Como decíamos lo mejor empieza con el espectáculo de la violencia desatada. Y no es que apoyemos en nuestro día a día estos actos criminales, pero es que si algún "mérito" tiene gente como Eli Roth es que, sin que nos demos ni cuenta, queremos ver sangre; tenemos curiosidad de ver cómo esos jóvenes intelectualmente limitados y con ínfulas de famoseo serán masacrados por un primitivismo selvático que les supera.
El primer descuatizamiento del inefable Jonah, cuyos restos son salpimentados para dar más gusto al festín caníbal de la tribu, será difícilmente olvidado para el que vea el film.
Los toque de humor negro (como los comentarios sobre la gordura del propio Jonah, que ayudará a que los nativos tengan suficiente carne por unos días para evitar que otro miembro de los jóvenes sea descuartizado) son también una constante que sin ellos, seguramente la atmósfera del film devendría un poco mareante.
Seguramente, el momento más delirante de los últimos años nos venga dado por este film: cuando los protagonistas intentan escapar atontando a los caníbales metiendo marihuana en el cuerpo de una de las protagonistas muertas, que al ser incinerada creará una humareda que colocará a los indígenas.
Un divertimento no apto para paladares exquisítos.

Y es esa especie de híbrido entre las películas de ficción y los documentales donde debemos meter a LA BODA DE RACHEL, una irregular incursión de Demme en los problemas de familia, pero no por ello carente de todo tipo de interés.
Demme le mete intensidad a la propuesta utilizando el estilo semidocumental, con la cámara casi siempre en mano (incluso aprovechando planos que graban los actores con videocámaras), haciéndonos partícipes de la familia protagonista, y de todos los problemas que llevan acarreando desde hace años.
Anne Hathaway, creíble en su papel de Kym, una drogadicta en rehabilitación que vuelve a casa durante un fin de semana para asistir a la boda de su hermana Rachel (la siempre estupenda Rosemarie DeWitt), lleva arrastrando muchos años heridas familiares muy antiguas, como la muerte de su hermano pequeño, de la que es directamente responsable. Aunque sus peleas con su hermana son constantes, quizá es el aspecto más negativo del film, pues el cambio en la relación entre ellas queda poco creíble. Hubiera gustado ver a Anne Hathaway luchando más visceralmente contra ella misma, pues es posiblemente con la que tiene el conflicto de grado mayor.
El retrato de la familia protagonista no deja de ser bienintencionado, pues en ningún momento Demme muestra ningún signo de reproche de los padres (divorciados y casados ambos en segundas nupcias con sus respectivas parejas) hacia Hathaway, a pesar de todo el dolor con el que cargó a la familia.
Es, como decimos, a pesar de su irregularidad una película que se deja ver y que no hace daño a la vista, a pesar de sus errores.

Lo peor que se puede decir de un producto como SELFLESS es que es aburrida, con falta de garra incluso en las escenas de acción, y tratándose de un thriller (de ciencia ficción) es mucho decir.
Ryan Reynolds intenta meterle algo de brío y de carisma a su personaje pero la falta de chispa en la trama y muchos agujeros de guión (escrito por los hermanos Pastor) dan al traste con el intento.
Y es que resulta complicado creer que un personaje que nos es presentado como alguien sin escrúpulos, apegado a lo material, insensible incluso con su propia hija cuando posee los rasgos de Ben Kingsley (posiblemente lo mejor de la película) y le quedan seis meses de vida debido a un cáncer se convierta de repente en un idealista, un hombre defensor de las causas justas y de las personas inocentes y un luchador contra los grandes holdings financieros (como la empresa que lleva adelante las "transhumanizaciones") cuando adquiere los rasgos de Ryan Reynolds y con toda otra vida por delante por vivir. Ridículo.
A pesar del interesante planteamiento inicial que daba para hablar de grandes temas trascendentales como la pérdida de la identidad, la posibilidad de vivir la vida de otro, de meterse en el cerebro de otra persona (tema recurrente en el cine de Tarsem), de la opresión a la que someten las grandes compañías (de la sección que sean) al individuo, todo eso queda malogrado desde el primer minuto en un producto mal facturado.
Y para salvarlo, ni siquiera nos alegra el bueno de Tarsem con un número musical Bollywoodiense al final como hacía en su anterior bodrio MIRROR, MIRROR.

La película comienza con Phillip Seymour Hoffman haciendo el amor con Marisa Tomei, su mujer con la que las relaciones son cada vez más conflictivas. Es un simbolismo de las relaciones tormentosas y falsas que imperan en esa familia, que poco a poco, y a través de trazos en forma de flashback Lumet nos la irá mostrando con sus diversos componentes:el hermano pequeño de Hoffman, Ethan Hawke, el cual mantiene relaciones sexuales con su cuñada Tomei; la ex mujer de este (la siempre brillante Amy Ryan); y los padres de ambos (Albert Finney y Rosemary Harris).
Los dos hermanos son unos fracasados en sus vidas.Ambos tienen falta de liquidez para afrontar sus respecivos gastos y deciden dar un golpe en forma de atraco de la peor manera posible: atracan la joyería de sus padres porque la conocen bien y "todos saldremos ganando". El golpe es un fracaso y comenzará entonces una pesadilla en la que se nos mostrará las relaciones complejas entre todos los miembros de la familia.
La forma de rodar de Lumet, en 4:3 y con el uso del zoom en muchos momentos, hace que la película parezca totalmente atemporal, como si hubiera estado rodada en la década de los 60 o 70, época en la que Lumet vivió quizás su tiempo de mayor esplendor. Quizá sea esto el único pero achacable a la película, pues en formato panorámico es casi seguro que hubiera salido ganando, pero la sequedad y frialdad de la historia, en la que caben sentimentalismos (ver la secuencia en la que Tomei admite a Hoffman que se acuesta desde hace tiempo con su hermano), unido a un reparto en el que cada uno de los actores aborda una interpretación milimétricamente calculada, hace que todo ello sea lo de menos, absorviendo al espectador y dejándole muy pero que muy mal cuerpo.

El film se inspira levemente en un episodio de la vida del gran filósofo Friedrich Nietzsche, que en 1898, en la plaza Alberto de Turín, se lanzó al cuello de un caballo maltratado por su amo y entró en una etapa de locura y mutismo. El film cuenta la posible historia de ese caballo y de su amo y la hija de este.
EL CABALLO DE TURÍN es una película devastadora. Una oda a la desolación, a la pobreza y a lo miserable de la vida. Estructurada en 30 planos durante dos horas y media, a lo largo de seis días. Durante la proyección Bela Tarr nos sumerge en un mundo de tinieblas (realzado por la magnífica fotografía en blanco y negro de Fred Kelemen), de oscuridad. Siempre con la sensación de que algo horrible va a suceder. Un cataclismo, el fin del mundo se avecina (ese ambiente apocalíptico que nos invade desde el primer plano del caballo tirando pesadamente el carro mientras nos invade el sonido de un viento encrispado ayuda y mucho).
Lo prolongado de la duración de los planos, no por casualidad elegidos para aumentar esa tristeza, ese devenir de situaciones cotidianas que terminarán en muerte. Esas patatas cocidas, ese montar y desmontar del carro del caballo, esa lámpara tenue que se ilumina y se apaga... todo es una preparación para mostrarnos lo miserable de la existencia, una vida que no es vida. Un caminar del tiempo duro. Una carga tan pesada como el carro que tira el caballo durante el film.