Toda una invitación sensorial y de inmersión al maravilloso, y aún sorprendentemente mundo del agua. El documentalista ruso Viktor Kossakovsky retrata de forma poderosa la fuerza vital que sostiene a todos los ecosistemas, desde perspectivas sorprendentes, y con un experticia técnica admirable.

Aquarela es el deshielo, el calentamiento global, la fuerza del mar, las tormentas, las mareas altas, las cascadas, el oleaje, la lluvia, las inundaciones. Aquarela es un pintura en movimiento del recurso más importante de este planeta tierra. Aquarela es agua.

La belleza pictórica, la cadencia, el envolvente sonido, la fuerza natural, los ángulos, la dimensión del líquido, el fluir de las imágenes; resultan un acontecimiento contemplativo, y hasta meditativo, muy satisfactorio.

Hay historias que se cuentan desde la perspectiva del antagonista que permiten crear una extraña empatía con estos personajes, provocando un conflicto moral que incomoda. “Reina de corazones” es sin lugar a dudas una película que transgrede y vulnera al status quo. Más allá de la llegada de un personaje como Gustav - por momentos difícil de descifrar - para cambiar para siempre la historia de quienes son su familia también, lo que sucede es una detonación de conflictos, un estallido de represiones y una oscuridad moral que golpea a personajes y espectador.

El compás de la narración está mediado por las decisiones de su protagonista. La mayor fuerza dramática sucede en su cabeza, incluso en muchos pasajes, sin exteriorizar sus pensamientos. Hay una sicología del personaje construida con finura, que sumado a su rol profesional, le imprimen un carácter atrevido y complejo. Esa justicia que busca impartir como abogada, se ve eclipsada en su vida personal, con una suerte de voracidad temible. Una película que va creciendo en su desarrollo, que se toma su tiempo para ahondar en las problemáticas, y que golpea al humanismo con contundencia.

Un contexto: Los incendios forestales. Una región: Galicia. Con estos dos elementos se construye un poema cinematográfico, donde escasean las palabras, y cuando por asomo resultan, llegan para colmar de certezas y sabiduría las sospechas de una trama calma que vibra al ritmo del campo. Culpables somos todos; por el afán productivo y de lucro, acabando con lo nativo, con las herencias de una naturaleza sabia, y destruyendo la tradición y sapiencia de los que la habitan.

"O Que Arde" es la exaltación de los paisajes gallegos, el encanto de sus climas, las miradas profundas de habitantes de pocas palabras y basta prudencia, es encanto visual y sonoro, y es conexión espiritual con lo natural. Culpables somos todos; de querer controlar, de juzgar, de burlar, al otro, y a la naturaleza. Ellos, los que habitan el campo, los de siempre, con cada acto demuestran respeto y tolerancia, y se conmueven por la llegada de foráneos, a irrumpir la tranquilidad y el equilibrio. Al final, quedarán en la memoria imágenes poéticas que dicen más que mil palabras. Y frases breves, que dicen más que extensos guiones.

Ema es una película que se resguarda con ingenio en los atributos de la danza y el fuego, que por muchos siglos han acompañado a las civilizaciones en su exploración, transformación y reconocimiento, para sostener un relato de modernidad.

El cuerpo aquí es el manifestación expresiva, es la comunicación, el autoconocimiento y la catarsis. De la mano, la libertad. Libertad propia de los hijos de la Chile post-dictadura. El fuego es el catalizador de la culpa, el resurgimiento, la vehemencia y el furor. Ema, al igual que el fuego, deja marcas imborrables a su paso . Ella es centro de luz y energía, y su alrededor girarán todos los sucesos y personajes, todos tocados por su fuerza.

Descifrar la complejidad de Ema como protagonista es tarea desgastante. En ella hay una afán de amor que se confunde entre la fogosidad y la juventud. Ese amor manifiesto viene asociado a un deseo de recuperar lo perdido. Es excentricidad y rareza. Curiosamente encanta a todos, aunque siempre con incertidrumbre. Los excesos parecen desbordar la razón, pero con finura se suman a un caprichoso destino ideado por ella.

Pablo Larraín regresa con fuerza para demostrar su talento con solidez narrativa, valor estético, encanto visual y sonoro, y un acertado engranaje de guion. Y sobre todo por contarnos una historia de empoderamiento femenino, de mujeres y madres, en manos de un hombre. Sin duda un proyecto asumen riesgos.

No es cuestión de fe sino una fuerte convicción lo que mueve a la protagonista de esta historia, que sumados sus componentes derivan en una obra de arte cinematográfica. Una revolución tomada con las propias manos, el ambientalismo y el feminismo en una versión sincera y decisiva, el humor negro nórdico, los paisajes islandeses, la ruralidad impuesta sobre la urbe agitada, y la música como figura preponderante, conjugan un placer sensorial inobjetable.

La mujer de la montaña es heroína discordante, sin capa y con superpoderes, que emprende una aventura llena de pruebas y decisiones, en un proceso de individuación y autoconocimiento, y con una satisfactoria justicia que contagia. Su causa la fundamenta con evidencias racionales y su batalla trasciende el bien común de tal forma que la empoderan a perseguir sus sueños personales.

Lo más justo es reconocer la exquisitez narrativa, que más allá del ritmo y la solidez, procura a su vez divertir con la complicidad de personajes que observan la aventura de esta cincuentona, y que le inyectan una dosis de un surrealismo muy mágico.