En la mayoría de películas de terror se opta por crear un ser (humano o inhumano) cuanto más horripilante mejor, dejando en su presencia (normalmente, acompañada con rasgos psicóticos relacionados con la misma) la mayor parte de las esperanzas de asustar al espectador. Pero, aquí lo que da miedo no es un monstruo o un psicópata con motosierra, ni nada por el estilo. Ni siquiera lo que persigue a la protagonista, y que da nombre a la película, tiene una forma determinada. En esta película se ahonda en uno de los orígenes del miedo más elementales, el que causa la idea de tu propia muerte, de manera violenta y en un espacio no muy alejado en el tiempo. Pero, lo peor de todo es no saber cuándo vendrá a por ti; tener que estar las 24 horas acechando, pendiente de que no aparezca. Y cuando al final lo haga, sólo poder huir. Hasta que no puedas escapar de la muerte.

Una de las premisas fundamentales más interesantes de la película es el concepto de poder traspasar la “maldición” a otra persona, al más propio estilo de los juegos infantiles, pero con las encrucijadas éticas que eso conlleva; aunque bien es cierto, que éstas no son tratadas de forma realmente profundas. No deja de ser curioso que dicha transacción se realice manteniendo una relación sexual con la persona a la que quieres pasar tan amenazadora carga; lo que podría verse como una metáfora con las enfermedades de transmisión sexual, especialmente el SIDA. Aunque, teniendo en cuenta que dicha similitud no pasa de lo anecdótico, se podría pensar que es simplemente una escusa para meter momentos subidos de tono, pero éstas son escasas y muy light, sobre todo teniendo en cuenta lo habitual del genero, especialmente en sus variantes de serie B.

Al margen de lo curioso de su planteamiento, el mayor logro de “It Follows” es que consigue crear la atmósfera adecuada durante casi todo el trabajo; a lo que la banda sonora echa una mano, especialmente, en los momentos de mayor tensión. El director y guionista, David Robert Mitchell, hace alarde de varios movimientos de cámara bastante curiosos que aportan su grano de arena para reforzar dicha atmósfera. Pero, desgraciadamente, los puntos flacos y las incongruencias del guión, especialmente en la parte final de la trama, desinfla bastante el resultado final de la obra. El mismo efecto, consiguen unos personajes planos de principio a fin.

En algunos aspectos, parece que trata de emular a las películas de terror de los ochenta e inicio de los noventa, pero sin el encanto de las mismas; quedando simplemente como una entretenida película del género más, que gracias a su curioso planteamiento y su conseguida atmósfera, puede parecer más de lo que realmente es; pero que con sus fallos y deficiencias nos devuelve a la realidad. Aunque no quedara en la memoria cinéfila de muchos espectadores, siempre es de agradecer una propuesta diferente dentro de un género tan trillado.

Al inicio de esta estimulante obra se nos presenta a varios personajes, con sus respectivos hogares y trabajos, y cuando éstas existen, las relaciones que mantienen los unos y los otros. Siendo las flores que dan nombre a la película el nexo común entre todos ellos, sirviendo éstas como reflejo del paso del tiempo, al ser protagonistas de diversos rituales periódicos de muy diferente índole: algunos son esperados con ansias, y recibidos como una promesa de escapatoria a una existencia vacía y gris; otras en cambio reflejarán la melancolía y el dolor causado por la ausencia.

Las flores son testigos mudos del trágico devenir de tres mujeres, de diferentes edades, y muy diferentes las unas de las otras. El espectador contemplará la evolución de cada una de ellas de primera mano, ya que la historia es narrada en todo momento desde los ojos de una de ellas. Se trata entonces de una obra, pese al estar dirigida y escrita por hombres, se nos cuenta desde una perspectiva femenina, donde los diversos personajes masculinos quedan relegados a un segundo plano, llegando a resultar demasiado planos, en contraposición de las tres protagonistas retratadas con esmero, haciendo que el público pueda empatizar con ellas, y comprenderlas pese a las evidentes diferencias entre unas y otras.

Los creadores de esta obra han optado por contárnosla desde una forma cercana, pudiendo sentir en todo momento la soledad y el sufrimiento de sus protagonistas, pero con la suficiente distancia para no caer en el melodrama. La economía narrativa también ha sido un acierto, en lugar de lanzar toneladas de datos e información al espectador durante la hora y media que dura el metraje, ésta se ofrece dosificada durante toda la trama, y en las cantidades justas y necesarias para adentrarnos en el mundo interior de sus protagonistas. En ningún momento la obra cae en excesos, ni narrativos ni formales, optando en este último aspecto por el realismo, al que las flores añaden una ligera pincelada mágica, en contraste de los momentos más fríos u oscuros, dando en algún momento la sensación de que nos encontramos ante un thriller, a lo que ayuda la forma en la que se nos ofrece la información, y donde en todo momento se remarca qué sabe y qué no cada una de sus protagonistas.

Uno de los puntos fuertes de la obra es la naturalidad de las interpretaciones, destacando por encima del resto las del triángulo protagonista: Nagore Aranburu, Itziar Aizpuru y Ane Gabarain. En cuanto a las interpretaciones masculinas destaca la de Josean Bengoetxea. Puede que a muchos les espante el hecho de que esté rodada íntegramente en Euskera, perdiéndose una de esas pequeñas joyas cinematográficas que de vez en cuanto nos ofrece la cartelera. Quién se atreva a adentrarse en el mundo en miniatura que nos refleja los efectos del paso del tiempo, del dolor, y de la soledad.

Dos niños, dos hermanos, dos gemelos, al llegar la Segunda Guerra Mundial a su país son llevados a la casa de su abuela materna para refugiarse. A partir de ese momento conocerán la crueldad de la guerra y todas sus consecuencias. Ambos llegarán a la conclusión de que necesitan endurecerse física y mentalmente si quieren sobrevivir a ese infierno. Dejarán para siempre de ser niños. Ambos vivirán en primera persona todo tipo de sufrimientos, de los que poco a poco se harán inmunes. Como ellos mismos confesarán, podrán soportar el dolor, el hambre y el frío; pero jamás podrán soportar estar separados el uno del otro.

Es una obra fría y dura, no apta para corazones sensibles; ya que nos trasmite los mayores horrores de la guerra de una forma realista y cruda, y para hacerla más desgarradora aún: narrando la historia, al igual que “El niño con el pijama de rayas”, desde el punto de vista de dos niños, aunque ahí terminen las similitudes entre ambas obras. La historia se nos cuenta desde la distancia, evitando así conducir el relato al melodrama; y esto, unido al apartado visual de corte realista de la película, hace que en ocasiones pareciera que estamos ante un documental.

El reparto es uno de los aspectos destacados de la obra, que añade más verosimilitud a la historia. A destacar queda la interpretación de los dos protagonistas, se trata de unos papeles complicados, pero los jóvenes actores lo han bordado. Sobre los secundarios destacaría el papel de la despiadada abuela, un personaje que se nos muestra como cruel y desalmado, pero que a menudo avanza la historia, gracias a la interpretación de la actriz (y quizás, al comprobar que el resto de personas que encuentran los niños son aún peores) se le termina cogiendo cariño. También es digno de mención ese oficial Nazi, con cierto parecido a Erich von Stroheim en “La Gran Ilusión” de Jean Renoir.

En resumen, no es una película fácil de ver, ni recomendada para todos los públicos. Sin duda alguna, su visionado es una experiencia desgarradora y única. Alguna parte podría parecer excesivamente “jodida”, o exagerada, pero lo cierto es que (desgraciadamente) todo eso podría haber sucedido realmente. Se nos habla del pasado, pero bien podría estar haciéndolo del presente, pues si estando ambientada en la II Guerra Mundial, podría estarlo en cualquier guerra que asola actualmente cualquier parte del planeta.

El despiadado mundo de los negocios donde se puede subir y subir hasta cimas insospechadas para luego precipitarse hasta el fondo del abismo en un abrir y cerrar de ojos. Es un lugar donde los sentimientos no tienen cabida, sólo cuentan los beneficios. Y la industria del cine en el Hollywood de los años 30, en la era dorada de los estudios, es una buena muestra de ello. Donde una serie de magnates mueven los mecanismos de la fábrica de sueños de la misma forma de la que harían (por ejemplo) tornillos, lo único importante es el dinero que consiguen con ello.

Y es precisamente a esa época donde nos traslada esta historia basada en una novela inacabada de Francis Scott Fitzgerald, y último trabajo dirigido por Elia Kazan, conocido por obras como Un tranvía llamado deseo, La Ley del deseo y Al este del Edén. Narrándonos los sucesos acontecidos desde el punto de vista de su protagonista, Monroe Stahr (Robert de Niro) director de unos estudios de cine, considerado un genio tanto por sus superiores como por sus trabajadores. Deberá aprender tratar con todo tipo de personajes del mundo del celuloide para que éstos cumplan sus objetivos.

Ahí es cuando la película nos muestra lo que sucede en las entrañas de un estudio cinematográfico, con todas sus intrigas y sus entresijos. Es cuando ésta adquiere su mayor potencial. Como contrapunto se encuentra la dramática historia de amor de Monroe, insulsa y mal desarrollada, que sólo consigue ralentizar la historia sin añadir casi interés. Afortunadamente, la cosa remonta en los compases finales de la obra; especialmente desde que Jack Nicholson hace aparición.

Otro de los mayores aciertos de la obra es el elenco de secundarios de lujos con los que cuenta, a parte del protagonista de Chinatown, entre ellos destacaría a Tony Curtis en la piel de un actor entrado en años, pero que se ha negado a reconocerlo continuando con su rol (fuera y dentro de pantalla) de galán; hasta que un problema en su vida más intima le ha mostrado la realidad. Jeanne Moreau, como pareja en la ficción (dentro de la ficción) del anterior, una autentica diva egocéntrica, obsesionada en su lucimiento personal y paranoica. Y Robert Mitchum, como dueño del estudio, además que apoderado de Monroe. Los cuatro actores brillan con luz propia en todas sus apariciones, que la verdad, saben a poco.

Podría haber sido una buena película, pero es tremendamente irregular. Con momentos realmente interesantes, como el discurso del protagonista en su despacho a un guionista rebelde, y el reflejo que tiene la misma al final de la trama. Y la escena de la inundación del plato, sobre todo el momento con las dos chicas a bordo de la cabeza de Buda gigante, que parece sacado de una película de Fellini. Pero la historia de amor, que comienza precisamente en dicha escena, adormece demasiado la trama, rozando lo tedioso; cosa que es imperdonable. El problema hubiera tenido fácil solución, precisamente la misma a la que llegó el personaje de Robert de Niro con la película que estaba realizando en ese momento: cortar 20 minutos. Eso, o haberlos utilizado con más acierto.

http://nosoyuncritico.com/ciclos/2015/02/ciclo-robert-mitchum/
http://nosoyuncritico.com/criticas/ano/en-el-fondo-del-cajon-criticas/2015/02/el-ultimo-magnate/

No voy a negar que el mensaje que quería transmitir este cortometraje (aunque ni siquiera parece que sea tal cosa) sea muy necesario, especialmente en algunos sitios, y ese es el único motivo por el cual no le he dado un 1. Porque, aunque las intenciones fueran buenas, el resultado no podría haber sido peor. El argumento es tan simple y superficial, y los personajes tan planos que me niego a pensar que necesitaran más de dos minutos para escribir el guión.

Lo mejor: la intención.

Lo peor: La ejecución.