Un soplo de magia y emoción es lo que me ha procurado esta obra de Fellini, de las más galardonadas y reconocidas en su carrera. Su imperecedero universo personal sigue siendo estudiado por los cinéfilos y aficionados, su influencia chapliniana en personajes como Gelsomina y Cabiria, recuerdan a la ingenua dulzura personificada de la gente buena. Cineasta que ha llegado en algunos de sus films al extremo de presentar una autobiografía de la que es difícil decir si es real o falsa, quien sabe, tal vez soñada…

El film describe las peripecias de una improbable prostituta sentimental y desamparada en constante búsqueda de un hombre que la ame y la redima de su condición, tema que en manos de otro director que no hubiera sido Fellini, llevaría a la sensiblería más dulzona. Pero el director de Rimimi tiene la habilidad – o mejor el talento – de transformar este material en un drama palpitante sobre la soledad de una mujer sin futuro y abandonada a la indiferencia de la gran ciudad. A pesar de su aparente relación con el neorrealismo, “Las noches de Cabiria” no es un film sobre la prostitución o los bajos fondos de la Roma de los cincuenta, sino sobre la ilusión y la esperanza, y más concretamente sobre el lado mágico que esconde la grisura realidad cotidiana. El propio nombre de la protagonista procede del film “Cabiria” de Giovanni Pastrone (1914), teniendo un inequívoco punto de ironía. Cabiria era una doncella cristiana que fue arrojada a la arena del circo donde la salvaba el forzudo Maciste, mientras al personaje que borda Giulietta Masina “hace la calle” cerca de las termas romanas de Caracalla, y espera la llegada de un héroe que la salve de su destino.

En cuanto a su estructura narrativa está articulada en episodios casi autónomos que diseccionan temas fundamentales como la opulencia y la frivolidad de las clases adineradas en contraste con la pobreza y la prostitución callejera, el ambiente de Vía Veneto, los cabarets de alegría fingida y lujo funerario, las multitudinarias peregrinaciones religiosas, etc. Guarda asimismo reminiscencias de la Gelsomina de “La Strada”, pues hay muchas similitudes entre ambos personajes que tan bien le iban a la esposa del cineasta. En su azarosa andadura, Cabiria acumula desengaños y humillaciones, tanto por parte de los hombres que se cruzan en su camino, como por su ingenua fe religiosa implorando a la Virgen para que cambie su suerte.

Pero lo más lacerante es que no aprende de los errores sin conseguir ningún tipo de madurez o experiencia. Cabiria es un ser entrañable, pero tan cándida, frágil y emotiva de igual forma a lo largo del metraje. Con su ternura y su permanente búsqueda de afecto, ella es el verdadero eje central del film, más cercano al poema visual que a una historia sentimental. Plena de lirismo y momentos brillantes e imborrables de nuestra memoria que oscila entre la comedia y el drama. La música siempre imprescindible de Nino Rota en el cine de Fellini, realza su mensaje humano y tierno para con los desheredados. Gracias por leer estas humildes ocurrencias y sensaciones.

Escribir sobre esta película tan reconocida popularmente (560 reseñas en esta web), símbolo pujante del cine independiente, obra de referencia, es fácil pero a la vez difícil al estar tan estudiada por su audacia e insolencia, parece estar todo dicho sobre ella, de ahí la dificultad para aportar algo nuevo y coherente. Su aparente trama desordenada con varias historias entrelazadas, acaban encajando en un puzle tan ingenioso como mordaz. Todo forma parte de un círculo narrativo plagado de escenas paródicas y situaciones gotescas y absurdas bañadas por esa explícita violencia atroz que el cineasta asimiló durante tantas películas devoradas con fruición. Un thriller que homenajea a los clásicos como en su primer film, entre la comedia negra y el cómic con un ruidoso artificio en el que mantiene su estilo inconfundible de provocador por vocación.

Alcanzó la fama y el reconocimiento de forma fulgurante con su segunda cinta, tras la interesante “Reservoir dogs”. Atractivo e insolente, su cine es polémico y transgresor pero su filmografía se ha ido deteriorando en sentido inverso y agónico hasta caer en lo repetitivo, pues cada vez sorprende menos y aburre más: “Lo que me gustaría sería unir la solidez narrativa y profesional de un Howard Hawks y la capacidad inventiva de Godard”, afirmaba Quentin Tarantino entonces. Es evidente que a día de hoy no lo ha conseguido. Algunos pretenden compararlo con Orson Welles, por lo del éxito prematuro, pero no cabe duda, al menos para mí, que Welles demostró sobradamente ser un genio polifacético pese a ser arrinconado y denostado por su singular talento y su rebeldía a someterse a lo convencional.

En cambio, los temas tarantinianos son muy autobiográficos en sus gustos estéticos y autóctonos, su cine era imprevisible y desconcertante entonces, donde la violencia no es analizada con sus serias consecuencias, sino que es banalizada de forma grotesca, todo ello vestido de guiños al espectador y referencias culturales. En sus películas tempranas pululan tipos estrafalarios, delincuentes de medio pelo o perdedores, atracos chapuceros de personajes nihilistas que buscan un sentido a la vida a través de lo cotidiano. No falta un cierto tono de parodia bajo el prisma cóncavo del exceso, desde una propuesta lúdica e intrínsecamente referencial de sus gustos cinéfilos. Siempre con un exquisito gusto y acierto para elegir las canciones adecuadas. No cabe duda que el film ha conseguido escenas y planos que forman parte de la memoria colectiva y eso se lo debemos a este cineasta que le cuesta últimamente encontrar ideas nuevas para contentar a sus incondicionales que deben esperar pacientemente ese fogonazo de talento espectacular que les sorprenda y satisfaga las expectativas de tan idolatrado cineasta.

Seguramente “Pulp Fiction” (Ganador del Guión Original) merecía haber ganado muchos más Oscars aquel año, pues el tiempo ha demostrado sobradamente que la sobrevalorada Forrest Gump no estaba a su altura, como también lo merecía esa maravilla carcelaria que es “Cadena perpetua” que competía nominaciones aquel año, pero qué le vamos a hacer… El tiempo y su perspectiva histórica ha dejado a cada uno en su lugar.

Es la primera vez que reescribo una reseña, pero no para rectificar la opinión sobre lo escrito, lo hago para ratificarme con más elementos de juicio, está claro que mi visión negativa ha sido desbordada por desgracia para los ciudadanos, dos meses después de exponer los acontecimientos que sucedían más allá de lo que nos contaba este inepto gobierno social comunista. Ahora puedo afirmar que este país tiene la más alta cifra de muertos por millón de habitantes del mundo, pese a que este gobierno se niega dar las cifras reales, más de 44,000 muertos, según funerarias y CCAA, por su calamitosa gestión de no ser precavido como le aconsejó la OMS, es más, este vanidoso sujeto que se negaba a ponerse una corbata negra, ahora se jacta de haber salvado miles de vidas, gracias a recortarnos las libertades (Estado de Alarma), que no era necesaria para la emergencia sanitaria, pues otros países no lo aplicaron. Un filósofo como ministro de cuota por el PSC para un ministerio vacío de competencias, la sanidad estaba transferida a las CCAA, y un vicepresidente que presume de asumir un mando sobre residencias que no tomó ninguna decisión, ahora culpa a otros cuando él había asumido el área social. Me ratifico en lo que escribí que vuelvo a recordar, palabra por palabra:

En estos días confinados en casa, una película como CONTAGIO, es muy adecuada para el drama que estamos viviendo en España. Una vez más, la realidad supera a la ficción. Se trata de un film, entretenido y coral que retrata con detalle casi periodístico el caos producido por una pandemia mortal. El director crea un mosaico de escenarios y personajes distribuidos por el planeta, aludiendo al carácter global de nuestra sociedad. Y es que “Contagio”, además de un film que analiza de forma madura y creíble una amenaza consistente, traza una digresión en contra de la globalización y de sus principales elementos de apoyo como son los movimientos humanos y la irresponsabilidad en el uso de internet, quizás un virus inorgánico tan letal como el que provoca el caos en el film.

Pero lo del coronavirus es la crónica de una tragedia anunciada por la OMS, alertando a las autoridades, que desoyeron sin tomar medidas ni aprovisionarse, ante la pandemia en ciernes, en flagrante beneficio de sus intereses ideológicos (8 de Marzo). Permitieron e invitaron a concentraciones cuando el contagio era previsible, el resultado ha sido de miles de muertos y multitud de enfermos que desbordaron al personal de los hospitales desabastecidos de material sanitario de protección, por lo que fueron muchos de ellos víctimas del maldito virus. Además de cebarse con nuestros sanitarios, abandonados a su suerte, los mayores fueron las principales víctimas, incluyendo las residencias desprotegidas y sin medios para combatir la epidemia. Nuestros abuelos morían solos y olvidados, los que sufrieron el hambre de la posguerra, los que sin estudios lucharon para abrirse camino y nos dejaron un país mejor, los que más cotizaron se fueron sin molestar, se fueron sin poder despedirse de esos hijos y nietos que tanto protegieron con sus pequeñas pensiones.

Y como siempre, tuvo que ser la solidaridad de la sociedad civil, la generosidad de algunas empresas, los ciudadanos anónimos, gente humilde que se ofreció desinteresadamente a unir fuerzas e iniciativas altruistas (no conozco ninguna iniciativa solidaria de esos paniaguados progres que se rasgan las vestiduras por el pueblo). Fabricando artesanalmente mascarillas y gafas para paliar la ineficacia de los responsables. Causa asumible a las negligencias, torpezas y desatinos cometidos por nuestros gobernantes que deben tener consecuencias ante la justicia. Pero nuestros héroes y patriotas más abnegados, los que merecen todo nuestro cariño fueron: las fuerzas armadas, las del orden, los trabajadores de servicios básicos y sobre todo, nuestros sanitarios, que tenían que ser nuestra defensa ante el cruel virus, se vieron desbordados ante la falta de medios de protección para realizar su trabajo, fueron cayendo como conejos abatidos por el contagio. Mi más sincero reconocimiento a ellos por su valentía desinteresada, su patriotismo y su innegable servicio a la sociedad.
Mientras, Sánchez presidía un ejecutivo desbordado, sin criterio, sin rumbo y a remolque de los acontecimientos que le obligaba a tomar decisiones tardías. Intentando eludir sus responsabilidades con maniobras oscuras y falsos datos. Eso sí, le regalaron 15 millones a las televisiones amigas, para que siguieran manipulando la información, mostrándoles a los ingenuos españoles, lo felices que somos pese a los miles de muertos, con nombre, apellidos y familias, que estos ineptos han gestionado de forma estrepitosa. Pero siendo todo tan doloroso, lo peor está por llegar, y es la devastadora crisis económica que se avecina, un país paralizado durante meses, la destrucción de la pequeña y mediana empresa que se arruina mientras le obligan a pagar impuestos cuando no hay actividad. Una recesión brutal amenaza el bienestar que hemos disfrutado. ME RATIFICO EN TODO LO ESCRITO EL 8/04/2020.

Motivado por la actualidad televisiva me atrevo a escribir unas líneas sobre esta cinta que le ocurre como a los metales que no son nobles, el tiempo los deteriora. Aunque se emita esta noche dentro de Cine Clásico, yo no la considero un clásico en el sentido más ortodoxo de la acepción. En mi opinión es un western, al que el tiempo ha masacrado sin piedad por su idealizada propuesta. Nostálgico, romántico, camp y muy coyuntural de aquella época, como de melancolía prefabricada, pues el western estaba en su decadencia, desde una visión crepuscular y aparecía impregnado de una explícita violencia desatada por parte de su gran instigador, el gran Sam Peckinpah. Una película que se debe a sus dos estrellas, con sus excesivos primeros planos, sus panorámicas con teleobjetivo y toda la artificiosidad de los sesenta, los planos detalle, las imágenes en color sepia, los planos fijo que intenta servir de reflexión. A ratos parece una comedia desenfadada de robos y atracos, a ratos parodia recurrente donde es posible reposar en un burdel para “descargar tensiones”, pero siempre serán unos rufianes llenos de empatía, o así debe ser.

Uno de los grandes éxitos comerciales del año, ganadora de varios Oscars (Guión, fotografía, Canción y Banda Sonora). En aquel tiempo había comenzado la moda de lo retro de excelentes películas como: Bonnie and Clyde, El Padrino, Chinatown, El gran Gastby, cintas que rememoraban estéticamente el pasado, con sus ambientes reconocibles, fotografías cuidadas y sus filtros de glamur. Excesivamente valorado que prácticamente ha caído en el olvido, pero que estuvo en todo momento al servicio de sus dos apuestos protagonistas en plena ascensión a la fama. No faltan momentos de relax con ese paseo en bicicleta mientras suena la canción de referencia, “Raindrops keep falling on my head” (un videoclip que poco tiene que ver con un western), que es quizá lo que más ha trascendido de esta cinta tan mitificada que ahora solo es de interés para fans de esa pareja de estrellas que tienen muchos trabajos más interesantes. El argumento se reduce a una serie de aventuras, salpicadas de robos y altercados más o menos vistosos. Las peripecias de dos granujas que les llevará hasta Bolivia, donde esperan encontrar un “buen negocio para prosperar”.

Butch Cassidy (Newman) y Sundance Kid (Redford) fueron, al parecer, dos bandidos que capitanearon una banda conocida como “La banda del desfiladero” y que el guión premiado de William Goldman barniza la realidad de forma que llega a convertirlos en lo que no fueron, ni buenos ni simpáticos, pero ya sabemos que el cine se puede tomar sus licencias y cuando habla de hechos reales no siempre se ajustan a la verdad, La fotografía de Conrad L. Hall sí que me parece premiable, aunque no tanto la música del sobrevalorado Burt Bacharach, esposo de la bellísima Angie Dickinson. Una película para pasar el rato sin más pretensiones, pero de cine clásico nada. Si le puede servir a alguien como referencia informativa me daré por satisfecho.

Unido a la batalla jurídica por defender un patrimonio que los dirigentes políticos desconocen. Es una de las claves junto a otras de cariz humano y social, afortunadamente siempre encontraremos funcionarios profesionales para corregir los dislates de estos políticos ineptos. Es a grandes rasgos lo que aborda esta entretenida serie de Amenábar. Como suele ocurrir en muchos casos, una vez más la realidad supera a la ficción, pues los hechos en los que se basa la trama tuvieron lugar hace unos años pero naturalmente con nombres diferentes. El joven Alex, líder de su promoción en la carrera diplomática, aterriza casi por casualidad en el Ministerio de Cultura. Es un chico preparado y culto, domina idiomas, le encanta la ópera que siempre suena en sus cascos, Nabucco y Tosca le acompañan mientras se va a involucrar sin quererlo en un asunto complicado junto a una compañera de Patrimonio Histórico con fuerte carácter y de signo político opuesto a él, debe quedar claro que “la superioridad moral e ideológica es de la izquierda”, como mandan los cánones de lo políticamente correcto.

Amenábar es un buen narrador, siempre buscando la equidistancia ideológica pero que no consigue, pero la serie se ve con placer, aunque lo que cuenta no es nada que no hayamos visto antes, todo muy convencional. Los actores cumplen aunque yo destacaría a Karra Elejalde que hace de un Ministro de Cultura pintoresco, por no decir lamentable. Demostrando la ineptitud de la mayoría de los políticos que son designados caprichosamente y casi siempre sin tener idea del cargo que van a desarrollar. Buena prueba sería este Ministro actual de Cultura que padecemos, el ínclito Iceta, un indigente cultural sin estudios ni preparación, más allá de haber militado siempre en cargos de su partido. El flash back histórico está muy bien expuesto con el fin de transmitir los acontecimientos que llevaron al naufragio, aportando tensión y dramatismo.

La ambientación está muy lograda, especialmente por el uso del inglés que imagino por expreso deseo del director, no ha querido doblar por dar verosimilitud a la trama. Creo que se debe respetar el criterio artístico del creador y si ha decidido que sea así, es su potestad. Es por ello que no entiendo la absurda polémica de algunos usuarios que están acostumbrados a ver todo doblado al castellano y tienen problemas de lectura, al no entender inglés. Me parece una polémica estéril, que esconde el mal hábito adquirido en España por los espectadores que no valoran la obra artística en su plenitud. Aceptando que hemos tenido grandes voces del doblaje, la voz original es muy importante para valorar al actor, así como los matices del lenguaje.

No es cierto que en Estados Unidos se doblen las películas extranjeras, allí siempre se han visto en versión original, sea del país que fuere, es por ello que a veces la distribución de películas que no hablan inglés es muy escasa, salvo grandes autores extranjeros. Lo mismo ocurre en cantidad de países que respetan la versión original, que beneficia a la lengua propia del país y su cine autóctono. Yo les daría un consejo a estos espectadores que se rasgan las vestiduras por no doblarlas al español: Si tanto defendéis la lengua de Cervantes, podríais empezar por defender que los niños puedan ser educados en la lengua española como lengua vehicular, porque en algunas comunidades autónomas desleales a España, el castellano es un idioma proscrito, que prohíben hablar y educar. Imponiendo la lengua regional obligatoriamente, además de adoctrinar la educación en beneficio de intereses políticos bastardos que crearán en el futuro unos analfabetos integrales al no conocer perfectamente, una de las lenguas más importantes del mundo.