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República Checa · Praha
Críticas de Johan Liebhart
16 de mayo de 2023
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Corto de animación estrenado en el museo de Hiroshima y exhibido de forma recurrente en las escuelas secundarias para recordar a los alumnos nipones las devastadoras consecuencias del bombardeo nuclear de 1945.
«Pikadon» es un término que acuñaron los supervivientes del holocausto nuclear de Nagasaki e Hiroshima para describir lo que vieron y sintieron durante el estallido de las bombas. Una gran explosión ("don") de luz brillante ("pika") que acabó con la vida de 200.000 personas, solamente en el primer año tras la detonación.
Renzô Kinoshita y su mujer Sayoko Kinoshita, dos grandes pioneros de la animación japonesa independiente, comenzaron a gestar "Pikadon" en 1975. Buscando recrear los minutos previos y posteriores a la tragedia, recogieron los testimonios de los supervivientes treinta años después de aquel fatídico agosto. Fragmentado sus recuerdos en la turbadora plástica de las imágenes, asistimos a la cotidianidad de una mañana de verano brutalmente interrumpida por un horror indescriptible.
"Jugaba con mi hermano descalza en el jardín, mi abuela arrancaba las malas hierbas cuando... Vimos aquel pikadon..."
«Pikadon» es un término que acuñaron los supervivientes del holocausto nuclear de Nagasaki e Hiroshima para describir lo que vieron y sintieron durante el estallido de las bombas. Una gran explosión ("don") de luz brillante ("pika") que acabó con la vida de 200.000 personas, solamente en el primer año tras la detonación.
Renzô Kinoshita y su mujer Sayoko Kinoshita, dos grandes pioneros de la animación japonesa independiente, comenzaron a gestar "Pikadon" en 1975. Buscando recrear los minutos previos y posteriores a la tragedia, recogieron los testimonios de los supervivientes treinta años después de aquel fatídico agosto. Fragmentado sus recuerdos en la turbadora plástica de las imágenes, asistimos a la cotidianidad de una mañana de verano brutalmente interrumpida por un horror indescriptible.
"Jugaba con mi hermano descalza en el jardín, mi abuela arrancaba las malas hierbas cuando... Vimos aquel pikadon..."
3 de enero de 2022
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
El ‘Renku’ o ‘Haikai no Renga’ es una forma de poesía colaborativa tradicional japonesa que consiste en una sucesión de versos enlazados. Hay diversos formatos según su estructura, pero el más usual es el Kasen ("genios poéticos") que consta de 36 estrofas.
En el año 2003, Kihachiro Kawamoto, reunió a 36 animadores de talla internacional, para animar cada una de las estrofas de un célebre Kasen iniciado por Matsuo Bashō.
El resultado es un mediometraje a todas luces desigual y arrítmico, con pasajes muy logrados y otros muy poco memorables, siendo en su conjunto una suerte de "cadavre vivant" de muy distintas visiones y estilos de animación que van sucediéndose minuto a minuto. A diferencia de la fuente original, donde cada poeta responde al verso anterior con ingeniosa y disparatada (in)coherencia, en Winter Days la fluidez de la poesía y el ejercicio de correspondencia se pierde al trocear el texto narrando y renarrando cada estrofa según se suceden las piezas animadas, generando inevitablemente una dislocación entre cada autor.
Aunque solo el hito de reunir a animadores tan esporádicos, diferenciados y geniales como Yuriy Norshteyn (el invitado especial y único al que se le conceden dos minutos), Isao Takahata, Jacques Drouin, Raoul Servais, Kôji Yamamura o Břetislav Pojar hace que merezca definitivamente la pena visionar esta curiosa efeméride de poesía animada.
(en spoiler un listado cronológico de cada uno de los animadores según la estrofa y el poeta asignado)
En el año 2003, Kihachiro Kawamoto, reunió a 36 animadores de talla internacional, para animar cada una de las estrofas de un célebre Kasen iniciado por Matsuo Bashō.
El resultado es un mediometraje a todas luces desigual y arrítmico, con pasajes muy logrados y otros muy poco memorables, siendo en su conjunto una suerte de "cadavre vivant" de muy distintas visiones y estilos de animación que van sucediéndose minuto a minuto. A diferencia de la fuente original, donde cada poeta responde al verso anterior con ingeniosa y disparatada (in)coherencia, en Winter Days la fluidez de la poesía y el ejercicio de correspondencia se pierde al trocear el texto narrando y renarrando cada estrofa según se suceden las piezas animadas, generando inevitablemente una dislocación entre cada autor.
Aunque solo el hito de reunir a animadores tan esporádicos, diferenciados y geniales como Yuriy Norshteyn (el invitado especial y único al que se le conceden dos minutos), Isao Takahata, Jacques Drouin, Raoul Servais, Kôji Yamamura o Břetislav Pojar hace que merezca definitivamente la pena visionar esta curiosa efeméride de poesía animada.
(en spoiler un listado cronológico de cada uno de los animadores según la estrofa y el poeta asignado)
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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Saltburn
CortometrajeAnimación
2019
Animación
22 de noviembre de 2021
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sometidos a destinos crueles por sádicos narradores, caprichosos cuentacuentos en busca de moralejas y divertimentos que no justifican el tormento vivido; miles de animales de fábula han sufrido incontables complicaciones a su ya difícil existencia imaginaria. Zorro y Paloma dicen basta.
Miguel de Unamuno concebía en «Niebla» un personaje que, al borde del suicidio, se encontraba con su creador, el propio Unamuno. Éste le revela que su realidad física y mental se limita a los confines de una novela urdida y premeditada por él mismo en cada detalle. Ante tal epifanía, el personaje le da diversas réplicas metafísicas desconcertantes y cuestiona existencialmente a su creador. Zorro y Paloma deciden que no es solo patrimonio de los hombres semejante osadía y van más allá. Se rebelan ante el creador y toman sus herramientas para reescribir un camino de letras libres e inescrutables.
¡Que se joda el narrador! — proclaman— el último eslabón de su jerarquía de autómatas late con pulsión creadora, despertando alma y conciencia por un cremosísimo Dios helado de dos bolas.
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Fascinante que el "Dios detrás de Dios que la trama empieza" sean 11 jóvenes animadores canadienses recién graduados. Chapeau.
Miguel de Unamuno concebía en «Niebla» un personaje que, al borde del suicidio, se encontraba con su creador, el propio Unamuno. Éste le revela que su realidad física y mental se limita a los confines de una novela urdida y premeditada por él mismo en cada detalle. Ante tal epifanía, el personaje le da diversas réplicas metafísicas desconcertantes y cuestiona existencialmente a su creador. Zorro y Paloma deciden que no es solo patrimonio de los hombres semejante osadía y van más allá. Se rebelan ante el creador y toman sus herramientas para reescribir un camino de letras libres e inescrutables.
¡Que se joda el narrador! — proclaman— el último eslabón de su jerarquía de autómatas late con pulsión creadora, despertando alma y conciencia por un cremosísimo Dios helado de dos bolas.
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Fascinante que el "Dios detrás de Dios que la trama empieza" sean 11 jóvenes animadores canadienses recién graduados. Chapeau.
22 de noviembre de 2020
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
«El hombre sin piernas» es un film excepcional que sigue sorprendiendo a propios y extraños a un siglo de su estreno por lo retorcido y siniestro de su argumento. Producida antes de la reforma censora del código Hays, se permite retratar un suburbio criminal con insinuaciones a la prostitución, personajes toxicómanos y escenas de explotación laboral. Chaney encarna al protagónico Blizzard, un líder de los bajos fondos al cual un médico le amputó las piernas por error cuando era niño. Su venganza, años más tarde, será el motivo central de la trama.
El director, Wallace Worsley, quería a Chaney a toda costa y pensaba utilizar encuadres cerrados y ángulos trucados para simular que no tenía piernas. Sin embargo, esos recursos limitaban el ritmo y la composición de los planos. Entonces, Chaney, abogando por un mayor realismo, diseñó un arnés de cuero para agarrar sus piernas y pegarlas a la espalda. Vistiendo una larga gabardina que disimulaba el bulto y con unas hendiduras donde meter sus rodillas para que aparentaran muñones consiguió simular que no tenía piernas. Tanto, que la productora debió incluir imágenes de Chaney con piernas subiendo escaleras porque la gente pensaba que se trataba de un lisiado de verdad. No obstante, la excelente caracterización física comportaba un extremo dolor que solo le permitía actuar durante un máximo de veinte minutos. Y aún con ello, su gran limitación física no coartaba su carisma expresivo. Sigo en la sección de spoiler con algunos ejemplos que desgranan los matices de su increíble actuación.
El director, Wallace Worsley, quería a Chaney a toda costa y pensaba utilizar encuadres cerrados y ángulos trucados para simular que no tenía piernas. Sin embargo, esos recursos limitaban el ritmo y la composición de los planos. Entonces, Chaney, abogando por un mayor realismo, diseñó un arnés de cuero para agarrar sus piernas y pegarlas a la espalda. Vistiendo una larga gabardina que disimulaba el bulto y con unas hendiduras donde meter sus rodillas para que aparentaran muñones consiguió simular que no tenía piernas. Tanto, que la productora debió incluir imágenes de Chaney con piernas subiendo escaleras porque la gente pensaba que se trataba de un lisiado de verdad. No obstante, la excelente caracterización física comportaba un extremo dolor que solo le permitía actuar durante un máximo de veinte minutos. Y aún con ello, su gran limitación física no coartaba su carisma expresivo. Sigo en la sección de spoiler con algunos ejemplos que desgranan los matices de su increíble actuación.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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18 de octubre de 2020
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ermanno Olmi contaba con apenas 22 años cuando se decidió a adaptar el célebre relato de Giacomo Leopardi. Con un influjo claramente neorrealista, explora las periferias de Milán. Persiguiendo a transeúntes anónimos desde la brumosa vía campestre en las afueras hasta el centro neurálgico de la urbe italiana. Tras las luminosas avenidas, se agolpan artistas, músicos y vendedores callejeros compitiendo con el brillo de los escaparates en su afán de captar la atención de una inquieta muchedumbre en su vaivén navideño.
Una introducción en tono documental que ocupa casi la mitad del metraje. Tras ella, Olmi centra su atención en el vendedor de almanaques y el transeúnte adaptando fielmente el texto de Leopardi. Con actuaciones realistas y comedidas que reviven el diálogo enmarcado en un clásico plano-contraplano. Destacando también la composición musical de Pier Emilio Bassi, quien colaboraría con Olmi nuevamente en sus primeros largometrajes (Time Stood Still [1957], Il Posto [1961]) y que añade ese toque de singularidad cotidiana a la atmosfera general. Elevando en su conjunto esa reflexión de pesimismo vitalista que impregna el texto, la esperanza trágica de la vida por conocer...
Una introducción en tono documental que ocupa casi la mitad del metraje. Tras ella, Olmi centra su atención en el vendedor de almanaques y el transeúnte adaptando fielmente el texto de Leopardi. Con actuaciones realistas y comedidas que reviven el diálogo enmarcado en un clásico plano-contraplano. Destacando también la composición musical de Pier Emilio Bassi, quien colaboraría con Olmi nuevamente en sus primeros largometrajes (Time Stood Still [1957], Il Posto [1961]) y que añade ese toque de singularidad cotidiana a la atmosfera general. Elevando en su conjunto esa reflexión de pesimismo vitalista que impregna el texto, la esperanza trágica de la vida por conocer...
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