Cuando hablamos de Fellini a todos nos vienen a la cabeza sus grandes obras maestras, La dolce vita (1960), Fellini 8 1/2 (1963) o Amarcord (1973), un cine basado en lo irreal, lo surrealista y lo onírico, que poco tiene que ver con sus inicios cinematográficos.

En esa primera etapa su cine estaba marcado más por el neorrealismo predominante en el cine italiano de postguerra, siguiendo los pasos de su maestro Rosellini, que culminó con su gran obra La Strada (1954) que se llevó el Oscar de la academia.

Pero su primera gran película, por la que se hizo conocido internacional y que muchas veces pasa desapercibida para el gran público, entre el que me incluyo, es esta genial Los inútiles (1953).

Fellini nos muestra en esta ocasión una pequeña ciudad costera italiana, donde la vida transcurre tranquila y apacible, sobre todo cuando se acaba el verano y los turistas se van, donde las personas trabajan duramente para sacar a sus familias adelante tras la dura guerra que asoló el país.

Bueno, no todos trabajan duramente, una pandilla de amigos quiere vivir sin hacer nada, disfrutando la vida al máximo a costa del esfuerzo de los demás. Fellini les llama inútiles pero yo diría que son más vagos y sinvergüenzas que otra cosa.

Además no les importa lo que piensen los demás, asumen que son unos vagos sin importar nada, eluden la responsabilidad del tiempo que les tocó vivir, de formar una familia, tener un hogar, hijos, nada les importa.

Fellini realmente no los está juzgando, simplemente relata sus aventuras a modo de recuerdo, como si fueran anécdotas personales que fuera narrando según las fuera recordando. Incluso con un carácter un poco autobiográfico, puesto que la ciudad se asemeja mucho a su natal Rimini.

Película imprescindible para los amantes del cine de Fellini que sentó las bases de su filmografía dando esas primeras pinceladas a su idea de entender y vivir el mundo del cine.

Frank Capra es uno de mis directores favoritos simplemente porque hace sencillas las cosas que a priori resultan cuanto menos complejas, como es realizar una buena película y Capra parecía que lo hacía con una naturalidad pasmosa, yo creo que porque sabía lo que quería contar. Parece fácil a que sí, pues el paso de los años nos demuestra que no.
El mayor ejemplo de lo que digo es esta película; el guión no parece gran cosa a simple vista, un ángel que quiere conseguir sus alas te enseña lo que sería el mundo si tú no hubieses nacido. Así de simple!!
Basándose en esa básica idea y en un elenco de actores sencillamente espectacular, el señor Capra realizó la que para mí es una de las obras maestras del séptimo arte.
Ese sentimiento que nos invade a todos muchas veces de no querer seguir viviendo, que nadie nos quiere ni nos valora en este mundo, es lo que le sucede a nuestro protagonista, hasta que ve con sus propios ojos que realmente no es así. Creo que es un sentimiento muy real que a cualquiera de nosotros nos puede suceder. Cómo se aferra a la vida que parece escapársele entre sus manos.
Pero todo héroe tiene un contrapunto, un villano, en este caso es Lionel Barrymore (Mr Potter). Que podemos decir de su actuación, pues sencillamente memorable. Según avanza la película, cada vez más odias a este personaje, miserable, despreciable, hasta lo matarías con tus propias manos. Como digo yo, de esos actores que ya no quedan, actores de los de antes, formados en los teatros y vodeviles de medio mundo, de los de raza.
Todo ello, la lucha entre la vida y la muerte, entre lo que está bien y lo que está mal, entre lo humano y lo divino, desemboca en uno de los mejores finales que he visto en mi vida. Yo creo que todos nos hemos sentido un poco como George corriendo hacia su casa desesperado pensando que quiere vivir simplemente porque el mundo es mucho mejor cuando eres una buena persona como lo es él.
Por supuesto, a partir de ese momento, cada vez que escuchas sonar una campanilla piensas que un ángel se ha ganado sus alas.

Es evidente que todo cambia a nuestro alrededor y nada permanece como lo conocíamos. El avance inexorable de la civilización como dicen algunos. El ser humano va transformando el planeta a su antojo, a pasos agigantados en muchos sentidos. Kurosawa, que nos tenía acostumbrado a otra clase de cine, nos muestra en esta película el choque brutal entre dos mundos opuestos, entre dos hombres completamente diferentes pero que la amistad unió para siempre. La historia de Dersu Uzala y el capitán Arseniev.

El capitán Arseniev manda una expedición para cartografiar la taiga siberiana; una noche se encuentra con un nativo de la zona llamado Dersu, al que pide ayuda para guiarle por la zona que conoce tan bien. Comienza entonces la relación de amistad entre estos dos hombres tan opuestos al principio, aunque poco a poco la visión del capitán irá cambiando al ir conociendo más a su nuevo compañero.

Dersu es un hombre puro, sencillo, su alma está limpia de maldad, convive con la naturaleza de forma pacífica. Se sirve de ella para sobrevivir, cazando animales para poder vender sus pieles y comer. Poco a poco, Dersu irá cambiando la mentalidad del capitán, haciéndole entender que el hombre tiene que vivir en paz consigo mismo y con el mundo que le rodea.

El problema llega cuando el mundo pretende cambiar a Dersu, pretende que se adapte a la nueva situación social de su entorno, a las ciudades que van surgiendo a su alrededor. Kurosawa nos muestra con ternura como ese cambio es inviable, no puede suceder. Dersu pertenece a otro mundo. Película preciosa que nos enseña el verdadero significado de la amistad, el compañerismo y los valores del ser humano.

A principios de los años 50, Italia ya se estaba recuperando del desastre de la guerra. Económicamente muy débil todavía, pero los ánimos de los italianos se estaban recobrando. De hecho, el neorrealismo existente en el país como referente en el mundo del cine ya empezaba a aburrir a los espectadores. No querían ver ya en pantalla sus miserias y su hambruna, sino que querían ver películas de un carácter más alegre. Comenzaba una nueva época en el cine italiano liderada por el gran Federico Fellini.

Pero antes de despedirse del todo, el neorrealismo nos dejó esta gran joya de Vittorio De Sica. Quizá sea la película más dura y difícil de ver de todo la posguerra junto con Ladrón de Bicicletas (1948). Nos muestra de una manera cruda y directa la vida de un jubilado, que después de trabajar durante toda su vida, la pensión que le da el Estado apenas le da para sobrevivir en la difícil posguerra.

El señor Ferrari realmente está viviendo en una época que ya no es la suya, desubicado la mayoría de las veces en un mundo que ya no comprende como antes. El único que parece entenderle y demostrarle su amor es su perro. Su casera pretende echarle de su habitación por una deuda que tiene con ella como si fuera un pordiosero. Se dirige a él siempre de forma despectiva y cruel, como si no fuera un ser humano.

Intenta pedir ayuda a alguno de sus conocidos pero miran para otro lado. La gente no quiere saber nada de los demás, cada uno intenta sobrevivir como puede, sobre todo la gente mayor. En comedores sociales, aquejándose de enfermedades para poder tener una cama y un plato de comida en el hospital, incluso mendigando por las calles. Pero nuestro protagonista se ve incapaz de llegar a ese extremo; su orgullo se lo impide. Ha trabajado toda la vida para tener que llegar hasta el punto de pedir limosna.

Crítica desgarradora que nos muestra De Sica en esta película a la sociedad italiana de posguerra. El compromiso social que siempre acompañó al neorrealismo se muestra con dureza aquí. Esa denuncia social frente al paro, las condiciones infrahumanas en las que vivían algunos (como la criada de la pensión), las pensiones de los jubilados, la situación de desamparo de las mujeres y los niños especialmente, se muestran en todo momento a lo largo de la película. Sin duda alguna, una película indispensable para hacernos reflexionar sobre la condición del ser humano y el mundo que le rodea.

Los primeros viente minutos de la película me parecen sencillamente sublimes. La sensación de pánico y terror que genera el personaje de Peter Lorre es tremendo, estremece cuando se acerca a los niños. Te genera una angustia terrible en el cuerpo. Esa frialdad del asesino, como le compra un globo, los caramelos, esa candidez tan fría que muestra hacia los niños sobrecoge al espectador.

A partir de ahí, se genera un terror en los ciudadanos auténtico, atacan a cualquier persona sospechosa, se pelean entre ellos, entran las dudas, hay esa tensión en el ambiente que se palpa. Cualquiera de nosotros haríamos lo mismo por defender a nuestros hijos. Aparece entonces la batalla por atrapar al asesino, da igual quien, lo importante es sacar a ese criminal de las calles. Lo tienen claro hasta los ladrones de poca monta y los delincuentes de la ciudad, que sienten la necesidad de buscarlo igual que la policía.

Es verdad que en ese punto la película se para un poco, se empiezan a alargar las escenas demasiado creo que innecesariamente. Esa batalla de haber quien lo encuentra antes, si la policía o los delincuentes me parece un poco absurda. Pierde el efecto que se busca de tensión en la búsqueda, sencillamente porque el personaje de Lorre no aparece en casi media hora de película.

Pero todo ello se te olvida cuando la película alcanza su cenit final. En verdad te pones en la piel del asesino, no digo que te identifiques con él lógicamente, pero entiendes su angustia vital, realmente sientes lástima. Entramos en el debate de la vida y la muerte, lo que es justo o no. Está enfermo o simplemente es un asesino de sangre fría. Que cada uno saque sus propias conclusiones.