91 años y mas de 60 haciendo cine el señor Clint, para alguna ‘Señoro’. Un maestro, una leyenda y uno de los pocos cineastas que a su edad se ponen detrás de la cámara, producen, cantan, se agachan, se levantan, actúan, montan a caballo y bailan. Sigue con una enorme energía y lo sigue demostrando en la inesperada ‘Cry Macho’ cerrando el ciclo o trilogía de la redención con el guionista Nick Schenk también en las tres cintas tras ‘Gran Torino’ y ‘Mula’.

Como fan del director he de decir que tenía grandes expectativas hace tiempo pero las malas críticas rebajaron como me pasó con Tren a París pero sabía que aunque fuera menor, con la temática de road movie que evocaba al ‘Aventurero de medianoche’ y ‘Un mundo perfecto’ y con la presencia de Clint era imposible que me defraudara y aquí contracorriente he disfrutado de ella bastante pese a que sea una obra menor y diferente a lo que nos tiene acostumbrados. No todos los años se puede marcar un ‘Richard Jewell’.

‘Cry Macho’ tiene un tono sobrio, familiar y mucho más light y quizá convencional de lo que nos tiene acostumbrados. La cinta es bastante sencilla y no se complica en sacar dobles lecturas a sus personajes, aunque no suele hacerlo habitualmente dentro de su corte clásico siempre es directo y claro. Clint sigue siendo él mismo, con sus estereotipos y tics de su cine, desde sus frases lapidarias, su trato caballeroso con las mujeres, sus problemas familiares, la vejez de por medio, la relación paternofilial y su habilidad para arreglar cosas como buen manitas.

En esta la violencia se acaba, y acaba contando un lugar idílico para Clint, el western con un gallo como protagonista y que a la vez sirve de simbolismo para la personalidad del personaje principal y del muchacho con el que tiene que lidiar para saldar su deuda compartiendo una brillante química pese al nivel deficiente interpretativo del reparto.

Puede ser que sea su cinta más fantasiosa y edulcorada de la última década resultando a la vez poco creíble la actuación de los personajes en su comportamiento dejando al espectador que decida si aceptar algún tipo de situaciones como cierto momento de gerontofilia un tanto estrambótico como las casualidades y motivos por los que suceden ciertas cosas en el guion. Quitando esas situaciones un pelín bochornosas, Clint se vuelve más sosegado, buscando la paz, la redención y sobre todo ese lugar idílico donde poder vivir la vida que no pudo por lo que ocurre al comienzo de la cinta.

Clint plasma su ansiado deseo de morir tranquilo, porque ahora sí, es muy probable que sea su último film, con aroma a despedida al menos como actor (es verdad que Gran Torino y Mula también lo parecían) pero la edad cada vez pesa más y en esta pega un giro en el tono buscando el enfoque ‘feel-good movie’ que le sienta muy bien a este rudo personaje. Buscando ese lugar donde descansar y despreocuparse de todo y eso se ve a través de los dos protagonistas que viajan para cruzar la frontera y sobrevivir pero esa pausa en el camino acaba sacando el lado más enternecedor del director buscando el amor romántico, hallando el amor filial, la solidaridad y el cariño del entorno incluso con los animales.

Al final ‘Cry Macho’ es una carta de despedida pero a la vez una declaración de intenciones, de la búsqueda de la paz en esa espera hacia el final de su vida. Es enternecedora, emotiva y muy familiar. Se aleja de los temas oscuros que nos tiene acostumbrados aunque siga abordando el significado del héroe y la redención en la vejez.

No es su mejor película, de hecho posiblemente sea de sus tres peores películas de este siglo junto a ‘Deuda de sangre’ y ’15:17 Tren a París’ pero no tiene nada que demostrar. Puede que no se despida con una obra maestra pero se despide con lo que quiere, como quiere y como desea ese final en este presente tan duro. No será una cinta popular, creíble ni memorable pero los que hemos vivido ese viaje cinematográfico en su treintena de películas como director sabemos que se lo merece, como el bolero final que se marca en ese baile que recuerda al de ‘Vengadores Endgame’, dejando un agradable adiós clásico entre tanta morralla que nos rodea tanto dentro como fuera del cine.

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Llega algo tarde a España pero nunca es tarde si la dicha o en este caso la película es buena, y tan sorprendentemente buena que Paul Thomas Anderson lo ha vuelto a hacer. Ha vuelto a hacer una película totalmente distinta a las anteriores ("Pozos de ambición" (2007), "El hilo invisible" (2017)...) y esta vez no se centra tanto en lo que cuenta sino en cómo lo cuenta y lo que quiere transmitir.
Vuelve a demostrar que es un genio dirigiendo actores y más aún teniendo en cuenta que tanto sus dos protagonistas como parte del reparto e incluso director de fotografía son debutantes todos, pero es lo que pasa cuando hay un maestro detrás, que da igual quien esté por delante, que con intención y talento se pueden conseguir barbaridades, tantas como la omisión de Cooper, Hoffman y Alana Haim en actores en los Oscar y otros premios, demostrando sencillez, naturalidad, carisma y química tanto entre ambos como con el resto de secundarios.
Secundarios que si bien no llegamos a saber el paradero de cada uno de ellos en sus breves apariciones ya sean Bradley Cooper, Benny Safdie o Sean Penn, es lógico que dejen de interesar porque la cinta está al servicio de la historia de amor y desamor entre los dos protagonistas.
Anderson se deleita en la relación amor/odio de ambos, en la nostalgia del Beverly Hills de los 70, de una época que no hemos vivido pero que bien pintado queremos quedarnos a vivir en ella y así resulta todo tan bien ejecutado que hasta el uso del color es magistral, en especial el contraste del rojo y amarillo del que puedo intuir cierto significado pero sería digno de análisis para futuros revisionados como anteriormente sucedió con "Vértigo" (1958", "Retratos de una obsesión" (2002), "La La Land" (2016) o la reciente "Spencer" (2021).
"Licorice Pizza" (anteriormente llamada Soggy Bottom, inserte meme de DiCaprio en "Érase una vez en Hollywood" señalando a la tv) es una obra cumbre del cine romántico de la última década. Una cinta libre (a veces demasiado) sobre el amor adolescente, una cinta de soñadores, de esperanza, de perseverancia y lucha. Por momentos me recordó a "La La Land", pero esto es otro rollo. Anderson con sus travellings, planos largos, el contraste marcado en sus imágenes dando fluidez a cada plano secuencia logra envolverte en ese halo nostálgico que nos lleva a la adolescencia con sus luces y sombras llena de humor pero también el suficiente drama.
No es una película para todo el mundo como tampoco lo son el resto de cintas de Anderson, requiere cierto interés y con los sentidos a flor de piel ver cómo Paul se enmarca en los momentos más allá que en la trama, en los detalles, cómo en cada plano cada detalle que aparece en el encuadre es importante no para la trama sino para el desarrollo de ambos protagonistas lo cual alcanza una evolución magnífica y sólida además de memorable. Una cinta que despierta emociones, que fija el momento, las situaciones y las personas por encima del dinero, negocios u otras partes materiales. Cine de autor ingenioso, para soñar, bien rodado, emocionante, envolvente que se ha convertido en mi segunda película favorita del 2021 a la par que "West Side Story", otra cinta para sacar lo mejor de los seres humanos. Disfruten de la experiencia porque la masterclass de cine que nos regala Anderson no se ve todos los días.

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Tres años y medio han pasado desde que la superheroína más exitosa nos dejara boquiabiertos en la primera guerra mundial y su mensaje sobre el amor por encima de todo. Ahora llega a los cines (y tristemente pirateada en una semana debido a su estreno en HBO Max) y espero que recaude lo máximo para que la industria pueda levantar cabeza y no se hunda del todo, al menos hoy ha habido 50 personas en la sala lo cual es buena señal frente a las 4-5 de las trece veces que he ido desde la reapertura en junio.

No quiero desviarme porque quiero hablar de la cinta y no sé por dónde empezar ya que la película en sus casi dos horas y media aborda muchos temas complejos y ambiciosos aunque finalmente se vean de forma superficial y con moralina como muchos juzgarán.
Es cierto que la cinta puede pecar de superficial en su mensaje y no indagar lo suficiente en todo lo que pretende abarcar. Puede ser que la tachen de manipuladora y edulcorada, pero tampoco voy a esperar mucho del público. Ya que vivimos en una sociedad tremendamente enferma.

Se puede considerar una cinta condescendiente pero a la vez necesaria para los tiempos que corren. Con una premisa entre Midas y La Biblia la cinta aborda temas desde la envidia, la mentira y el peligro que consume a las personas llamado deseo.

Porque ‘Wonder Woman 1984’ no pretende otra cosa que remover conciencias al planeta ya sea de forma egologista y moral. Porque en un mundo donde todo el mundo que se obsesiona con sus propios deseos acaba corrompiéndose a sí mismo y a los que están alrededor, reinaría el caos, la anarquía y el egoismo.

No es lo suficientemente profunda y tiene varios personajes que construir como los de Kristen Wiig y Pedro Pascal los cuales me parecen inmensos en sus roles, una pasando de una filmografía cómica a una nerd inadaptada y un empresario fracasado con deseos de poder. Ambos aun con sus momentos histriónicos logran convencer tanto en sus motivaciones como en su resultado final ya que logras identificarte con ellos y entenderlos aunque no compartas sus formas. Quizá una de los errores de la cinta sea la falta de frescura en la estructura argumental ya que tiene momentos calcados a su predecesora tanto en la aparición del villano como en los flashbacks y el clímax pero da gusto ver otras motivaciones no descubiertas en el género y conmover al espectador por ambos bandos encontrando un lado emotivo y gris dentro de lo oscuro que pueda parecer los deseos del ser humano.
No quiero desvelar mucho más porque en término visual me parece impecable desde el grano en la imagen y puesta en escena trasladándonos en todo momento a esa gloriosa y nostálgica época que al igual que hiciera la saga X-Men mezcla el conflicto político con el contexto superheroico y concienciar a la humanidad actual porque el mensaje resulta atemporal en esta era pandémica donde anteponemos nuestros deseos y acaban costando la vida de muchas personas, no solo la nuestra.

Al final el deseo consume a la persona deshumanizándola y perdiendo los valores, la belleza emocional que puede caracterizarlas y ese es el secreto que acaba desolando a una humanidad que necesita esperanza, optimismo y unidad y eso es lo que quiere la cinta, y a muchos no les gustará por llamarla cursi o edulcorada.

Todo esto sumado a un factor de riesgo y capas en los personajes de Gadot y Pine (el cual me sorprendió que su presencia no fuera forzada) acaban en un desenlace desgarrador sobre la humildad, la verdad y la paz que debería haber en el mundo. Zimmer capta la esencia desde su espectacular comienzo hasta el clímax con su mejor trabajo componiendo en años.

En definitiva, ‘Wonder Woman 1984’ te atrapa, te divierte, te conmueve. Es una delicia visual y argumental al menos en el concepto blockbuster que tan poco presente ha estado este año. Me parece más grande que su predecesora y aunque pueda tener algún altibajo al final como le pasa a la primera, es una cinta con mucho corazón, mucha entrega, mucha épica y mucha emoción. Espero que se gane al público porque se necesitan películas con este espíritu, esas ganas y visión de un mundo bello, pero tristemente no todos están del lado del mensaje que transmite.

Posdata: Tiene una escena post-créditos muy curiosa.

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