Es cierto que el ritmo que imprime Hiroyuki Okiura es de otra cultura distinta a la nuestra. Aunque si que es verdad que han hecho todo lo posible por mimetizarse también a nuestros gustos occidentales. Nuestra narrativa literaria, ya sea desde el italiano Marco a la suiza Heidi, pasando por los galos mosqueperros o los británicos Sherlock Holmes, es sencillamente una estrategia comercial de vender sus productos en nuestros mercados. Hoy ya no, Nobita de Doraemon o el propio Shin-Chan, aun siendo completamente comerciales, nos a ilustrado sobre el urbanismo o las singularidades de los japoneses. Pero cuando una obra es buena, hable o no de una cultura u otra, trasciende y deja de tener esa etiqueta comercial para brillar con luz propia como arte. Atrás en la historia de los anime, podemos recordar como ejemplo a “La Princesa Mononoke” de 1997 o mas recientemente como ejemplo de ese ritmo tan peculiar japonés “5 centímetros por segundos” de 2007.
Una Carta para Nomo no deja de ser una historia de una familia de Tokio en una geografía japonesa que nos transporta y nos sumerge en sus costumbres y su mundo. Sus delicadas reverencias al saludar, el descalzo de sus sandalias al entrar en casa, las bolitas de arroz, como doblan el futón para hacer sus camas, los ferrys que enlazan una islas con otras, los altares en el aparador o las mandarinas verdes. Por ello, desde el primer fotograma cuando desde el cielo caen tres gotas, consigue sumergirnos en una verdad que se refleja en el cuidado y en lo esmerado de cómo esta facturada la película. No se acomodan en presentarnos una fauna de nuestra mitología europea con ninfas, gnomos y demás hada y almas errantes; nos sorprende con toda una iconografía de dioses duendes del periodo Edo, autóctonos de su país, ¡faltaría mas!. Al final, no sabemos si el tiempo se había parado en primavera, como aquel viejo reloj de pared o si Momo solo quería ver, una vez mas, unas pocas palabras escritas de su padre. Y es ahí, en esos sentimientos, donde oriente y occidente somos iguales y donde nos sentimos identificados aunque todo lo demás nos sea exótico.

Voy a centrarme en el tercer y ultimo capitulo de esta película que con el nombre de “Mara”, su director Vittorio de Sica borda un final digno del un neorrealismo aderezado de un emotiva y simpática comedia.
Si trazamos un paralelismo con su título, las dos primeras partes pueden encajar en ese “ayer” y “hoy” pero su tercer y último capitulo parece desarrollarse un singular presente totalmente cotidiano. Solo el uso de pañuelos de papel por parte de Marcello Mastroianni le hace presumir en el guión de que es un gran invento para el futuro, haciendo un guiño forzado al “mañana”.
“Mara” es una comedia donde desde el primer momento se dibujan perfectamente a los protagonistas, pero yo añadiría otro que completa la pantalla y es la Plaza Navona y esta envolvente localización que ambienta toda la trama. Desde la azotea romana con vistas a la plaza hacen encantadora los diálogos a los protagonistas y te transporta con un realismo mágico a los atardeceres de Roma.
Perfectamente se describe desde el primer momento los personajes, con una desinhibida Sophía Loren que recién salida de la ducha dispone unas macetas por la balaustrada de su terraza con solo una sabana blanca y una diadema en el pelo al igual que una clásica romana. Desde la azotea contigua de sus vecinos, un seminarista la contempla prestándonos desde sus ojos todo su conflicto moral. No hay palabras, pero sus actuaciones nos llevara sin ningún preámbulo a una elipsis, donde el gran plano abierto de la azotea, se iniciará con los dos ya charlando por la tarde noche, a la luz de la plaza a través de su balcón.
No desvelo mas de su trama pero si que la Plaza será a partir de ese momento protagonista del despechado Mastroianni que duerme en un banco, de la parada de autobús desde donde partirá el pobre seminarista, de la tienda litúrgica, de sus días soleados y de sus anaranjadas tardes iluminada por sus farolas, refrescada por su fuente y presidida por su obelisco.
Encantadora comedia donde inesperados giros de los personajes como la de la abuela, no dejan de arrancarte una sonrisa y una entrañable empatia. Donde la paciencia de Mastroianni te tiene en ascuas, pero sobre todo de lo fácil que es enamorarse y admirar a la divina Loren.

En un pasado muy fantástico, sin llegar al retrofuturismo de SKY CAPTAIN (2004), concretamente en los años 40, con el reclutamiento para la 2º Guerra Mundial, se escribe la historia de Steve Rogers un enclenque joven neoyorquino, pero que alberga el espíritu del mas valeroso soldado.
Puede parecer un pasado paralelo, como ocurre en WATCHMEN (2009) pero la recreación artística de los años 40 en America está muy cuidada y solo cubos de energía azul y diseños de la ingeniería militar que se quedaron solo en papel de la historia, aquí están solventemente materializados como tanques, aviones y demás prototipos copiados de las viñetas añejas y hacen recordarte que estas viendo un cómics.
Lo mejor: Su diseño artístico. La recreación de Nueva York en los años 40. El vestuario tanto de los esbirros como el definitivo uniforme del protagonista. Y su ágil trama.
Lo peor. El patriotismo anexo a este personaje vinculado y alineado a un solo país y a uno sola ideología ya carente se sentido y de época, que le resta universalidad y lo descontextualiza de su concepto puntual de cuando nació.
Espero que su afiliación próxima en el 2012 en The Avengers y su adaptación a un mundo sin nazis invadiendo Europa y más globalizado, lo modernice y actualice un poco mas.

"La luz que brilla con el doble de intensidad dura la mitad de tiempo. Y tú has brillado con mucha intensidad, Roy." -Cree consolar con estas palabras Tyrell al replicante Nexus 6. El director Julian Schnabel parece también consolarse en como apreciar la vida ante una muerte temprana con filmografías de artistas como Basquiat que brillan con tanta intensidad en su juventud que gasta su combustible vital antes de prolongar sus vidas en una fútil vejez cuesta abajo.
Pero, ¿nos habla aquí del eclosionar la creatividad artística en un último intento de despedirse al otro mundo? De hecho la única manera de dejar huella póstuma en este mundo, es dejar un legado ya sea en la construcción de un edificio, hallar una medicina contra una enfermedad, las esculturas talladas o esculpidas, el desarrollo o la innovación técnica en algún campo de ingeniería, las obras pictóricas plasmadas en una galería, la realización de una película o la realización de una obra literaria, e incluso el amor que hay entre los cacharros de cocina en una ama de casa, entre otra muchas actividades, no solo artísticas, sino de todos los campos del conocimiento humano. Incluso plantar un árbol será un recuerdo que mantendrá la memoria de nuestros descendientes en el futuro (recuérdese el árbol que plantó María Antonieta en Versalles, hoy todavía se menciona en las visitas guiadas o en las guías de turismo.)
Bauby, protagonista objetivo y subjetivo, ve que ha sido atrapado en su escafandra, he intenta no desanimarse. Con lo único que le queda, el aleteo de su párpado. Agotará todo el combustible de su extinta estrella y dejara una póstuma reflexión, una última huella de su persona para ser recordado.
La referencia filmográfica mas similar a esta película “La escafandra y la mariposa” de 2007, es la de “Jhonny cogió su fusil” película de 1971 dirigida por Dalton Trumbo. Un soldado queda mutilado sin brazos ni piernas, solo su tronco. Su mandíbula destrozada, de la explosión que casi lo mata lo deja sordo y ciego. Solo siente en su piel cuando la enfermera abre la ventana o el sol irradia su luz sobre su cuerpo. Solo llega a comunicarse con los golpes de cabeza a modo de alfabeto Morse. También en esta película, el protagonista se sumerge en sus pensamientos y sueños que es lo único que lo reconforta.
(continua en el "spolier" sin desvelar nada de la película)

Hasta ahora, solo la tecnología ha conseguido al robot Asimo (Honda) como un gran avance tecnológico en robótica. Solo en el equilibrio bípedo, se siguen calentando las neuras los ingenieros para conseguir que un androide ande de forma normal o el súmmum del súmmum que suba unas escaleras.
Los robots de Acero Puro, no solo son autosuficientes para acompañar a sus dueños, boxear, correr o bailar, sino que aprenden también solos a tener sus propios e “innatos” movimientos.
Casi nos da a entender que tienen cierta conciencia y van a despertar como en “Cortocircuito” (1986) o como “Terminator” (1984).
Si tanta tecnología es posible, ¿por qué no la vemos en otros campos, como camareros, gasolineras, discjockey, tal como sucede en el futuro del films de “Yo robot” (2004)?
Reminiscentemente ya un robot de facturación muy similar, que muy bien podía pasar por uno mas de los diseños de esta película, lo vemos en una escena de el Juez Dredd (1995)
El padre, en el desguace, parece explicar que la gente quiere espectáculo como sucedía en la “Feria de la Carne” en “Inteligencia Artificial” (2001). Y en eso si da la talla la película, con movimientos naturales y reales de un boxeo de verdad. Es lo que la hace atractiva, además de un argumento previsible, casi una copia conceptual de “Campeón” (1979) nos hace empatizar con los personajes enseguida, aunque sepamos el final, nos abstrae esa tecnología exótica de los robots.
Esto tampoco es nuevo, las peleas de robots dirigidos por humanos, ya se hizo en la descatalogada película “Robojox” (1990) y por los años setenta se comercializaba en juguetearías un ring con mandos que articulaban dos robots de boxeo llamado: "Rock´em Sock´em Robots".
Entretenida. Lo mejor, los naturales y conseguidos movimientos de los robots.