La primera de las tres veces que Kurosawa abordó el género de cine negro ya dejo claro que no pensaba pasar por él de forma desapercibida. El ángel Ebrio es una película que ante todo es fruto del mejor Kurosawa de aquellos primeros años. Kurosawa ya había pasado el proceso de adaptación a la dirección de sus primeros trabajos llegando a una considerable madurez, en la que había entendido y sabido aplicar lo que la imagen puede trasmitir independiente de los diálogos, tal y como los trabajos de sus admirados Ford y Renoir le habían enseñado. Esto, sumado a su gusto por la literatura y la pintura hacían que cada proyecto fuera ganando en interés y calidad. El Angel Ebrio es tal vez su primera película de madurez, la que inicia un periodo tremendamente interesante, que seguirá con trabajos del calibre de Duelo Silencioso, Perro Rabioso, Rashomon y que concluirán con Vivir. A excepción de Rashomon, que se separa de las constantes temáticas de esta etapa, el resto aborda a través del cine negro o el drama un retrato del Japón de posguerra muy cercano al neorrealismo italiano. En este caso nos introduce en la difícil relación entre un doctor alcohólico y un gangster tuberculoso que va a su consulta. El retrato de ambos por separado y de su relación termina imponiéndose a la trama gansteril y al retrato social. Si caer en el sentimentalismo fácil, la historia es un emotivo retrato de perdedores en busca de redención. Los actores están simplemente increíbles. Mifume colaboraba por primera vez con Kurosawa y da toda una lección de presencia física y de variedad de registros. Kurosawa decía que no quería que el personaje resultara muy atractivo teniendo en cuenta el personaje, pero en cuanto que Mifume se puso delante de la cámara, eso fue inevitable, incluso en la fase mas grave de la enfermedad. Sin embargo, aunque pocas veces ocurriría esto después, quien se lleva en mi opinión la película es Takashi Shimura, otro habitual del director que lo mismo hacia un papel importante que uno pequeños de secundario. El veterano actor compone un personaje complejo, lleno de aristas, que lo mismo estalla ante la bravuconería de Mifume que lo vemos tratar compasivamente con sus pacientes. Su personaje es sencillamente entrañable. El guión en general está muy bien escrito, incluidos los pocos personajes secundarios que deambulan por la vida de ambos y que definen a estos y suelen materializar delante de ellos sus dilemas internos. Y por supuesto, el director demuestra ya un absoluto dominio del medio, tanto en la puesta en escena, como en el ritmo o en la utilización de objetos como metáforas. Como claro ejemplo estaría la escena del sueño, de una inusual fuerza y belleza visual. El Ángel Ebrio es sin duda el primer gran trabajo de Kurosawa, un ejercicio que mezcla con acierto neorrealismo, expresionismo, cine negro y drama intimista con elegante equilibrio.

Sin duda The Mosquito Coast sigue siendo a día de hoy la película más infravalorada de la filmografía de Weir junto a Fearless. Los que habían leído la novela vieron insatisfechas sus expectativas; los que esperaban ver otra aventura de Harrison Ford simplemente se aburrieron. En mi opinión The Mosquito Coast vuelve a ser un bello ejemplo de caligrafía y temática weiriana, un film en su conjunto muy sólido, algo pretencioso, pero decididamente acertado en su retrato del personaje principal y en la crónica del brutal impacto cultural e ideológico que muestra. Aunque el resto de los personajes son mucho mas esquemáticos, parece que el guión los ha tomado como contrapunto para definir al protagonista, aunque están bien tratados y en particular mejor sugeridos por el director. En cualquier caso el principal defecto del que adolece es un final que, sin ser malo, no está a la altura del resto del film. También es cierto que aunque Harrison Ford realiza una de sus mejores interpretaciones (la última de su mejor etapa profesional) el personaje tal vez le queda algo grande, dejando al descubierto sus carencias como actor. El que mayores halagos se lleva, sin duda, es el director australiano, que vuelve a hacer gala de su hipnótico y fascinante estilo visual cargado de significados y sugerencias, que sabe sacar encuadres de poderosa fuerza visual (véase la toma desde el río de la maquina o el primer plano de Ford después de la explosión) y además logra manejar de forma equilibrada los elementos de los que dispone (actores, localizaciones, historia…), apoyándose parcialmente en unos brillantes trabajos de fotografía y banda sonora (Jarre). Es cierto que The Mosquito Coast es una película irregular, imperfecta y aún así maravillosa. Durante gran parte del film Weir nos regala un magistral estudio audiovisual sobre el choque de culturas, la obsesión o los fanatismos que se sigue con autentico placer. Y eso no lo hace cualquiera. Muy recomendable.

Extraordinaria obra maestra de Ray que reafirma el inmenso talento del director, haciendo un conmovedor retrato sobre la decadencia de la nobleza, la muerte de la tradición frente al progreso, la obsesión y la soledad. El relato corto que narra la caída de un noble (Roy) que representa a la tradición frente a la subida de su vecino, un prestamista convertido rápidamente en nuevo rico, sirve a Ray como excusa para bombardear al espectador con una espectacular muestra de puesta en escena rica y sutil (véase el plano de del elefante y el coche), que aporta matices y detalles, que se vale de constantes simbolismos y metáforas esenciales en la narración (la lámpara, el insecto, el caballo…) y cuyo manejo de la cámara se muestra imaginativo, ágil y enormemente fluido (como el largo plano que recorre el salón de música vacío). Y de paso es todo un derroche de elegancia, logrando momentos de gran belleza plástica. Una de las claves del efecto final es la magnífica interpretación de Chabi Biswas como Roy, en un papel difícil pero al que dota de credibilidad y dignidad en sus distintas fases emocionales. En cuanto al retrato que hace de la caída del poderoso y la nobleza India, tiene puntos en común con obras emblemáticas del calibre de El Cuarto Mandamiento de Welles (y por extensión con otros personajes de su obra) o El Gatopardo de Visconti, a las que ciertamente no tiene nada que envidiar. Sin embargo tal vez el motivo por el que más se recuerda el film es por el rendido homenaje que hace el director a una de sus pasiones: la música. Todas las escenas musicales delatan a un autor enamorado de la música, logrando convertirnos en uno más de los privilegiados invitados al salón de música de Roy. Jalsaghar es una lección superlativa de cine, una profunda reflexión sobre el ser humano y en definitiva, un autentico placer para los sentidos. Obligada.

Dando un giro importante con respecto a sus tres anteriores trabajos, Rescue in New York aborda el genero futurista como mera excusa para hacer una imaginativa crítica sobre la era Reagan y sobre muchos de los pilares de la sociedad americana. Para ello parte de un genero establecido para moldearlo a su gusto, saltándose cualquier tipo de norma establecida para seguir imponiéndose como uno de los grandes rebeldes del cine americano. Aprovechando de forma asombrosa los pocos medios de los que dispusieron, Carpenter nos introduce en un desolador futuro, peligrosamente cercano, en el que una crisis política esta a punto de crear un conflicto mundial en el que el presidente de los EEUU puede tener un papel decisivo. De forma paralela, la isla de Manhattan (autentico baluarte del capitalismo made in USA) se ha convertido en una prisión de máxima seguridad donde van todos los criminales e indeseables del país, donde los sueltan sin ningún tipo de vigilancia desde el interior de la isla. Exclusivamente impiden que nadie salga. El secuestro del presidente dentro de la isla provocara que el protagonista intente, a la fuerza, una misión suicida para liberar al presidente a tiempo de poder intervenir en la cumbre mundial. Contrario a lo que ofrece el cine actual, Carpenter no hace una película centrada en la acción sino basada en una cuidadosa puesta en escena, una dirección tan clásica como suele ser habitual en él y un evidente sentido del humor, de la parodia y del homenaje cinéfilo. Como protagonistas absolutos Snake Plisken, prototipo de antihèroe carpenteriano, y el apocalíptico paisaje urbano de un Manhattan amenazante y nocturno. Magnífico Kurt Russell en su emblemático papel de Snake, al que aporta la dosis justa de desencanto y cinismo que requería el personaje. Ambientación esplendida, buenos efectos especiales y una música tan sencilla y repetitiva como perfecta para crear ese aire irónico que circula por todo el film. Carpenter aporta un agradecido toque de frescura al género, sin prescindir de un contenido adulto en su critica social que dejará preparado al director para afrontar con éxito la que sera una de sus grandes obras The Thing, y que posteriormente perfeccionaría en su remake/secuela 2013: Rescate en L.A.

En los 80 se creó un nuevo tipo de película de entretenimiento que nos ha marcado a muchos de los que nos criamos en esa década, presidida por las películas dirigidas y producidas por Spielberg, que aunque denotaban cierto respeto y nostalgia por el cine clásico, crearon una nueva forma de entender ese tipo de cine, generador de aventuras, fantasías y regocijo general de niños, adolescentes y algunos adultos, con títulos emblemáticos como Regreso al Futuro, Gremlins, La Princesa Prometida, La historia interminable, Los Goonies, El arca Perdida o E.T. Algunas eran brillantes, otras distaban mucho de ello, pero esa mezcla de géneros con mucho sentido del humor, eran terriblemente divertidas. Por desgracia son pocas las películas que han conservado ese espíritu desde entonces, con dignas excepciones como Jumanji, Holes, Pequeños Guerreros, Zathura, Tintín o la aventajada Super 8. Creo que Goosebumps (Pesadillas) está en ese grupo. Cuenta con una idea no especialmente original pero muy bien explotada en la película, dejando fluir la imaginación del espectador hacia todas esas referencias de cuentos e historias de terror de su subconsciente. Lo hace a través, una vez más, de los ojos adolescentes de sus protagonistas, logrando, al menos en mi caso, sentir parte de lo que estas películas lograron transmitirme. Por tanto estas palabras tal vez sean más emocionales que empíricas. Percibo que no hay un guion muy elaborado, al menos en personajes, que a cambio se centra en la parodia/homenaje al género y en elaborar abundantes toques de humor, tan simple como efectivo, y deja al resto de departamentos técnicos que creen ese mundo de fantasía terrorífico tan fundamental para que funcione la sencilla trama, realizando un excelente trabajo en efectos especiales, fotografía, banda sonora y ambientación. El director también sabe imprimirle buen ritmo. Es una película carente de aspiraciones excepto divertir. Y creo que lo hace a un grado más que razonable. Conmigo lo consiguió, incluso consciente de sus limitaciones. Es cierto que este tipo de películas reclaman del espectador algo de complicidad, de aceptación sus reglas. De pecar de crédulo e inocente mientras no aparezca la palabra “Fin” en pantalla (o hasta después de eso). No es una gran película, pero fui un crédulo inocente contento hasta que terminó. Me vale.