Patrick Rothfuss decía aquello de que "Las historias contienen toda la verdad del mundo". Y seguramente esa verdad se haga a través de un continuo entramado de pequeñas historias, obviando la oficial. Una de esas pequeñas narraciones es la que nos ofrece The Windermere Children. Una bonita historia que no oculta su carácter humanista y esperanzador desde el principio y que, pese a estar realizada para mayor gloria y autobombo del Gran Imperio Británico - ¿Para qué esperar el reconocimiento si se lo puede dar uno mismo? - consigue crear una obra bastante bella, basada en estas intrahistorias, una fotografía preciosa y una música a la altura.

La historia de los campos de concentración es terrible, inhumana, salvaje. Algo que en el mundo de hoy absorbemos como algo normal, tanto se ha tratado el tema. En un momento de esta película uno de los chicos dice que, cuando hablen de lo que pasó, el mundo no les creerá. Y lo peor es que el mundo sí les cree, pero no somos capaces de visualizar el horror, tenemos demasiada distancia con una historia que, año a año, queda una vuelta al sol más lejos. Sin embargo seguimos fascinados por todo lo que se hizo en aquellos años. Hitler, Auschwitz, Mengele.. Hablamos de estos nombres como si fueran viejos amigos.

Sin embargo, la cinta de Michael Samuels opta por no mencionar los campos y los horrores más que de pasada. A través de la rehabilitación de unos niños judíos supervivientes al Holocausto en la zona del lago Windermere, historias basadas en hechos reales, nos da una visión tangencial de aquello y se centra más en cómo recuperarse cuando uno ha crecido en medio del terror y la cara más amarga del ser humano.

Con tintes a libros como aquel maravilloso "Si esto es un hombre" de Primo Levi o a películas basadas en la educación como "Song of a Raggy boy" u "Ondskan", narra la rehabilitación basándose sobre todo en la historia de seis de los chicos y una chica, ofreciendo, para acabar, un viaje al presente, presentándonos a los personajes reales que encarnan los actores y nos cuenta lo que hicieron y como salieron adelante.

En general, una obra llena de esperanza, en la que destacan también la cuidada parte técnica, con esos paisajes maravillosos y una banda sonora a la altura. Mención especial, también, para la interpretación de Thomas Kretschmann, que encarna a la perfección ese rol tan señorial que juega en el film.

Según la RAE, un collage es una “Técnica pictórica consistente en pegar sobre lienzo o tabla materiales diversos” u “obra hecha con esta técnica” Desde luego, podemos decir que si el cine fuera como la pintura, Acero Puro sería un collage, pero de manual.

Cierto es que queda muy moderno, muy vistoso y muy comercial el hecho de poner a robots gigantes peleándose entre ellos. Pero, sinceramente, tampoco creo que este espectáculo mueva masas al nivel que nos muestra la película, donde la lucha robótica se asemeja a un deporte de masas nacional, y los robots son los nuevos ídolos de acero a los que alaba el pueblo. Solo falta Charlton Heston apareciendo con las Tablas de la Ley para convertir esta cinta en algo más surrealista.

Y es que, como decía al principio, desde el comienzo de la película tenemos la sensación de que estamos asistiendo a algo que ya hemos visto. Tal vez sea porque se ha hecho un refrito de otros films. Así, según la línea argumental que sigamos podemos encontrar grandes guiones plasmados en un contexto moderno: La relación de un padre acostumbrado a la independencia y que se encuentra con un hijo y congenia con él (Como en Un papá genial), el niño y su fe en un robot al que, de algún modo, da vida con su ilusión (El gigante de Hierro) o la eterna lucha pugilística en que el desconocido en el que nadie cree, gracias a su confianza en si mismo y al duro entrenamiento pone en apuros al campeón invicto, (Una manida historia tratada hasta la saciedad en Rocky)

En fin, que Acero Puro, coge lo mejor de casa, como vemos, para ofrecernos una historia que nada tiene de original, salvo la modernidad de la tecnología punta. Para mas inri, el guión, basado en un relato corto (subrayemos corto), se extiende hasta alcanzar más de dos horas de duración, buscando rizar el rizo de una manera absurda.

Al menos, la banda sonora es adecuada, suponiendo un buen, y largo, acompañamiento, algo nada fácil. Por otra parte, Hugh Jackman muestra su carisma delante del objetivo, siendo su interpretación lo más destacable en un film donde lograr algo así no era especialmente difícil.

Ejemplo de que aunque la jaula sea de oro, no deja de ser prisión. Misma historia, juguetes nuevos

¿Hay algo más puramente creado por el hombre que las ciudades? La historia de las ciudades es la historia de la sociedad. Pero, como todo lo que se crea, uno se siente orgulloso al mismo tiempo que tiene un cierto respeto a que su creación le consuma. Ya lo decía Estrabón: “Ciudad grande, soledad grande”

Ciaran Foy explora esta angustia urbana en su primer trabajo. Y es un trabajo que nos deja con un regusto amargo, al ir de más a menos a medida que pasan los minutos.

El título es muy adecuado: Citadel (Ciudadela, Baluarte) Pues el eje del mismo será un edificio antiguo que se nos presenta en la primera escena. Allí, Tommy (Soberbiamente interpretado por Aneurin Barnard, su papel de paranoico es lo mejor de la cinta) ve como unos niños encapuchados agreden a su mujer embarazada. Los médicos consiguen salvar al bebé, pero no a ella.

Tras ser víctima de una agresión, descubrimos que Tommy desarrolla agorafobia (miedo a los espacios abiertos) Y que, a diferencia de un agorafóbico normal, no se siente a salvo ni en su propia casa, pues siente que esa banda de niños vienen ahora a por su hija. Ni siquiera los cuidados y la preocupación de la enfermera Marie (Wunmi Mosaku) podrán sacarle el terror desaforado de encima. Como he dicho, la intepretación de Barnard merece un aparte, es capaz de transmitirnos todo su miedo. La ciudad, espacios vacíos, lúgubres, casas pobres, el clima contaminado, se nos muestra en su extensión más desoladora para contribuir a la sensación agorafóbica y de pánico.

Y entonces, cuando todo parecía encaminado a ser una buena obra de terror psicólogico, se empieza a volver delirante por momentos. Aparece un sacerdote loco que quiere quemar el edificio porque dice que la banda de niños no es humana. Los mismos niños se muestran como una especie de demonios. Del terror psicólogico pasamos a una extraña mezcla entre Mars Attack!, The Punisher y El sexto Sentido, pues con ayuda de uno de los niños fugados, Tommy debe acabar con todos los demonios derribando el edificio, su citadel particular.

Podría parecer que todo esto quiere ser una metáfora de cómo vencer el miedo y de la auto superación, pero la entrada de elementos demoníacos, sangre gratuita, escenas de pelea y demás trucos de terror fácil acaba con la gran primera parte de terror psicológico para convertirlo en un largometraje más. Uno que no se nos queda en la memoria y que nos deja con la sensación de decir aquella consabida frase: Lo que pudo ser y no fue.

La Segunda Guerra Mundial es uno de los períodos de tiempo más interesantes, indudablemente, de la historia. Hemos llegado a tener muchas visiones de ella, muchas representaciones en la cultura: En el arte, en la literatura, en el cine, etc. Sin embargo, en bastantes ocasiones supeditamos la realidad a la ficción. Y en el caso de nuestro país, la vemos como algo lejano, como algo que no pasó en realidad. Aquí estábamos viviendo los efectos de nuestra propia guerra, dicen muchos.

Por eso me ha impactado tanto el documental sobre Francisco Boix. Francisco Boix, un fotógrafo en el infierno, se llama. Un documental que nos muestra el papel que tuvo uno de nuestros compatriotas a la hora de enjuiciar a los nazis una vez pasada la guerra. Asimismo, se nos muestran las consecuencias que tuvo la Segunda Guerra Mundial para algunos de los españoles que no estaban en el país.

Bien es cierto que para hablar de guerra siempre es necesario hablar de política. Por ello, tal vez, el documental sea en cierto modo más político que biográfico en su primera parte. Se nos habla de la figura de Francisco Boix, sí, pero no se nos habla del Francisco Boix fotográfo. Se nos habla del Boix comunista, y del movimiento comunista exiliado en Bélgica en aquellos tiempos. Y de cómo este movimiento fue encarcelado y llevado a un campo de concentración.

No puedo evitar hacer un paralelismo entre el documental visto y ese gran libro de Primo Levi, Si esto es un hombre, en el que se expresaba muy bien la diferencia de los presos políticos con los demás, y las prioridades que estos tenían sobre aquellos. Me parece que el largometraje refleja muy bien esto, al contarnos como el movimiento se pudo organizar aun dentro del campo, y pese a estar también sometidos, como podían trabajar, o conseguir ciertas cosas aun con dificultades.

Así se nos introduce a Boix, que va pasando por distintos puestos de trabajo en el campo, hasta llegar a ser uno de los fotógrafos. A partir de ese momento comienza la verdadera historia, como consigue, gracias también a ayuda exterior, a salvar los negativos de las duras imágenes que le obligan a fotografiar. Como aprovecha sus circunstancias, sus contactos, sus movimientos. Como, gracias a este pequeño acto, meticuloso pero heroico, podrá luego juzgar a personalidades importantes dentro de los altos mandos de las SS. Como todo eso se hace gracias a un poco de suerte y mucho de coraje de un hombre.

Como se ha dicho al finalizar el documental, parece que Cappa es el único fotógrafo de la guerra. No obstante, se ha demostrado que dentro de nuestras fronteras ha habido otro, quizá mas importante aun incluso, por las consecuencias que tuvieron las imágenes por el captadas.

Francisco Boix es, sin duda, el fotógrafo olvidado. Y merece una reivindicación por nuestra parte. Un documental muy interesante y muy recomendable de ver.

Crítica realizada para lalenteconcava.es

Las comedias de situación no suelen defraudar a nadie: No son tramposas ni enrevesadas, no se pierden en matices ni palabras no dichas. Hay películas comerciales, destinadas a obtener la carcajada del público masivo. Es lo que ocurre en la nueva película de Diego Kaplan, Dos más dos, una comedia construida a base de guión y buenas interpretaciones, que entretiene sin llegar a deslumbrar.

Desde luego, probablemente no sea una de esas películas que se quedan en la memoria del espectador, pero cumple su propósito: Es divertida, es provocativa y aborda el tema de la comedia romántica desde una perspectiva bastante curiosa, pues en la cinta vemos el fenómeno “swinger” (Intercambio de parejas) en todo su apogeo: Personas asentadas y materialmente satisfechas que aprovechan esta veta del amor libre para tratar de experimentar nuevas aventuras. Por supuesto no son inmunes a las complicaciones que acarrea este modo de ver la vida.

Richard (Juan Minujín) y Betina (Carla Peterson) son una pareja de unos 40 años, que una noche les confiesan a sus amigos Diego (Adrián Suar) y Emilia (Julieta Díaz), también pareja, que ellos son “swingers”. Pronto plantearán a sus amigos que compartan esta práctica con ellos, algo a lo que Emilia se presta entusiasmada, aunque a Diego, más conservador, le costará más aceptar esta idea.

De este modo, son los actoresquienes van desarrollando una historia plana, pero que nos transmite matices a través de sus personajes. Tanto en los prejuicios contra una práctica socialmente vista con reticencia de Diego como la serenidad vital de Richard, o lo desinhibido de Bettina contra la timidez aventurera de Emilia nos muestran actitudes, no ya ante el sexo, sino ante la vida que pueden ser dignas de elogio. La química entre los cuatro juega un papel esencial, pues la relación entre ambas parejas es el núcleo de lo que vemos.

La interpretación de todos ellos es correcta, sin llegar a ser nada destacable tampoco, salvo quizá un histriónico Adrián Suar, cuyo maniático y conservador personaje será el encargado de sacarnos una sonrisa durante la primera parte del film. También se nota la ausencia de algunos secundarios que aligeren un poco la historia principal (salvo la honrosa excepción de Alfredo Casero como gurú del sexo, cuyas pocas apariciones son siempre estelares)

Técnicamente, además de que alguien debería decirle al montador de la película que existen recursos más allá del fundido en negro para cambiar escenas, pese a tratar todo el asunto con el erotismo que corresponde al intercambio de parejas, el largometraje no llega a ser explícito, se queda en sugerente. Se habla de sexo mucho más de lo que luego se ve, no vemos absolutamente nada más de lo permitido.

Y es que, al final del todo, la sensación que tiene uno al salir de ver esta cinta es que son sus pretensiones comerciales las que la alejan de convertirse en un producto mucho mejor. Pese al buen planteamiento inicial, las correctas interpretaciones, y el punto de vista novedoso sobre un tema clásico, sus pretensiones de llegar a un público masivo hacen que caiga en tópicos manidos que ya hemos visto mil veces en pantalla, restándole calidad. El final feliz, las pretensiones moralizantes y el cambio de ritmo y estructura narrativa entre la primera y segunda parte del metraje nos hacen preguntarnos más por lo que podría haber sido con un poco de más de valentía por parte de sus creadores.

Crítica realizada para cinemaldito.com