Citando a Gandalf: "Toda gran historia merece ser adornada", gracias Peter Jackson.

Gracias por regalarnos a los fans de la Tierra Media estas 3 horas de placer absoluto, gracias por completar el Hobbit con material adicional del Silmarillion, gracias por hacer de lo bueno algo mejor, gracias por ser tu el que ha llevado el mundo de Tolkien a la gran pantalla de manera tan magistral. Porque podrás ser criticado por adaptar la historia un poco a tu gusto, pero has demostrado tener tan buen gusto y tanto aprecio por la Tierra Media que no solo mereces nuestro perdón, sino también nuestra bendición y admiración. Creo que hablo en el nombre de la mayoría de fans al decir esto.

Yo fui el primero en criticar en su momento el que se hiciesen tres películas del libro más corto de la Tierra Media, pero ahora me doy cuenta de lo bien que ha hecho Jackson al hacerlo. En las películas del señor de los anillos se ignoró la mitad de los libros, y se solucionó a su manera, con un muy buen resultado la verdad (sin tener en cuenta la adaptación y sus invenciones). Pero en este caso Jackson ha querido plasmar hasta el último detalle de este maravilloso libro, y añadir material para hacer un puente con LOTR, ha hecho todo lo contrario.

Yo también soy de los primeros en criticar el 3D en el cine y del timo que suponen esos precios exorbitantes. Pero decidí darle una oportunidad con el Hobbit, y benditos sean los Dioses enanos, que placer visual más absoluto. Si alguno que lea esta critica ve la película por internet antes que en el cine, que le liquide Sauron que todo lo ve.

Acertijos en la oscuridad... ansias por saber como serán las siguientes dos... saldrá Beorn? Si el mundo no se termina mañana, lo sabremos el año que viene. Muy impaciente por ello. Y de nuevo, gracias Peter Jackson.

El legendario Estudio Ghibli, que en los últimos 30 años nos ha regalado tantas inolvidables películas de animación (La princesa Mononoke / El viaje de Chihiro / El castillo ambulante / Mi vecino Totoro / La tumba de las luciérnagas / Porco Rosso / por nombrar algunas), regresa de nuevo a nuestros cines con El recuerdo de Marnie, que narra una entrañable historia de amistad, misterio y descubrimiento que ofrece un torrente de emociones conmovedoras de la mano de una animación impresionante, como solo Ghibli sabe hacer.

Cabe destacar que el 2013 se convirtió en un punto de inflexión para el Estudio Ghibli. El viento se levanta de Hayao Miyazaki fue lanzada en verano, seguida por El cuento de la princesa Kaguya de Isao Takahata, (que se estrena en España conjuntamente con El recuerdo de Marnie el 18 de marzo). Tras dicho estreno, Miyazaki anunció también su retiro del cine de animación. Con el mundo expectante por el futuro del estudio, esta última película, El recuerdo de Marnie, pretende marcar un nuevo comienzo para el estudio al ser la primera que no cuenta con la participación de ambos colosos.
Las tres películas mencionadas fueron nominadas al Oscar a Mejor película de animación.

A modo de sinopsis, la protagonista de El recuerdo de Marnie es Anna, una niña de doce años de edad que vive en la ciudad. Después de haber perdido a sus padres a temprana edad, vive con sus padres adoptivos, pero encerrada en sí misma. Cuando su asma empeora, es enviada a vivir con unos familiares a un pueblo junto al mar. Así comienza un verano de aventuras para Anna donde conocerá a una chica misteriosa.

Allí, en el pueblo junto al mar, Anna descubre una vieja mansión con vistas al pantano. “¿Por qué… esa mansión me es familiar?.” Esta mansión, conocida entre los aldeanos como la casa del pantano, ha estado vacía durante años. A pesar de que no recuerda haber visto antes la mansión, se siente atraída por ella. Al poco tiempo, incluso ve la mansión en sus sueños. Y en esos sueños, inevitablemente, ve a una chica rubia misteriosa atrapada tras una ventana azul: Marnie.
“Será nuestro secreto. Para siempre.”

El recuerdo de Marnie es en el fondo, una de las películas más clásicas de Ghibli, que reúne la mayoría de elementos de sus anteriores películas, y repite esa tradicional animación artesanal tan espectacular con esa estética tan característica e inimitable del Estudio. Si bien se podría decir que carece quizá del alto nivel creativo e imaginativo de las películas de Miyazaki, hay que reconocer que Hiromasa Yonebayashi ha logrado por contra una película de un elevado nivel emocional, donde distintas emociones van fluyendo a lo largo del film al son de la magnífica música compuesta por Takatsugu Muramatsu, alcanzando momentos que dejan la piel de gallina. Una película conmovedoramente humana.

La película utiliza elementos oníricos, básicamente grandes dosis de realismo mágico, y mezcla de este modo lo cotidiano con elementos sobrenaturales, jugando a generar misterio al espectador sobre qué es real y que no lo es. Todo ello ubicando la historia en un entorno rural donde los paisajes naturales cobran una gran relevancia y se apoderan del apartado visual.

Cuando Marnie estuvo allí, publicado en 1967, es considerada una de las mayores obras de la literatura infantil británica, por no hablar de uno de los libros favoritos de Hayao Miyazaki. Al traer la historia a la pantalla, Yonebayashi fue especialmente cuidadoso acerca de la ubicación de las marismas donde Anna y Marnie se encuentran.

Si la película va dirigida principalmente a un público infantil, lo cierto es que como la mayoría de películas de animación, ofrece una lectura mucho más amplia para los adultos, que sabrán apreciarla mucho más.
La película resulta agridulce, como la vida misma. Imposible no estremecerse con el conmovedor final. A fin de cuentas, sin pretender sonar reiterativo, el film resulta una aventura de exploración emocional.

El estudio Ghibli ha puesto la producción en pausa, por lo que quizá El recuerdo de Marnie podría suponer su último largometraje. Esperemos que no sea así y que encuentren un relevo generacional con el que seguir ofreciendo estas maravillas de animación.

Tras los estrenos de las películas españolas de Paco León y Pedro Almodóvar, llega a nuestros cines otra película española muy distinta: Toro, un thriller de acción frenético, con bastantes dosis de violencia y crudeza. Se trata del segundo largometraje de Kike Maíllo, que en sus inicios realizó un cortometraje interesante llamado Los perros de Pavlov (2003).

En Toro, Kike Maíllo muestra su cinefilia a base de utilizar en su film una gran cantidad de referencias cinematográficas de otras películas, bastantes de ellas usadas con gracia y acierto. Pero la fuente predominante de inspiración es la de Nicolas Winding Refn, el prestigioso director de Drive.

“España es así, un país de malos hermanos.”
A modo de breve sinopsis, Toro narra la historia de tres hermanos que trabajan para un gángster español que goza de mucho poder (interpretado por José Sacristán). Tras un incidente en el que debía de suponer el último encargo por parte de Toro, dos de los hermanos (interpretados por Mario Casas y Luis Tosar) se vuelven a reencontrar transcurridos 5 años, y se unen para intentar solventar una delicada situación. Pero tarde o temprano aparecen las viejas heridas del pasado… “El pasado siempre vuelve.”

Si se le puede recriminar algo a Toro, es principalmente el guión, que flaquea un poco a veces y no profundiza tampoco demasiado en los personajes que interpretan magníficamente el trío de actores protagonistas, haciendo que se pierda un poco el potencial que tenían sus personajes. Pero lo compensa con otros bastantes detalles interesantes y vistosos. A su vez, aprovecha para dejar caer frases que se pueden extrapolar fuera del contexto de la película, que sirven para criticar o reflejar la realidad española.
“Mala memoria, el otro gran defecto de este país.”

Una de las virtudes de Toro es su cuidada estética que bebe de la influencia de Refn, lo que siempre es bueno. La película goza de una gran fuerza visual. Además, a pesar de algún que otro defecto, lo cierto es que a grosso modo la película y sus cuantiosas escenas de acción están bien rodadas y montadas. Discutible resulta quizá la necesidad de las escenas rodadas en cámara lenta. Mención especial merece a su vez Mario Casas, realizando una interpretación convincente y creciendo cada vez más como actor.

Como defecto, podríamos citar el fallido uso de los temas y símbolos religiosos, que podría haber dado más juego y se podría haber exprimido más y mejor, pues queda como algo muy superfluo y sin mensaje alguno en el film. Considero que le podría haber dado mucho potencial a la historia, y se podría haber utilizado a su vez para criticar la doble moral de los gángsters que suelen aferrarse a la religión cristiana, sobre todo en nuestro país donde la misma está históricamente tan arraigada.

Toro resulta en cualquier caso una película muy entretenida, que sabe mantener la tensión y la intriga, y que ofrece escenas vistosas e interesantes. Recomendable para los que disfruten de los thrillers de acción, no teniendo nada que envidiarle a las superproducciones norteamericanas, demostrando que poco a poco empiezan a hacerse producciones interesantes también en nuestro país dentro de este género.

https://revista.tviso.com/toro-thriller-accion-crudo-violento/

La pantalla en negro y un texto que aparece en ella con el interrogante: “¿Padre?” mientras suena de fondo el tono de una llamada telefónica. La respuesta: La persona con la que intenta hablar no está disponible o está fuera de cobertura, por favor inténtelo más tarde. Aparece una enorme imagen de Dios dibujada en la cúpula de una Iglesia.

Así arranca este inteligente documental de David Arratibel, que tiene ya un doble juego en su título: Converso, tanto del verbo conversar como de la conversión a otra creencia religiosa. El director se encontró años atrás ante una situación bastante peculiar en nuestros tiempos: en un corto espacio de tiempo, los miembros de su núcleo familiar se convirtieron al catolicismo uno tras otro. Ello le llevó a sentirse desplazado de sus hermanas y madre, y a tener un conflicto familiar siempre que surgía el tema que no deseaba tener. Él, agnóstico, no podía entender qué podía haber llevado a sus seres queridos a realizar esta conversión. Su forma de canalizar este conflicto fue este proyecto cinematográfico, que seguro que le sirvió a él de terapia personal: se sentó en una silla y convirtió el confesionario de sus familiares en el suyo propio, en una atmósfera íntima y personal, reconstruyendo los sucesos y reviviendo anécdotas ante las cámaras, logrando así capturar una gran espontaneidad en las conversaciones.

El film parte con la premisa de un gran interrogante cinematográfico: Si el Espíritu Santo entra en nuestra casa, ¿es posible hacer una película sobre él?. No obstante, el mismo director admitió haber fracasado en la contienda, y sigue sin comprender qué puede llevar a alguien a convertirse al catolicismo. Pero el resultado del documental es fabuloso, y trata con gran sensibilidad el cariño, las ausencias, las distancias, el vacío… sin perder en ningún momento el sentido del humor, siempre presente. Y durante el visionado del mismo, es complicado que a uno no le venga a la mente la familia Panero, retratada en el magnífico documental de El Desencanto, de Jaime Chávarri; de hecho, la misma hermana lo termina mencionando al percatarse de la situación.

Resulta lindo que al final, el elemento que sirve para reunir de nuevo a la familia, sea el paso de David Arratibel a animarse a cantar junto a toda su familia una especie de canto gregoriano. La música no entiende de diferencias. Como dijo Julio Cortázar: “Música, melancólico alimento para los que vivimos de amor”.

"Algunos instrumentos como las trompetas incitan al valor. Otros, como la flauta, a la dulzura. Y hay otros, como el órgano, que arrebatan el alma a lo celestial."
-Aristóteles

"Puede que cuando leas estas palabras, yo ya esté muerta". Estas son las palabras con las que empieza la carta que recibe el protagonista, Stefan Brand, al principio de la película, ambientada en Viena, en 1900.

Stefan, un pianista famoso, mujeriego y vividor, no recuerda siquiera a quien pertenece la carta que ha recibido. Lisa le resulta una desconocida, alguien que ha pasado por su vida sin dejar apenas huella. Fue solo otra de sus tantas conquistas, y no significó demasiado para él. Solo tuvieron unos breves encuentros. Sin embargo, para ella, él fue el amor de su vida, al que admiró desde que era una adolescente y al que espiaba a través de la ventana mientras él tocaba el piano.

En nuestras vidas entran y salen muchas personas, la mayoría de ellas nos dejan huella o nos aportan algo, por pequeño que sea, a pesar de que no siempre nos percatemos de ello. Pero lo que si que deja una enorme huella es el primer gran amor, tanto si es como si no es correspondido.
En ocasiones no nos percatamos de lo que podemos llegar a significar para otras personas, de la influencia que podemos llegar a tener en la vida de alguien a quien no prestamos gran atención, y viceversa. De esta premisa parte Carta de una desconocida.

Para mi se trata de una obra maestra de Max Ophüls, dirigida de una forma magistral. Un magnífico guión adaptando a Stefan Zweig.
A pesar de ser bastante previsible, no deja de ser totalmente conmovedora. Es un clásico imprescindible e inmune al transcurso de los años.

"Creo que todos tenemos dos cumpleaños: uno del día en que has nacido, y otro del día de cuando despiertas ante la vida."