En sus momentos mas íntimos intenta desesperadamente recuperar el aura del cine de los ochenta mas aun de la interesante The Breakfast Club pero lo que hacia la película de Hughes era mostrar la vulnerabilidad de estos adolescentes y su continuo idealismo con ciertas formas de criticarlo y de marcar que este se pierde con la madurez. Pero aquí todo es salido de lo mas profundo de un telefilm de fin de semana; contando con un grupo de antagonistas de cartón más cercanos a la parodia que a seres de carne y hueso.

Por último, indicar que los temas serios como la corrupción o la inmigración son tratados de una manera baladí, alejados de cualquier perspectiva dramática o crítica social como si sucedía en películas anime recientes como Your Name con la trama del alcalde. En resumidas cuentas, el resultado es una película demasiado rustica en los resultados emocionales y demasiado superficial en los temas a tratar perdiendo así la oportunidad de diferenciarse de muchas producciones anime recientes mas sacadas de un molde prefabricado que de un pincel que impregna un lienzo.

Por eso secuencias donde un plano detalle de los pies señala ese lugar incierto donde se adentrarán y donde se alejan del hogar común cobra mucha fuerza en la dramática, casi como una odisea por esos campos yermos llenos de autos abandonados y cadáveres en estado de putrefacción, donde no reina otra cosa más que el silencio sepulcral de lo que antes fue un entorno donde la vida bullía.

Por otra parte, esta película se ajusta a los cánones del suspenso como en muchas secuencias del tercer acto donde el montaje paralelo establece líneas de significancia entre diferentes partes de la acción dramática dando resultados muy notables como la secuencia final donde el terror por las grotescas criaturas es contrapuesto por aquello que estas más odian, más detestan y aborrecen, aunque siendo lo único por lo que consiguen alimento, el sonido.

El sonido es usado como arma cinematográfica, infringe dolor, pero a su vez es salvación, es vida, en un inicio era el grito desesperado de los inocentes por escapar de la muerte ahora es un grito, pero de libertad, pero compite con el silencio esta vez más preciso en su ejecución siendo manifestado solamente por la única persona que no puede oír, arrojando sus cartas desde un prólogo prodigioso en la mezcla sonora hasta el final en que se avecinara el ocaso de los alienígenas y la humanidad volverá a hablar con naturalidad.

También en esas sombras se mueven no solo los antagonistas sino incluso miembros de la casa Atreides, en este caso Lady Jessica, interpretada por una notable Rebecca Ferguson, que busca mantener sus intereses en lo mas profundo de su ser para no comprometer el destino del Kwisatz Haderach, como aquella conversación en la penumbra de la noche, no revelando el carácter arcano de su organización pero también su personaje brinda matices, perfilando tres identidades a lo largo de la película, la de madre, esposa y sacerdotisa, expresando con sutilidad estos diferentes estadios a lo largo del metraje.

Por otra parte, en las luces es donde la película pierde interés, los días en el planeta desértico son pensados en términos cinematográficos para el exhibicionismo, para que el aparataje visual se luzca con esos inmensos planos generales pero que carecen de perspectiva en la dramática, como aquel donde unos extenuados Paul y Jessica se cambian de ropajes o aquellos donde se compone visualmente al monstruoso gusano devorando una maquina extractiva. Todo ello atosigado hasta la saciedad por un Zimmer megalómano en sus intenciones musicales como en las dramáticas, apantallando con ese estilo de música prefabricada tan característica en tiempos recientes por parte del compositor.

En muchas ocasiones Villeneuve se regodea en el homenaje celebratorio creyendo que así logrará un mayor calado en la construcción dramática de personajes y escenarios como aquel Barón sacado no del horror sino de las comodidades del palacio de Giedi Prime; eliminando el sentido del gesto de Brando en la inmortal película de Coppola quedando como un pastiche, también podríamos usar ese término en muchas de las secuencias del desierto sacado mas de un manual redactado por David Lean que de la mente propia del cineasta. Donde Lean construía la emoción a través del desierto, de sus grandes dunas y combinándolas con las líneas de referencia y las composiciones como aquella entrada imposible de Sherif Ali o donde un extenuado Lawrence ve como un barco surge de las Dunas para indicar que llegaron a Suez. Aquí Villeneuve nunca consigue que ese espacio limpio se llene de vida, que se llene de figuras que lo recorran para sobrevivir.

Cierro esta reseña con una frase de Roger Deakins:

«No hay nada peor que una toma ostentosa o alguna iluminación que llame la atención sobre sí misma, y ​​podrías decir: ‘Oh, guau, eso es espectacular’. O esa toma espectacular, un gran movimiento de grúa o algo así. Pero no es necesariamente lo correcto para la película: saltas, piensas en la superficie y no te quedas ahí con los personajes y la historia.»

Eso sucede muchas veces en la película, esta se vanagloria de su visualidad mas no recuerda que en el plano hay seres humanos de carne y hueso con dramas que narrar e interiorizar.

Pero Earwig consigue su mayor dosis expresiva cuando las imágenes son desplazadas por la potencia de la música, una canción en concreto llamada “Don’t disturb me” surge casi como de ultratumba tras escuchar sus primeros compases en el prologo cuando la protagonista se encuentra con un auto amarillo abandonado a su suerte, lleno de casetes y vinilos recubiertos de polvo y telas de araña; será esta presencia de ultratumba la que logre las resoluciones vistas en el clímax dejando que sean las notas quienes hermanen a los tres miembros de la banda antes desunida con su nueva integrante.

Earwig and the Witch no pretende ni quiere alcanzar las cotas de maestría de Only Yesterday o Princess Mononoke, esa no es su intención final; sino la de buscar nuevos aires a un mito vivo de la animación, aunque en el proceso no consiga los resultados expresivos del padre o de los desaparecidos Isao Takahata o Yoshifumi Kondo.