Si soy objetivo y la miro desde el filtro artístico nos encontramos ante una pieza única. Si soy más subjetivo me quedo con la sensación de una película buena pero que no me emociona demasiado. Y precisamente eso ha hecho que me haya dejado finalmente un buen sabor de boca.

Lo explico porque suena raro:

Desde "La Palma de Oro" de Cannes estaba deseando verla. La crítica era unánime con adjetivos como:

“Magnífica”, “Desgarradora”, “Abrumadora”, “Humana”, “Conmovedora”, “TIERNA”.

¿Haneke y ternura en la misma frase?, ¿de verdad estamos hablamos del mismo Haneke?.

No daba crédito, ¿el mismo director que dejo petrificado al público con Funny Games mostrando ahora su lado más sentimental en una película?. Tenía que verlo con mis propios ojos.

Haneke deja clara sus intenciones desde el principio, elegancia y romanticismo. Por eso utiliza esta vez el francés como lengua.
De acuerdo, se ensañaron con los guiñoles. Si, nos tiran la fruta de los camiones. Y vale, pitán a Nadal en Roland Garros. Pero hay que reconocer que tienen un idioma fonéticamente precioso. Por supuesto la película es en París y siguiendo esa trazada la ambienta con música clásica.

Michael me deja atónito con su punto de vista. Sus planos fijos y largos muestran la degradación del ser humano, como una mujer pasa de valerse por si misma a ser un cuerpo inerte e inútil. Escenas duras, incómodas, grabadas con una frialdad extrema. Veo al Haneke de siempre, su cine perverso, su visión retorcida y sombría de la vida, el amor y la muerte.

Su visión la traslada al espectador a base de metáforas. Primero con el agua, sirva como ejemplo ese grifo abierto dando a entender que la vida sigue y sigue…. que no se detiene si no la detienes tu. O la paloma, de la que luego hablaremos.

Vemos los horrores de la enfermedad con ese ritmo tranquilo, esa atmósfera irrespirable que personalmente se me hace larga o repetitiva pero que Haneke usa para que entendamos lo largo que se hace el calvario para el enfermo y para los que lo soportan. Repetitivo si, pero así es la muerte cuando tienes una enfermedad, continuamente acechando.

Y el punto álgido es la historia de las estrellas y las flores. Preciosa moraleja con la que Haneke acaba por asfixiarnos. Porque el sacrificio también es amor. Porque el amor es mirar más por la otra persona que por uno mismo. Y aquí es donde la ternura y Haneke se unen, no podía ser de otra forma tratándose de él. Me quedo en estado de shock pero ni siento ni padezco.

Luego llega la redención, la paz (simbolizada con la paloma) y asumir que es el momento de partir. Solo nos queda coger el abrigo, para no pasar frío, ese que llevamos pasando toda la película.



La explicación de la nota:

Puntuar a las películas muchas veces resulta injusto, cada película hay que valorarla individualmente y Amour es un caso especial.

Alcanzo a ver y valorar la grandeza de la obra pero ese estilo frio y existencial acaba por congelar mi corazón. Yo soy más lírico, más sentimental, Haneke es mas místico y perspicaz. Pretendía hacer lo que ha hecho y roza la perfección, por eso la considero una gran obra pero es lógico que no a todos nos llegue por igual. ¿Así es el arte no?.

Me alegra haberla visto desde ese prisma. Porque el cine también es aprendizaje y Haneke da una lección de cine que seguro que para películas venideras o en un futuro visionado de "Amour" me servirá de mucho.

Yo,
yo seré el rey
Y tú,
tú serás la reina
Aunque nada
les ahuyentará
Podemos golpearles
sólo por un día
Podemos ser héroes
sólo por un día.

Y tú,
tú puedes ser mezquina
Y yo,
yo beberé todo el tiempo
Porque somos amantes
Y esa es la realidad
Sí, somos amantes
y eso es así.

Aunque nada
nos mantuviera juntos
Podríamos robar el tiempo
sólo por un día
Podemos ser héroes
por siempre jamás
¿Qué te parecería?

Yo quisiera
que pudieras nadar
como los delfines
Como nadan los delfines
Aunque nada
nos mantuviera juntos
Podemos golpearles
por siempre jamás
Oh, podemos ser héroes
sólo por un día

Yo,
yo puedo recordar
De pie al lado del muro
Y las pistolas disparando
sobre nuestras cabezas
Y nos besamos
como si nada pudiese caer
Y la vergüenza
estaba al otro lado
Oh podemos golpearles
por siempre jamás
Entonces podríamos ser héroes
sólo por un día

Podemos ser héroes,
podemos ser héroes,
podemos ser héroes
sólo por un día
Podemos ser héroes

No somos nada y nada nos ayudará
Puede que estemos mintiendo
Entonces será mejor que no te quedes
Pero nosotros podríamos estar a salvo
sólo por un día


Una película bonita, dura y honesta hasta decir basta. Con cierto parecido a "El club de los poetas muertos" asisitimos a un largo viaje a través de un oscuro túnel. Un túnel que depara problemas de integración, escarceos con las drogas, el primer beso, ese amor que creemos merecer y algunos problemas del pasado.

Un gran trabajo de dirección y de adaptación del guión. Stephen Chbosky hace una sutil crítica a la enseñanza y a la sociedad, mostrando algunos problemas (véase el profesor de manualidaes, el acoso escolar o la homofobia del padre) y la soluciones (el profesor de literatura, la terapia, la amistad y la familia). El paralelismo de la historia de la tía es brillante. El director de manera elegante y cariñosa nos hace intuir el verdadero problema.

Un túnel del que se acaba saliendo gracias a ellos y a ella. Y lo haces al ritmo de una canción que te hace sentir vivo durante ese viaje, sentirte dichoso, sentirte un autentico héroe, aunque sólo sea por un día.

Maravillosa canción. Maravillosa película.

Viendo la película una frase de Tom Cruise interpretando al Coronel Stauffenberg en “Valkiria” venía a mi mente:

“Tenemos que demostrar al mundo que no todos éramos como él. Si no, ésta será siempre la Alemania de Hitler”.

Aquella operación falló y por desgracia el recuerdo es ese. Esta película (no bien recibida en Alemania por cierto) cuenta la historia de los que no eran como él. Y lo hace mediante una bellísima historia de amor que transcurre en apenas 21 días.

Hay que destacar la ambientación, los decorados son realmente notables. Pero sin duda esta desconocidísima película para el gran publico (apenas 1100 votos en la web) cautiva por sus diálogos y por Lisolette Pulver.

Los primeros porque son melodramáticos, esperanzadores y divertidos. Te reirás varias veces pero también sentiras tristeza al ver a la gente vivir con miedo.

Y la segunda porque es una preciosidad. Cuando he visto sus ojos y su sonrisa he recordado a Shirley MacLaine. Cada vez que veía su rostro “El Apartamento” venía a mi cabeza. Curiosamente al ver su filmografía he visto que participó en “Un, Dos, Tres”. Wilder tenía buen gusto desde luego.

Y es que como bien dice la anciana que les acoge en casa, “No se la puede decir que no”. Bonita y entrañable a partes iguales. No quisiera olvidarme de John Garvin (cumple con nota desde luego) y la participación de Erich Maria Remarque (todo un detalle verle participar en la película de su novela) pero ambos quedan eclipsados por la sonrisa de esa chica.


Lo mejor: El tramo en el que ambos se conocen y se enamoran. Una verdadera delicia. La escena del cuartel en la que el compañero le deja el uniforme para ir a cenar al Hotel y la posterior cena allí (desternillante el detalle del vino) es simplemente perfecta. Diversión y romanticismo en una ciudad que estaba siendo bombardeada. Inolvidable.

Pero...

Conocí esta película (como muchas otras) gracias a un ex-compañero de trabajo que se llama Raúl (Ettetcap en FA). Como medio mundo yo conocía la versión de Brian de Palma protagonizada por Al Pacino. Insistía en que la viera porque decía que era una Obra Maestra. No le hice caso, más tarde me despidieron y desde entonces no le he vuelto a ver.

Sin embargo, el destino me guardaba otra oportunidad. Fue hace tres meses gracias a un guiño que Bertolucci usa en su película "Soñadores". Entonces me dije a mi mismo "Mañana la veo" pero tampoco lo hice. El destino era cabezón, por alguna razón quería que viera esta película y el otro día por casualidad vi que emitían "El Aviador" en lasexta (cuenta la vida de Hughes, productor de Scarface). Me acordé de ella (y de él) y decidí que no podía esperar más. Hoy 12/12/12 (curiosa fecha) la he visto.

Y la conclusión es clara. Brian de Palma hace un remake fantástico, cambia detalles como la ciudad, nacionalidad del personaje, la época, el alcohol por las drogas etc... Su versión es bastante más larga, quizás más entretenida, con una B.S.O maravillosa y un Al Pacino absolutamente soberbio. Digamos que es más espectacular, a lo grande, como Hollywood nos tiene acostumbrados. Después de ver esta, la pregunta es ineludible:


¿Cuál elegir?


Ambas. Ambas son maravillosas. La moderna me encanta por Al Pacino, no sabes si Tony Montana le da la personalidad o es Al Pacino quien se la da a él. ¿Qué decir de ese final en la mansión?.

Paul Muni (que por cierto fisicamente me ha recordado a una mezcla de Josh Hartnett y Heath Ledger en su papel del joker) he de decir que también está magnífico pero la original destaca por otros detalles que la hacen única. Y son los siguientes:


Para empezar porque es del año 1932. El cine sonoro llevaba pocos años y los dos Howards (Hughes y Hawks) consiguen la madre de todas las películas de Cine negro.
Películas como "Los violentos años 20", "Al rojo vivo", "La jungla de Asfalto", "Los sobornados", "El Halcón Maltés", "Perversidad", “Atrapado por su pasado”, “Uno de los nuestros” por citar algunos ejemplos, no hubieran sido lo mismo (o tan siquiera hubieran existido) sin Scarface. Una referencia absoluta durante décadas, hasta el mismísimo Coppola debería dar gracias a este film.

Las persecuciones, la ambientación o las escenas de acción son sobresalientes. Sirva como ejemplo el ataque al restaurante, un verdadero espectáculo de realismo. Repito, estamos hablando del año 1932, y a pesar de que el señor Hughes estaba forrado, grabar eso suponía todo un hito.

Pero esta película es única por su ejecución. Fritz Lang en 1931 con "M" fue uno de los primeros en usar la técnica de "Leitmotiv". Es decir: "Usar un motivo central recurrente de una obra literaria o cinematográfica". Como motivo se entiende, colores, composiciones, SÍMBOLOS, personas, melodías o frases.

En su caso fue con su famoso silbido, aquí Hawks va mas allá y aparte de usar el silbido como advertencia de que un personaje va a morir también recurre a la "X" para marcar el lugar del crimen. Con el tiempo es más directo, basta con un calendario pasando los días a ritmo de metralleta. ¡Que grande era el tio!

La X la vemos por primera vez cuando un cuerpo es arrojado de un coche y cae en una cruz formada por la sombra de una farola y un cartel (este es el guiño de Bertolucci en "Soñadores").

Poco después lo vemos multiplicado por 7 (con una viga formada por 7 "X" de madera) pero en esta ocasión previamente nos maravilla con un plano de sombras.

Lo repite en la bolera con la X como marca de un "pleno" o en el apartamento, siendo la X la habitación numero 10. ¿Por que la X?, porque la X siempre ha sido el símbolo del misterio y el que la policía usaba para marcar el lugar del crimen.


La escena del apartamento por cierto merece ser comentada porque resume la maestría en la dirección que tiene esta película. Desde ya forma parte de mis escenas favoritas. Habíamos asistido a asesinatos con la víctima como protagonista, a asesinatos con el ejecutor en el plano o asesinatos "camuflados" usando sombras en una pared. Aquí Hawks hace otro giro de tuerca.

La cuento en el spoiler:

Tenía esperanzas depositadas en esta película. Pocas son las cintas españolas que despiertan mi interés. Daniel Sánchez Arévalo lo había logrado con “La gran familia española” gracias a la notable "Primos". Contaba hace unos días el director madrileño que su mayor reto es perfeccionarse en la comedia dramática. Con esta cinta da un paso en ese camino, pero es un paso demasiado pequeño.

La primera hora de la película es un poco farragosa, hay demasiados personajes, subtramas y me cuesta entrar en la historia. Parece faltarle credibilidad y la secuencia videoclipera de la boda no ayuda mucho. Con esa música parece que estamos viendo un spot publicitario. La película luce apagada, apenas hay risas, es cierto que tiene lugar alguna situación simpática o alocada pero sin la suficiente fuerza para convencerme. Además, la trama resulta un poco inconexa y esquemática.

En los últimos treinta minutos la película remonta, y lo hace con creces. De repente todo se ilumina, aparece la chispa y vemos al fin una escena que provoca varias carcajadas. Como si se tratara de una prórroga, las diferentes historias se van solucionando y una de ellas resulta emotiva y emocionante. Es cuando por fin veo al Sánchez Arévalo de “Primos”, al Sánchez Arevalo que esperaba ver. Da la sensación de que el director quería emular a Iniesta y dejarlo todo para el final. Respecto a las interpretaciones, hay que destacar la creíble y profunda actuación de Quim Gutiérrez.

Me quedo con una sensación extraña, es una cinta aceptable y a la vez insuficiente. La verdad es que el primer pensamiento que tuve tras levantarme de la butaca fue “La gran familia española” podía haber sido la gran tragicomedia española pero no lo es. Qué lástima.


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