No conozco la trayectoria de Stan Lee más allá de algunos de sus cómics y de los personajes de las películas que se han puesto de moda, así que lo mismo digo algo incierto o inexacto, pero hasta donde sé, me parece que crear el personaje de Black Panther en los sesenta, una época donde el racismo estaba institucionalizado, tuvo muchísimo mérito. Un superhéroe negro en una sociedad dividida y en la que existía una segregación real representó auténtico compromiso con las libertades civiles, porque se arriesgó a boicots reales y fracasos económicos reales. O cosas peores. Además creo que, en un momento histórico donde el activismo de Starbucks se ha afianzado en muchos estamentos vitales y sociales, “Black Panther” representa el camino a seguir para alcanzar la igualdad y la diversidad de la que tanto se habla. El camino de la excelencia y la creatividad: pensar un personaje y TRABAJARLO para que encarne los valores que quieres predicar o visibilizar, atractivo para el público, con habilidades específicas y hacerle vivir aventuras y experiencias que resulten entretenidas al espectador.

Por supuesto, es más sencillo escribir tuits reclamando que Thor sea mujer, Iron man gay o Harry Potter un trans. O reclamar compañeros inclusivos para ellos. O estupideces como que el doblaje tiene que ser realizado por personas con la misma raza u orientación sexual. Pero, joder, si alguien quiere ver reflejada en pantalla su ideología, que se arremangue y lo trabaje. No soy tan ingenuo como para pensar que si Marvel ha dado a “Black Panther” el peso que le ha dado en el UCM no ha sido también para cubrir ciertas cuotas y blindarse ante críticas por ese lado. Pero el personaje en sí mismo es auténtico y su intrahistoria, su contexto histórico, le conceden credibilidad y autenticidad. i

Luego, además, la película es una pasada. La idea de una ciudad ultratecnológica en mitad de la jungla, además de seductora, representa todo un mundo de posibilidades en cuanto al arte conceptual a la hora de desarrollar una arquitectura, armamento, poderes, historia y mitología propias. Y Marvel, que rara vez desaprovecha una oportunidad, plasma en pantalla ese mundo con una propuesta casi onírica. En lo que se refiere a los sentidos, “Black Panther” es para sumergirse en ese mundo verde y futurista y no salir, descubriendo a cada momento detalles de la nueva civilización. En lo argumental, también las tramas se han trabajado bastante y ha terminado siendo la película más shakesperiana del UCM, reyes, herederos, aspirantes, golpes de estado, inseguridades, lealtades cambiantes, deslealtades y más introspecciones y búsquedas interiores de lo habitual.

Es verdad que hay momentos que, a nivel subconsciente, la película recuerda al Rey León, pero son pasajes puntuales. En la forma y en el fondo es una película cien por cien de superhéroes, aunque no siga el esquema típico de un episodio cero. Todo en la película funciona: los protagonistas, el entorno, los efectos, los giros dramáticos conforman un todo enormemente sólido. Sólo espero que en las inevitables secuelas, Marvel mantenga este rumbo y esta firmeza en los criterios.

Dentro del género de dramas románticos, en el que una pareja tiene que pelear por su amor en las condiciones más inclementes, empieza a ser considerable la cantidad de películas donde esas dificultades tienen forma de trastorno mental de uno de los miembros, como aspirando a crear un subgénero en sí mismas. Y no me refiero a películas donde en una pareja más o menos consolidada la enfermedad aparece de pronto en uno de los miembros, sino que es conocida desde el principio y eso no ahuyenta al otro componente.

No es un subgénero que me convenza demasiado. Puedo entender que el amor o el sentido de la responsabilidad te den fuerzas para permanecer junto a tu compañero cuando golpea la desgracia, pero no me termino de creer que alguien se enamore de alguien con una enfermedad como el Asperger o el Autismo, por mucho que el esquema siempre sea el mismo: una persona así, nunca te mentirá y si te dice que te quiere lo dice sin dobleces. Vale, sí, correcto. Pero lo que no suelen contarte estas películas es que mejor no preguntes que por qué te quieren, porque obtendrás respuestas igualmente sinceras. Que si te quiero porque me gustan tus tetas/culo/polla, que si te quiero porque así tengo sexo gratis, que si te quiero porque cocinas muy bien… dichas todas sin ninguna maldad, pero cuesta ver una relación construida sobre eso.

“En cuerpo y Alma” es una película húngara donde el planteamiento anterior es uno de los pilares fundamentales de la trama. Luego hay también una extraña y desconcertante acumulación de componentes costumbristas (costumbrismo húngaro, claro), de drama social (lo que un húngaro entiende por drama social) y de algo a medio camino entre el simbolismo (húngaro) y la ciencia ficción (a la húngara) que, en conjunto, resulta, a mis ojos españoles, pintorescamente interesante. Probablemente en Hungría resulte interesante, a secas. La historia es bonita, evocadora y emotiva, de las que te dejan pensando en el final después de terminarla y con buenas sensaciones, aunque el choque cultural hace extraños ciertos comportamientos. A la vista de esto, lo del Asperger o autismo de uno de los protagonistas se me antoja aún más innecesario, un lastre que espesa una película que hubiera fluido mucho mejor con personas sin esos problemas.

Nominada a los Oscar de 2017, yo creo que con razón. Para ver con la mente abierta y prevenidos de que es cine húngaro.

Rodada por Allen en EEUU ya de vuelta de su periplo europeo, “Irrational man” mantiene todavía algunas de sus inercias como la de dar formato de largometraje a un argumento con alma de relato corto o como dar un tratamiento superficial a temas serios como la muerte, la venganza o el asesinato. En ese sentido, parece abandonar definitivamente la estructura de múltiples personajes con diversas historias interrelacionadas que terminan confluyendo y consolida el foco en una única historia con un protagonista central del que apenas se aparta la narración y que deviene en un ritmo resultante extremadamente veloz, desbocado por momentos, en el que los acontecimientos se suceden sin prisa, pero sin pausa, el tiempo pasa volando y los créditos finales aparecen mucho antes de lo que esperaríamos.

“Irrational man” maneja varios personajes pero juega a identificarnos con uno de ellos, el interpretado por Joaquin Phoenix, a meternos en su piel y sufrir y disfrutar según sus evoluciones. Su premisa es una brillante derivada de “Extraños en un tren” y nos tiene enganchados durante gran parte del metraje con una trama que tiene notas de “Match Point”, en el sentido de personajes peleando contra el destino, aunque con un tratamiento más frívolo, tipo “Scoop”. Quizá el final, al menos para mí, desmerece un poco: consigue mantener una tensión sana hasta el final, pero dilapida su considerable crédito adquirido con un desenlace poco natural al que se llega tras numerosas conveniencias y casualidades. Da la impresión de que la película se desarrollaba con bastante fluidez, pero en una dirección que conducía a un final inapropiado y hubo que arreglarlo a base de parchear el guion con remiendos poco digeribles.

En todo caso, supongo que habrá a quien le guste y a quién le descoloque y, de cualquier manera, estamos innegablemente ante una película con todo el estilo y el sabor de Woody Allen. Igual que el ritmo, su humor, su sonido, su fotografía y sus composiciones visuales son las que ha ido dejando ver en los últimos años, quizá más refinadas. Puede no ser una obra brillante, pero se deja ver con interés.

Decía el cantamañanas de Jorge Valdano, en una de sus sentencias más afortunadas, que «el fútbol es un estado de ánimo». Yo creo que el cine, también: el estado de ánimo con el que ves cosas como esta “El mundo es nuestro” es lo que hace que las consideres una película o un espectáculo humorístico en formato gran pantalla. En este caso particular, en principio, yo me inclino más hacia lo segundo que hacia lo primero, con el dúo cómico ‘Los compadres’ (formado por Alberto López y Alfonso Sánchez), protagonizando una evolución a largometraje de la serie web que hizo famosos a sus personajes Cabesa y Culebra, dos delicuentes sevillanos de poca monta.

El resultado es el esperado: un esperpento sólo para fans donde sus mejores sketches, chistes que pueden triunfar en las distancias cortas, se diluyen en interacciones con actores de verdad; con abuso hasta la saturación del supuesto gracejo que tiene el acento andaluz y llenos de silencios incómodos y escenas y escenas de relleno. Nada distinto, por otra parte, a lo que vivieron Los Morancos, Los hermanos Calatrava o Cruz y Raya cuando les convencieron para exprimir su éxito con productos ad hoc y trataron infructuosamente de sostener con sus gags característicos y sus personajes icónicos películas de hora y media con tramas que encorsetaban la libertad de acción a la que estaban acostumbrados.

Puedo conceder que, aunque “El mundo el nuestro” comparte la filosofía de “Sevilla Conection” o “El ET y el Oto”, su factura está más cuidada y consigue mantener un ritmo decente, casi de película seria. Y que hay cierto trabajo detrás de su aspecto improvisado y amateur. Pero, en conjunto, se trata simplemente de un conjunto de situaciones facilonas, supuestamente cómicas, con unos caraduras riéndose a costa de pijos y adinerados cuya valoración depende de lo que conectes con su tonito simplón e irreverente. A mí, personalmente, me hace poca o ninguna gracia. No simpatizo con el humor de Los Compadres ni en el fondo ni en la forma. Ni con su acentazo, ni con las situaciones alocadas, ni con lo que representan sus trasuntos, esa exaltación de los jetas, de los espíritus libres que prefieren vender pañuelos en un semáforo a un trabajo de oficina y reniegan de una sociedad pensada para vivir de acuerdo con unas reglas.

No veo que “El mundo es nuestro” pase de curiosidad. De hecho, visto lo visto, me quedo con Los Morancos, que por lo menos no van dando lecciones de nada a nadie.

Western moderno camuflado de película policíaca que destaca por una fotografía que saca partido de los paisajes montañosos de Wyoming, por un par de escenas con tiroteos muy bien coreografiadas y por una historia que va de menos a más. Empieza avanzando entre los tópicos habituales de un crimen asignado a una novata del FBI en una reserva india y avanza a un ritmo desesperadamente lento recorriendo las paradas esperadas: conflicto de jurisdicciones, experto local que se resiste a colaborar en su día libre, experto local traumatizado por situación personal del pasado, falta de medios modernos para investigar, necesidad de adaptación a la cultura nativa americana… Pero poco a poco, a medida que la trama se centra en el qué, coge forma y se deshace de todo lo superfluo, queda una historia simple – en el buen sentido-, centrada y entretenida.

La película ha recibido buenas críticas y se destacó a su director y guionista Taylor Sheridan. No sé qué decir. Respecto al guión, su principal punto débil son unas subtramas plagadas de psicología de baratillo, color nativo americano y supuestas buenas intenciones respecto a visibilizar los crímenes en las reservas indias, que según los últimos diez segundos de película, no se suelen investigar. El caso es que están extraordinariamente mal integradas, metidas como pegotes a la trama principal y no hacen más que lastrarla. Estoy convencido de que se pueden eliminar por lo menos quince aburridos minutos sin que afecte en nada a la inteligibilidad de la obra.

Si resistes la primera media hora y te sumerges en la trama, termina siendo interesante.