No hay nada peor que quedarse en medio. No estoy abogando por el extremismo, qué va, no hay cosa que me horrorice más. Es sólo que, puestos a hacer una cosa, prefiero hacerla bien, puestos a hacer gracia, hay que ser graciosos, puestos a ser feos, hay que ser el más feo.

"Shoot'Em Up" es una comedia de acción girada o una película de acción que prescinde de convenciones. Toma elementos imprescindibles del cine de acción (la espectacularidad, el ritmo, las secuencias de acción inverosímiles) y las lleva un paso más allá, forzando los límites del género. Todo es exceso, todo está pensado para no parecerse a nada que se haya hecho antes, y ahí radica su mayor acierto.

El resultado es una película que parece compuesta en su totalidad de escenas descartadas para el comienzo de una peli de James Bond (lo mejor de las pelis de 007 sucede siempre antes de los títulos de crédito), que no se toma a si misma en serio y bien que hace.

La película es entretenida a más no poder, elevando el número de veces que el espectador dice "¡anda ya!" a las dos cifras y sólo chirría o se hace inverosímil en exceso en tres ocasiones (nadie es perfecto). Eso, junto a la interpretación de un cada vez más acertado Clive Owen, un Giamatti que lo mismo sirve para un roto que para "American Splendor" y una Bellucci planita, planita (no pun intended) hace que se nos vaya hora y media volando con una sonrisa en la cara.

Puestos a hacer una peli de tiros, metamos más tiros que nadie.

Menos es más, decía una película de Elsa Lafuente Medianu (aka Elsa Pataky) cuando aún tenía la cara de torta. El dicho se convierte en una oda a la creatividad en manos de Rodrigo Cortés, alma mater de la también interesante “Concursante“.

Es difícil hablar de la película sin destriparla como hice con TLOTLDR hace un par de días, pero baste decir que una premisa interesante puede superar el macguffin para convertirse en algo memorable si le sumamos a un guión correcto y sin concesiones una interpretación apropiada y un talento brutal (lo repetiré, b-r-u-t-a-l) desde el punto de vista técnico para sacarle ese partidazo a una película con tantos condicionantes. La cantidad de recursos desplegada por Cortés hace que la hora y media que dura la cinta se pase relativamente deprisa, sin que sobre nada y sin que el espectador levante la ceja en ningún momento.

En la gran mayoría de las críticas de esta película se encuentran referencias bastante obvias a Hitchcock, algo que podría ser un flaco favor pero que no desmerece del talento de este hombre. Sombreros fuera. Y todo sin enseñar los abdominales de mister Reynolds, así que los enseñaré yo. Preparen los pañuelos, señoras.

Glastonbury es el festival más grande del mundo. El más antiguo también. Organizado desde mediados de los 70 por un granjero de la campiña inglesa, corrió el riesgo de desaparecer a principios del siglo presente. Enterado de esta noticia, el realizador especializado en productos musicales Julien Temple, hizo un llamamiento para recopilar material de todas las ediciones del festival que pudo y montó “Glastonbury”, el documental.

La peli en cuestión es una demostración de virtuosismo en la sala de montaje y edición, ya que entremezcla imágenes de archivo con otras relativamente modernas que, sin aparente solución de continuidad, terminan explicando a la perfección en qué consiste acudir a un festival ayer, hoy y siempre.

Podemos ver los entresijos de un macroevento de este tipo desde las entrañas y con la perspectiva de organizadores, artistas y asistentes, pero son estos últimos los que acaban centrando la mayor parte del interés y del metraje. La odisea de encontar un baño limpio, los apretones, las incomodidades, comer y las posibilidades que ofrece un festival aparte de los propios conciertos se revelan como lo más interesante de un documental ágil y que se ve en un pis-pás.

Los aspectos más interesantes y reveladores son la afición de los británicos por dar la nota y disfrazarse de cualquier cosa, preferentemente de policía (en eso los ingleses nos ganan) y su relación con el barro. Dicen que ni los europeos ni los estadounidenses (o sea, nadie) entienden que ellos no lo ven como algo sucio: asumen que el barro está ahí y conviven con él.

De visión obligatoria para todo aquel que alguna vez haya asistido a un festival veraniego o tenga intención de hacerlo, Temple termina tomando partido por los asistentes como lo mejor de este tipo de eventos: pueden ser gente normal, pero también son héroes.

Soy el más moderno de la tribu, de eso no cabe duda. Ser el más moderno de una tribu de 732 miembros no es tarea difícil, es por ello que de vez en cuando bajo al mainstream a relajar la pose y ver qué se cuece.

En la recámara desde hace bastante tiempo, en mi último trayecto en autobús decidí ver la historia de Camino, la niña que arranca unos merecidos aplausos mientras Jesús pierde, por decisión propia, los que le corresponden.

Fesser no se sale de la senda que él mismo se ha marcado: un sentimentallismo relativamente fácil de conseguir, unos FX razonablemente bien integrados en una historia sobre la que no prevalecen y unos detalles de humanidad, realismo y verismo que en este bendito país, no nos engañemos, a día de hoy sólo están destinados a conseguir Almodóvar o Berlanga.

A esto le sumamos un guión que navega entre las siempre difíciles aguas del documental y la ficción se pone a disposición de la guapérrima Nerea Camacho, la contenida y emotiva Manuela Vellés, un padre de carne y hueso como Mariano Venancio y la que sobrevuela por encima de todos, con un trabajo que sobrepasa la pantalla, la sobrehumana Carmen Elías, respaldados por unos secundarios de carne y hueso como Lola Casamayor y Claudia Otero.

Ambos padres dan en pantalla una lección de abnegación y humanidad desbordada ante un problema de imposible solución desde dos frentes bien diferenciados, si bien la cámara adopta una preferencia maniquea y en absoluto indiferente. La abnegación muda del padre opta por no chocar frontolateralmente con la abnegación de la madre, sirviendo una tragedia no exenta de… bueno, no sé qué quería decir exactamente, pero mola la expresión “no exenta”.

En definitiva, una película entretenida y para pasarse la tarde del domingo debatiendo sobre lo bien o lo mal que va el mundo.

Viendo el final de la cuarta temporada de Dexter, uno se da cuenta de que el talento ha migrado de la pantalla grande a la chica. Excepto en el caso de “Heroes”, esa serie que sigue mostrando títulos de crédito en el minuto 11 del episodio. Y en el de Pixar.

Tienen las películas de Pixar un nosequé que me provoca una cierta pereza a la hora de ir al ci… de bajármelas con el emule. ¿Una peli de un pez que se pierde? ¿Una peli familiar de superhéroes? ¿Una historia de amistad entre dos juguetes? ¿De insectos? ¿De un robot que no habla? ¿De coches que sí hablan? ¿De un abuelo y una casa con globos? Poco sex-appeal, pereza, hastío. Ahora, una vez que empieza la película…

“Up” es una película que trata de manera magistralmente conmovedora y valiente temas adultos y tan poco atendidos en el cine como la paternidad, la pérdida, el amor eterno y la vejez. Sin apenas usar palabras deja al espectador clavado en el asiento, dudando si levantarse a buscar pañuelos o dejarse maravillar por el carrusel de sensaciones. Es una lección de cine bien hecho y con un buen par de narices. Y todo eso en los quince primeros minutos.

Pixar nos tiene (demasiado) bien acostumbrados a ser los únicos que hacen cine clásico, del de toda la vida. Y con esto quiero decir un cine que se preocupa por contar una historia, con todo lo que ello supone: dibujar bien a los personajes, establecer una trama, buscar la empatía del espectador contándole cosas que le importen, rellenar los huecos entreteniéndole y tener un guión que lo ate todo.

Y prometo que la siguiente (¿”Toy Story 3″? ¿”1906″?) la iré a ver al cine. Aunque sólo sea por que sigan haciendo obras maestras.