narrar la historia. Ya desde el inicio el homenaje se vuelve palpable cuando la cámara se introduce en el comedor de una casa para lentamente acercarse a una televisión vintage que está emitiendo un programa de ciencia ficción. A partir de aquí, todo lo que vemos forma parte de ese programa de televisión y la cámara se alejará en ciertos momentos para recordárnoslo. Cámara que realiza constantes planos secuencia y que está en obsesivo movimiento en su persecución tras los personajes protagonistas, como si el secreto que desean resolver esté tras ellos desde el principio del metraje. Ese movimiento se detendrá en pocas ocasiones, siempre poniendo especial atención a un extenso diálogo o a un intenso monólogo de alguno de los personajes. La reafirmación de la idea del poder de la imaginación, de desarrollar en nuestra mente lo que nos es narrado y de conseguir así poder romper las barreras de la realidad tal como la entendemos. Orson Welles consiguió desatar el pánico con su narración radiofónica de La guerra de los mundos y la ópera prima de Andrew Patterson se fundamenta en los mismos principios para desarrollar su narrativa. The Vast of Night realiza una clara apuesta por el poder de las historias narradas, la magia de la radio y el recuerdo de una televisión atrevida, pero en su viaje se excede en algunas florituras técnicas que chocan con la propia propuesta y en lo cargante de muchos de sus diálogos. Deja la sensación que hubiera funcionado a la perfección con un menor metraje, que la conecta de nuevo con las referencias televisivas que homenajea.

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Unorthodox adapta libremente la autobiografía de Deborah Feldman en la que narra su huida de la comunidad ultraortodoxa de Satmar en Brooklyn. En la miniserie Deborah pasa a ser Esther, “Esty” para los más cercanos. Una joven abandonada por su madre que ha sido educada por su tía y por su abuela en los ritos y tradiciones de la comunidad ultraortodoxa de Williamsburg. El rol de esposa sumisa en matrimonio de conveniencia, de madre temprana con obligación de criar muchos hijos y de mujer feliz sometida a las rígidas tradiciones de la comunidad, hacen que Esty no lo soporte más y teja un plan de fuga a Berlín, ciudad en la que reside su madre. La miniserie realizada en gran parte en idish (lengua de la comunidad judía con claras influencias del hebreo, el alemán y otras lenguas eslavas) busca mostrar los contrastes entre la inflexible vida en Williamsburg con la libertad de acción y de descubrimiento personal que supone vivir en la capital alemana. Una ciudad que supuso el epicentro del holocausto y que cimentó el radicalismo de la comunidad judía de Brooklyn, obcecada en conservar sus tradiciones y aislar a sus miembros del resto de la sociedad. Precisamente una forma de vida que provoca el abandono de miembros que se sienten presionados y que pueden llegar a generar comportamientos sin ningún tipo de autocontrol que desencadenen fácilmente en adicciones de todo tipo. La joven actriz israelí Shira Haas se luce interpretando a Esther, en un papel que combina a la perfección fragilidad, frustración y esperanza, y que consigue una gran eclosión emocional en dos escenas puntales de la miniserie. Justo dos escenas en las que se enfrenta a dos estrictas normas de la comunidad, cargadas de simbolismo y filmadas con gran respeto.

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“Vida oculta” es la última película del controvertido director y guionista Terrence Malick. Apaleado y aplaudido a partes iguales por parte de crítica y público, Malick se aferra a su estilo trascendental, pero ofreciendo una obra menos críptica de lo habitual y con una estructura narrativa más accesible. La propuesta visual resulta impresionante, con una cámara que acompaña constantemente a los protagonistas y que ofrece bellas imágenes de los espectaculares paisajes. Este aspecto despunta especialmente en los tramos ambientados en los pasajes montañosos en los que convive la pareja protagonista, de una belleza apabullante. El apartado visual es acompañado a la perfección por la maravillosa banda sonora de James Newton Howard, con una pieza principal que resulta luminosa y dramática a la vez.

El dilema de Franz se centra en unas convicciones que le hacen ir a contracorriente de toda una comunidad (en realidad, de toda una nación) que está cegada por el nacionalismo y el odio, y al no aceptar la presión y su mensaje, le llevará por un camino de dolor y sufrimiento. Tanto para él como a los miembros de su familia, quienes recibirán las presiones de la gente del pueblo. La película transita por caminos comunes y no busca sorprender, prefiere profundizar en los problemas éticos a los que se enfrentan los protagonistas, poniendo el foco en el peso de la familia y en las graves consecuencias que puede tener esa decisión. Los diálogos resultan escasos en el film, y la mayoría se realizan a través de monólogos interiores o cartas que se mandan la pareja protagonista. El ritmo, la redundancia del mensaje y el largo metraje pueden hacer mella en el espectador que no conecte con la película al 100%, pero si se entra en su historia, consigue momentos de poderosa fuerza dramática.

La elección del punto de vista y la situación de la cámara merece comentario aparte. La gran mayoría de planos tienen su punto de fuga apuntando al cielo en los espacios exteriores, a las ventanas en los espacios cerrados y los planos contrapicados son una constante a lo largo del film. El dilema moral del protagonista se traslada de una perspectiva terrenal a lo divino, reflejando la fe inquebrantable de Franz. Un personaje con una vida oculta que se ha reivindicado con el paso del tiempo. Alguien que se atrevió a seguir lo que dictaba su conciencia, a pesar de las graves consecuencias a las que se enfrentaba.

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“The Old Man and the Gun” tiene el tono del cine policíaco de finales de los años 70, pero con un tempo pausado y centrado en fijarse por completo en la figura de Robert Redford. Al ver al personaje de Forrest Tucker atracando bancos y recordando las fugas realizadas de las diferentes cárceles en las que estuvo atrapado, también vemos a un Robert Redford despidiéndose de la actuación y haciéndonos pensar en la gran cantidad de películas realizadas anteriormente. Toda la película tiene un aura de melancolía que no nos deja ir, y a su vez, nos habla de las motivaciones personales al mostrar a un Tucker que siempre ha atracado bancos porqué es su verdadera pasión, igual que la de Redford es la actuación y el mundo del cine. En la película aparece un plantel de actores y actrices de renombre: Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Elisabeth Moss, Tom Waits… Pero el total y absoluto protagonista es Robert Redford, haciendo del resto de reparto unos secundarios de los que no sabemos prácticamente nada y por los que no sentiremos interés o aprecio alguno.

Su principal virtud resulta su mayor defecto. Al poner tanto énfasis en el protagonismo del personaje de Tucker y en su gran bondad pese a tratarse de un atracador de bancos, el pulso que mantiene con el inspector John Hunt no acaba de conseguir tensión y hace decrecer el interés por lo que sucede en su investigación policial. Eso unido al ritmo pausado de la película en el que nunca acaba de existir un in crescendo, ni siquiera en los momentos de persecución policial, hace que tengamos una sensación de oportunidad desperdiciada. Un gran homenaje a la figura de Robert Redford que quedará en el recuerdo especialmente por suponer la última actuación del mítico actor, no por otro tipo de méritos.

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