Cuando un profano del cine de Ford hable sobre sus westerns o sobre su cine en general, siempre lo hará desde la perspectiva tópica del desconocimiento más supino que pueda existir y le llamará facha o rancio. También está la versión que te dirá que directamente no casa con el western porque cuenta historias también fachas, sobra decirlo, básicamente porque su atribulada cabecita, llena de videoarte, cine contemplativo y urbano y demás mariconadas varias, no entiende que el género supremo del cine únicamente cuenta historias actuales ubicadas en una situación espacio temporal distinta, aunque a ellos les siente como un tiro ver a gente con sombrero de cowboy. Obviamente, nunca sabrán argumentar por qué piensan que Ford es un facha, únicamente se lo oyeron a otro que lo oyó de otro colega que dice que un amigo, una vez, y de pasada, vio 5 minutos de una peli del oeste, por lo tanto reconducirán la conversación hasta el punto que a ellos les interesa. Si no, te dirán algo de los indios... siempre algo de los indios. ¿Por qué descargo mi odio contra aquellos diferentes a mí y hablo de Ford? Sencillamente porque el otro día me vi por enésima vez La diligencia, película de la que estoy absolutamente enamorado, y no sé si es por su sencillez en la propuesta, por su honradez, por su falta de maniqueísmo o por la ruptura de tabúes sociales en aquella época. Quizás, también, porque sea la primera obra maestra de mi género preferido y aquella que sentó las bases de dicho género en su vertiente más clásica y también, por qué no, del cine en general, siendo la más clara precursora de Ciudadano Kane, probablemente la película-tótem de la revolución cinematográfica, ya que Ford cambió el estilo de los encuadres, la planificación y el empleo de una fotografía que sabía aprovechar lo mejor del expresionismo pero dejando fuera a veces ese esteticismo tan insoportable en que te hacía caer el género alemán.

Pero creo que, por encima de todo, el motivo por el que me gusta tanto esta cinta del maestro es porque me da la razón en aquello que siempre digo, y es que Ford era, es y será el cineasta más social y progresista que ha habido en la historia del cine. Esas ideas, alejándonos de su cine "no western", iban desde la lucha contra el racismo, la censura en El hombre que mató a Liberty Valance o la redención y la victoria de los socialmente defenestrados frente a las clases pudientes. Y es que Ford, ferviente católico y alcohólico, era como un Jesucristo moderno, ya que sus personajes siempre eran desterrados, seres errantes sin hogar, putas o borrachos, y él les daba cobijo en su regazo. Obviamente, si le preguntásemos por las virtudes sociales de esta película saltaría de la misma forma en que le respondía a Bogdanovich cuando le preguntaba por su labor de poeta y me mandaría a la mierda, pero es innegable la ternura que Ford sentía por los socialmente poco aceptados y el lirismo que veía en cada una de sus bondadosas acciones.

Es posiblemente junto con El tesoro de Sierra Madre la película de aventuras por excelencia. De las anteriores partes, todos guardamos escenas imborrables, como Indi corriendo delante de la bola en El arca perdida o peleando en las minas en El templo maldito. Pero sin duda, esta tercera parte ofrece los mejores momentos de una trilogía de por sí histórica.

Posiblemente, en manos de cualquier otro, esta hubiera sido una película de aventuras cutre y previsible. Pero con Spielberg al mando, adquiere unas cotas de calidad increibles. Unas escenas de acción increíblemente dirigidas y montadas. En manos de cualquier otro, serían unas escenas de explosiones, persecuciones y disparos, haciendo de ellas algo anodino. En manos de Spielberg, se convierten en auténticas maravillas, de las que el espectador no se cansa, con una planificación bestial, propia del Rey Midas.

A pesar de contar con todos los tópicos de este género ( protagonista guaperas, chica despampanante y malo maloso ), el guión consigue no caer en lo fácil, y plantea situaciones que no hagan que el espectador vea una y otra vez lo mismo. Y aquí se le agrega un componente importantísimo: su padre el doctor Jones senior. Encarnado magistralmente por Sean Connery, y aporta a a la trama algunos momentos cómicos sin igual ( "¡ Padre, avión a las 12 en punto !"). Y nos demuestra que todo héroe tiene sus miedos internos y sus malos recuerdos. El personaje de su padre complementa así una vertiente desconocida por el espectador, su difícil infancia.

Dicha infancia se nos presente ( y de qué manera ) al comienzo de la película. La pasión de Indiana por las aventuras no es nueva, ya que desde su juventud, siente auténtica pasión por la arqueología. No podrá quejarse River Phoenix del papel que le reservo el maestro. Y precisamente es en ese segmento cuando nos damos cuenta de como consiguió el héroe esos elementos que le hicieron tan celebre: su látigo, su sombrero, y su cicatriz. Esos elementos que nos hacen identificarle sin necesidad alguna de que nos recuerden quién es.

Particularmente hay una escena que me parece muy significativa, y es cuando le están explicando cuál va a ser su tarea, y el personaje de Walter, al tiempo que le explica la historia del grial, le entrega simbólicamente una copa de champán.

Sólo queda esperar a que nos entreguen la cuarta entrega de esta maravilla de saga, que nos ha hecho soñar a más de uno sin necesidad de salir de casa.

Ha habido muchas películas de acción con policías de armas tomar como La jungla de cristal o Arma letal, y ninguna de ellas se libra de sufrir comparaciones con la que inició este nuevo género de acción policiaco. Muchas películas han intentado seguir su estela, y el propio John Wayne, que rechazó este papel, intentó enmendarlo con ese engendro que es Brannigan, pero ninguna conserva ese atractivo que tiene la cinta de Siegel. Aunque también hay cintas del mismo corte que intentan mostrar al policía más intimo, al honrado, como Sérpico, Harry el sucio se ha quedado en el subconsciente colectivo como la mejor muestra del cine policíaco nacido en los 70.

Quizás sin ser un prodigio de guión, ni una historia que contase algo nuevo, Don Siegel se encarga de que la película no caiga en la monotonía de mostrar una escena de acción tras otra, anulando por completo la personalidad de Harry Callahan. Retrata a un hombre que se toma la justicia por su mano, un tipo solitario cuya nula vida personal hace que se implique sobremanera en su trabajo, persiguiendo incansablemente a todo aquél que rompa la ley. Pero es irónico que, siendo alguien que en teoría debe defender dicha ley, sea quien más cerca esté de quebrantarla. Es un interesante debate el que propone la película, ya que no retrata a un policía honrado jefe de familia, si no a un tipo asqueado que odia al resto del mundo sin un motivo aparente. Y ahí entronca con la personalidad de Scorpio. Ambos son tal para cual, ya que Scorpio es un ser lleno de odio, que asesina por odio, como un cobarde, y que intentará por todos los medios acabar con Callahan. Pero lo que les diferencia a uno y a otro es que Harry es un personaje honrado, y hará lo que sea para detener al demente francotirador. Clint Eastwood encarnó al personaje con su carisma habitual, de una manera que todos le reconocemos sólo con ver su silueta. Es probablemente la película que le lanzó al estrellato, y gracias a la cual pudo rodar sus pequeños proyectos.

Don Siegel narra la historia con un brío imprescindible en este tipo de película, sin ningún alarde de falso lirismo, contando la historia con sencillez, propio del director, uno de esos artesanos poco reconocidos, pero con un buen puñado de películas en su haber. San Francisco se volvió a convertir en un personaje viviente dentro de la trama, al igual que ocurría en Vértigo, aunque esta es una San Francisco sucia, llena de maleantes, y Siegel la muestra acompañado de la música jazzy del gran Lalo Schiffrin, que en algunos momentos tiene algún toque herrmanniano en los momentos de tensión. Clásico imperecedero.

Si Hitchcock decía que la premisa básica de su cine era que el espectador pudiera salir durante dos horas de su vida, y especialmente de todos sus problemas, y vivir la vida, probablemente más interesante, de otros, El ultimátum de Bourne lo ha conseguido de manera casi perfecta. Y, para resumir lo que viene a ser la saga de Bourne, y muy especialmente esta tercera parte, citaré al maestro de maestros, Homer Simpson: Uno no se mete en la cama con Max Powers, ¡¡¡Se abrocha el cinturón de seguridad y goza!!!. Sería imposible definir esta película de otro modo que no sea un torbellino de adrenalina. Una trilogía construída a modo de castillo de naipes, con una precisión milimétrica, conectando todo de forma asombrosa, para un apoteósico y catártico final.

El gran artífice de todo ello es el señor Greengrass, apoyado de forma soberbia por el guionista Tony Gilroy, y por un brillante Matt Damon, que parece haber trasladado al hombre sin nombre de Leone a pleno siglo XXI, con una forma de actuar calcada, basada en actuar primero, y hablar después, y esto hacerlo a base de latigazos. El guión bebe de constantes conexiones con la primera entrega, sacando momentos calcados para explicar de manera magistral los sentimientos del frío Bourne, con algunos retazos de la segunda parte, como el brillante momento cara a cara con el tirador tras la persecución, amén de servir como conexiones geniales para la historia, a modo de un brillante rompecabezas construido de forma concienzuda. Los secundarios por fin han sido trabajados, y algunos, como el personaje de Strathairn, dan una lección interpretativa, aunque quizás el punto a destacar es el sentimiento empático de Joan Allen hacia Bourne, y el por fin desarrollo del personaje de Julia Stiles, que ha ido ganando en importancia con cada película.

Punto y aparte merece hablar de la tarea del director. Si ya con Domingo sangriento apuntó un talento a seguir, especialmente en el manejo de la cámara, aquí lo termina de confirmar, elevando El ultimátum a la categoría de tesis doctoral sobre la puesta en escena y la planificación cinematográfica. En muchas de estas películas, uno se da cuenta de que el mayor defecto es la incapacidad del director para tirar para adelante con las escenas más espectaculares, dejándoselas siempre a la segunda unidad, que hacen un trabajo calcado a otros, de forma artesanal, más bien cutre. Greengrass no, él coge una persecución y, siguiendo la premisa básica de Indiana Jones de salir de un peligro para caer en otro mayor aún, hace de sus escenas de acción auténticas joyas. No veía una persecución a pie tan bien ejecutada desde aquella en que Carlito Brigante huía de unos mafiosos italianos al final de Carlito's way. La escena de la estación en Londres es una muestra de control total, de director superdotado para esto, de un dominio del lenguaje cinematográfico en todos sus ámbitos simplemente espectacular. Un thriller modélico.

Quizás no tan significativo, pero ver a Tom Cruise encarnando aquí al modélico y genial asesino Vincent, es tan sorprendente como ver al gran Fonda en Hasta que llegó su hora interpretando a un asesino despiadado. La gran diferencia es que Leone, a diferencia del Mann, no le da a su personaje un final preciosista y épico, y este es quizás el gran fallo de Collaterall.

Partiendo desde la base que nos ofrece el argumento, Mann construye una película con un ritmo vertiginoso, que no sufre ninguna pausa durante todo el metraje. Mann coloca la cámara en el mejor puesto posible, aunque sea incluso a veces incómoda para el espectador. Algo particularmente notable en las escenas rodadas en el interior del taxi, pues le dotan de un dinamismo y un interés que pocas secuencias de diálogo consiguen en el cine moderno.

Los personajes están muy bien interpretados. Desde el pequeño papel de Bardem, aunque algo ridiculo con ese acento cubano, o Irma P. Hall, pasando por un estupendo Jamie Foxx, para concluir con una de las mejores interpretaciones de Tom Cruise. Está perfecto en todo lo que hace, sin sacar a relucir su característica sonrisa del millón de dólares.

Quizás lo que más destaca del guión es la interesantísima idea de presentarnos la mente de un asesino. Al igual que nos enseñó Sonny Corleone, no se mata por motivos personales, únicamente por negocio. El que conozcamos a un asesino no hace que tengamos que entender sus asesinatos, o que tengamos que entender el por qué lo hace. Y justo eso es lo que le pasa a Foxx, justamente cuando Vincent entra en su santuario ( precioso el detalle de la foto de las islas tropicales ).

Una banda sonora que representa todo el eclecticismo de la ciudad de Los Angeles, y que nos muestra perfectamente cada zona de la gran urbe, con un mero cambio de ritmo musical. A ello contribuye una fotografía estupenda, que nos transmite incluso una agobiante sensacion de mareo... y a todo ello, hay que añadirle un montaje tremendamente soberbio. Las escenas de acción están rodadas y ensambladas como un reloj, perfectamente. La escena de la discoteca me parece sencillamente sublime. Está rodada perfectamente, y me parece antológica, de lo mejor hecho en cine en años. Una auténtica maravilla comprimida en una secuencia de acción.

Mann debería dejarse de biopics insufribles para centrarse en lo que mejor sabe hacer: Magníficos thrillers como este y Heat