No tenía muchas ganas de ir a ver la última entrega de "la Coixet" después de la decepción de "mapa de los sonidos de Tokio", pero finalmente me decidí y puedo decir que no salí demasiado disgustado. La peli es un drama de pareja que se reencuentra después de una separación traumática y que contiene con una carga social considerable. Centrada en dos personajes con roles muy definidos y antagónicos: masculino-femenino, norte-sur, razón-arrebato, lejanía-compromiso,... que van pasando de forma gradual de la frialdad y el rechazo a la caricia y la proximidad en un proceso de expulsión de demonios personales que los han perseguido y maltratado durante cinco años de distanciamiento expeditivo.
En este "enfrentamiento" se introduce un elemento de intriga que mantiene la tensión durante la primera hora. A partir de este momento, justo cuánto empieza a llover, el foco se traslada hacia la preparación del desenlace con la introducción de retrospectivas en color y cálidas con la intención de anunciar algo diferente a la frialdad inicial simbolizada por los pensamientos dentro de una cueva y en un blanco y negro muy obscuro.
La acción se desarrolla en un particular, premiado i bien elegido cementerio, concretamente el de Igualada, rodeados de hormigón gris que no te distrae para nada de las magistrales interpretaciones de Candela Peña y Javier Cámara que consiguen dotar a los personajes de una credibilidad muy intensa transmitiendo emoción, desolación y transparencia.
Otra cosa son los diálogos y el guion que caen en un exceso de trascendencia, citas innecesarias y que obligan a los actores casi a sobreactuar en un afán de decirlo todo con palabras cuando muchas cosas ya están implícitas con el gesto interpretativo. Está claro que se trata de una apuesta muy personal de la directora llegando, en algunos casos a molestar y que puede gustar o no,
En cualquier caso nos encontramos ante una obra con un marcado estilo propio y particular, con una profunda exploración emotiva alrededor la pérdida, el luto y las diferentes formas de afrontarlo, todo muy aliñado de una carga social y reivindicativa muy cercana (de hecho las incisivas declaraciones de la Candela en la noche de Goya las hizo justo al acabar el rodaje que nos ocupa).

Léo y Rémi tienen una profunda amistad en la que comparten juegos y complicidades. A los trece años toca un cambio de centro de escolarización y esto supone afrontar nuevas miradas y prejuicios que provocará distanciamiento en su relación hasta que llega un hecho impensable. A partir de ahí Léo busca explicaciones acudiendo a Sophie, la madre de Rémi.

El joven director flamenco Lukas Dhont ya nos demostró en la apreciada "Girl" su capacidad para captar de forma cercana y muy intensa la personalidad y las vivencias íntimas de esa franja de edad donde la infancia debe dar paso a una maduración inexorable y necesaria. En caso de que nos ocupa se trata de la disrupción de nuevos códigos de masculinidad impregnados de prejuicios y una presión de grupo tóxica que les llevarán a tomar decisiones impulsivas que la red de protección familiar o escolar no podrá prevenir con solvencia.

La mirada que nos regala la película durante los primeros cuarenta minutos es luminosa y cómplice en torno a una amistad de una sincera naturalidad, donde las vivencias lúdicas con sus pequeños conflictos se nos presentan de forma precisa y respetuosa con una cámara muy cercana, dinámica y limpia en el sentido de explorar la parte más auténtica y juguetona de un final de la infancia realmente feliz.

En la segunda parte previa el desenlace los colores se oscurecen, la música acentúa el drama y la cámara se engancha a Léo en su búsqueda angustiosa de respuestas y el consuelo que supone la práctica deportiva intensa y sus metafóricas caídas con lesión traumática incluida.

Aunque el simbolismo y los mensajes que se transmiten sean quizás demasiado evidentes, la propuesta visual, narrativa y de temáticas tratadas sitúan a "Close" dentro de los grupos de películas más que notables por su capacidad para exponer vivencias íntimas, dolorosas y trascendentes con una proximidad veraz, una modestia alejada de exageraciones y una calidez que te contagia. (7,5)

Freddie es una mujer joven francesa adoptada que viaja a Corea del Sur de una forma azarosa en busca de sus orígenes biológicos. La película transcurre durante ocho años a partir del primer contacto con una cultura y una sociedad muy distinta a la de adopción.

En este viaje personal e intimista al que sería la esencia identitaria de nuestra protagonista, nos encontraremos con un conflicto permanente que la llevarán por un recorrido lleno de obstáculos, dudas y rabietas diversas que el director Davy Chou nos muestra apelando a unas imágenes evocadoras y sugerentes en referencia siempre a las emociones —muchas veces contradictorias y opuestas, como no podría ser de otra forma— de Freddie. En este sentido cabe mencionar la utilización de la música como uno de los hilos conductores protagonistas —la película comienza y termina con escenas donde la música es el puntal— para reflejar de forma inspiradora momentos de soledad, alegre fraternidad, divertimento o añoranza desolada.

Durante todo el relato también se juega con contraposiciones de opuestos —día/noche, rechazo/aceptación, cinismo/amabilidad, soledad/relación grupal, las dos Coreas— para remarcar aún más este camino de inmensas dudas y dualidades que la llevan a insistir reiteradamente en contactar y conocer a sus padres biológicos a pesar de que no tenga ningún vínculo vital de memoria o crecimiento personal.

Destacar también los múltiples momentos en los que existe un evidente choque cultural a veces en torno a costumbres insignificantes como la forma de servir la bebida u otras sobre aspectos mucho más complejos o de relaciones personales. En este sentido hay que prestar atención al tratamiento de todo lo corporal: el contacto, la comida, el maquillaje, los tatuajes o el baile.

Película pausada y paciente, basada en los testimonios de personas que han vivido esta situación de búsqueda de la identidad biológica, que nos envuelve de forma emotiva e intensa para hacernos partícipes de lo que puede suponer un cautivador viaje personal lleno, en este caso, de contradicciones, desengaños y caos.

Stéphane Ruiz se incorpora dentro de un grupo de policías destinados a Montfermeil, una zona conflictiva de la periferia de París, y se encuentra con que los métodos de trabajo de sus dos compañeros veteranos arrastran un vicios y unas relaciones fundamentadas en el miedo y la coacción en el límite de una violencia latente que es el origen de una rabia a punto de explosionar. Un incidente con un cachorro de león de un circo itinerante será el detonante de toda la línea argumental que se desarrolla durante un corto periodo de tiempo.

"Los miserables" que se estructura en formato de thriller policíaco con una carga social muy marcada pretende ir mucho más allá de la resolución estricta del caso para adentrarse en las causas profundas y viscerales que puedan ofrecer alguna explicación mínimamente ecuánime a las repetidas explosiones de rabia de este sector de la población marginal y con pocas perspectivas. Una población que en unos minutos iniciales vive un paréntesis de magia colectiva con la victoria del equipo francés que contrastará a continuación con la crudeza del barrio periférico. Acertadamente el planteamiento se aleja de cualquier interpretación paternalista de buenos y malos para mostrar perfectamente el entramado de corruptelas dentro de una red de equilibrios de una fragilidad evidente.

Un buen guión mantiene la tensión en un crescendo bien estructurado, con una dirección notable y una cámara que sigue inquieta los ánimos y el conflicto de los tres protagonistas consiguiendo finalmente ofrecernos un panorama creíble en un contexto de pobreza y desarraigo haciendo hincapié en una idea clara sobre los procedimientos usados ​​para controlar y reprimir estos barrios marginales.

Una propuesta intensa, de una realismo crudo que te atrapa en una trama poderosa y bien resuelta. (7)
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Una cinta rodada en 12 días, sin guion definido y con un presupuesto ridículo tiene todos los números para convertirse en una chapuza si no si pone todo el ímpetu y la sangre para salir adelante que, por suerte, es lo que han puesto la directora y la pareja de actrices a la hora de escribir/improvisar el guion con el añadido del magnífico trabajo de interpretación del actor Mark Duplass. Se podría decir que estamos ante un pequeño milagro si lo comparamos con los estándares usuales.
Todo se inicia con un encuentro de duelo de una pandilla de amigos debido a la pérdida del hermano del protagonista un año atrás para continuar en un supuesto refugio solitario prestado por la mejor amiga y en el cual se encuentra, inesperadamente, la hermana lesbiana que acaba de romper una relación y que también necesita una estancia de reflexión. Los diferentes incidentes y la reunión de los tres protagonistas dentro de este idílico paraje nos van mostrando las diferentes capas de su intimidad hasta llegar a la verdad más sincera, profunda y compartida.
Los grandes temas de la existencia se tratan de una forma bastante natural y creíble sin caer en diálogos cursis y ostentosos: la pérdida, las relaciones especiales entre hermanos, la diversidad de tendencias sexuales y su aceptación íntima, el amor y el desamor doloroso, la descendencia y la trascendencia, la amistad, el sentido del humor... y no sigo para no hacerme el pelmazo. Se nota que la forma de trabajar ha sido la improvisación que permite diálogos cercanos y inteligible a pesar de la buscada profundidad de la trama.
Más allá de estéticas indies y cine de autor alternativo hay que recomendar esta película para los que aprecian la dificultad extrema de una comedia redonda y por los que están alrededor de los 30 años y se encontramos en situación de desorientación vital angustiosa.
Ui! Me olvidaba de la fantástica interpretación de las dos actrices, Emily Blunt (recordamos su papel a "la pesca del salmón en Yemen") y Rosemarie DeWitt.