Gracias a una excelente y sombría puesta en escena de cuidada ambientación de la época, asistimos a una fábula moral desgarradora, cruel y despiadada, oscura y perversa, pesimista y ominosa. Película que supera la original de 1947, de la que he tenido la ocasión de ver recientemente antes de la de Guillermo del Toro, detallando y ampliando una maldad intrínseca en modo superlativo. Un melodrama en clave de cine negro que denigra el arribismo por su bajeza moral. Esta nueva y lujosa producción, a diferencia de la anterior, mucho más sucinta y modesta, amplía y enriquece los personajes mayoritariamente deleznables a excepción de Molly (gran trabajo de Rooney Mara), cuyo físico aparentemente vulnerable nos cautiva, llena de bondad pero absolutamente lúcida que ve en el buscavidas y seductor Stanton Carlisle (un excelente Bradley Cooper), la oportunidad de cambiar de rumbo junto al hombre que ama. Escapando de la protección del segundo personaje positivo que es el forzudo Bruno que ejerce de tutor de la joven de la atracción eléctrica.

La novela de William Lindsay Gresham “Nightmare Alley” (Callejón de pesadilla), es el retrato en negro de unos personajes que intentan sobrevivir a una suerte esquiva, recrea un universo de miseria moral y social representada en esa caravana nómada de feriantes con sus destartalados carromatos que da asilo a indigentes y prófugos, sin preguntar su procedencia, pues está lo más típico de aquellas ferias ambulantes pobladas de freaks, pitonisas, charlatanes y hasta “El engendro” que se debate entre lo humano y lo animal, entre el alcoholismo y el “delirium tremens”, una bestia construida a imagen y semejanza de sus perverso creador (un siniestro y convincente Willem Dafoe). Pero para que el espectáculo deprimente y sórdido funcione se necesita al público ávido de emociones fuertes, que se deje sorprender entre la curiosidad y el morbo por lo insólito y lo grotesco, el engaño y la estafa más burda, que lamentablemente no entiende de clases sociales incluyendo a los ricos, porque siempre habrá desvalidas almas dispuestas a creer la mentira más absurda que libere sus traumas.

Embaucador sin escrúpulos, mujeriego y ladrón de ideas, amoral estafador traicionado, asesino sin vocación, charlatán de feria, pero un gran manipulador de la psicología humana, lleno de intuición y brillante observador de las debilidades más prosaicas que utiliza con astucia. El gran Stanton es un presuntuoso que se sirve de sus innatas habilidades para empatizar con el mismo diablo encarnado en esa mujer fatal que borda la seductora y ladina Cate Blanchett. Un film de violencia extrema y gran densidad dramática que pese a contar una historia pretérita no deja de ser un espejo de la atemporal realidad en las relaciones humanas. La ambición más blasfema en una obra peculiar e insólita para estos tiempos escasos en valores, que afirma y proclama el dicho popular… “El que juega con fuego, acaba quemándose”.

La parodia, el sarcasmo, la crítica mordaz, tiene su gracia en el ingenio y la habilidad de mostrarla con sibilina astucia. El problema es que entre lo grotesco o esperpéntico y lo patético o ridículo hay una linea muy fina que la brocha gorda y desmedida lo emborrona transformando el humor vitriólico en una patochada para espectadores poco avezados que parece que no se han enterado a estas alturas de la sociedad del siglo XXI que sufrimos. Esta cinta cree descubrirnos con ese humor tan poco sutil, tan primario o más bien chabacano que estamos rodeados de políticos idiotas, programas de televisión basura e informativos que deforman la realidad al amparo de un sueldo bien remunerado. No hablemos ya, de capitalismo voraz, de imperialismo patológico, descerebrados científicos, emprendedores avaros, presentadoras ninfómanas, redes sociales donde todo iluminado anda sentando cátedra con ocurrencias absurdas que compiten entre ellos por ver quién ofrece la aberración más estúpida, mientras cientos y miles de cretinos le siguen el juego con la boca abierta intentando digerir la trola más absurda.

Soy de los convencidos en que el talento de los guionistas se ha trasladado a las series televisivas, brillantes muchas de ellas en detrimento del cine actual, algo infantilizado que navega a la deriva de sagas de superhéroes y pirotecnia digitalizada, ruidosa y sincopada, aunque no siempre las plataformas aciertan, como es el caso de esta peli que pese a su vitola de gran producción, a su catálogo de actores de primer nivel, ninguno de ellos está a la altura de su prestigio, todos desaprovechados lamentablemente. Porque el argumento es ridículo y prosaico, sin malicia ni una pizca de ácido satírico con qué empatizar, porque el film adolece de brillantez para abordar la reflexión con aguda pericia, y sobre todo no valora la inteligencia del espectador, menospreciando su capacidad de análisis de nuestra sociedad que nos abruma con tanta zafiedad.

Me parece que la gente no es lo exigente que debiera y se deja embaucar con productos poco brillantes donde todo es previsible y tosco, de una simpleza bochornosa que te obliga a sufrir estoicamente dos horas de tedio y sopor, sin gracia ni algo que se le parezca. Huérfana de un mínimo sentido tragicómico, en consonancia con lo que aborda, creo que la inspiración brilla por su ausencia, todo huele a desgana, apatía, desidia por lo que nos quieren recrear, lo siento por los que crean que es un gran hallazgo creativo, pero me parece un fiasco, por no recurrir a algo más fuerte, que no aportará gran prestigio a la comedia satírica. Parece ingeniosa pero le falta talento, lástima de mis dos horas padecidas para tener que escribir esta reseña que siendo sincera no pretende más que expresar un punto de vista personal de un amante de la comedia en todas sus facetas, pero desde el oficio de entretener y divertir, tomándolo muy en serio y respetando la pericia del espectador. Un espanto de presunta comedia satírica.

Admirable recreación histórica, llena de referencias iconográficas de la época, verano de 1941 fielmente mostradas. No en vano la dirección artística corre a cargo del famoso Dean Tavoularis que nos encandiló con la saga de “El Padrino” y otras películas de Francis Ford Coppola, también hay que resaltar la fotografía de espléndida iluminación por John A. Alonzo que había filmado la sugestiva “Chinatown”. Lo más destacable del argumento, libremente basado en la novela homónima “Farewell, my Lovely” de Raymond Chandler, uno de los grandes de la novela negra, es la capacidad para actualizar el universo literario del autor, recuperando lo más sórdido del cine negro de los años 40. Muy acertada es la evocadora música de David Share que acompaña puntualmente los momentos más importantes del film, ese saxo penetra y seduce como la atracción fatal de una exuberante Charlotte Rampling en el mejor momento de su carrera en Hollywood.

Asistimos a una trama enrevesada que entrelaza el camino de varios personajes sin relación aparente, que poco a poco irá desentrañando el detective Phillipe Marlowe al que han contratado para encontrar a una misteriosa mujer de nombre Velma. La voz en off describe y matiza situaciones y circunstancias, muy típica y habitual en este tipo de relatos. Un Robert Mitchum que pese a ser algo mayor para el papel, lo borda gracias a su presencia física y cansina, con su mirada lacónica, a ratos hierático y sus respuestas de una ironía latente, el personaje es tan atractivo que nos hace empatizar con su arriesgado trabajo. El resto de secundarios cumplen dignamente para construir un retrato de personajes típicos de este género cinematográfico, donde no falta la corrupción política, asesinatos, prostitución y drogas.

El cine “Retro” estaba entonces de moda en los años 70, impregnado de una corriente nostálgica que reivindicaban películas como la mencionada “Chinatown” o la no menos recordada “El gran Gastby”. El director Dick Richards había sido anteriormente fotógrafo destacado de las revistas “Life”, “Esquire”, “Vogue” y realizador de spots publicitarios. Su trabajo aquí, se decanta por una planificación que describe una atmósfera mórbida y decadente donde prevalecen las escenas nocturnas, propiciando una buena dinámica del ritmo cinematográfico de elaborada puesta en escena. La novela ya había sido llevada al cine por Edward Dmytryk en 1944, con el título de “Historia de un detective” para la RKO y que no tuvo gran repercusión ni figura entre las mejores del film noir. “Adiós, muñeca” permanece en la memoria cinéfila por su escepticismo palpable, pero que nos deja un elegíaco mensaje sobre la amistad.

Desgraciadamente no vi este documental en su momento, pero más allá de los músicos y su gira por Amsterdam y Nueva York, gracias a Ry Cooder, amigo del propio Wenders, al que puso música en algunas de sus películas. Destaca su afán desmedido por homenajear y reconocer a estos grandes músicos olvidados por el aislamiento y la pobreza del régimen cubano. Me ha encantado la forma de preservar su cultura y su música, su idiosincrasia y el amor a su tierra y gentes. En cambio me ha producido asombro y bochorno la lamentable forma de vida que aún perdura en esa perla del Caribe. Contemplar este documento ahora es muy interesante para ver con perspectiva la evolución del marxismo comunista.

Pasear por las calles de La Habana, como vemos en el documental es como retroceder en el túnel del tiempo a una época muy pretérita, pues el paisaje urbano es descorazonador, edificios sin rehabilitar que se caen a pedazos, cacharros con ruedas que denominan coches, son más bien cafeteras o artilugios destartalados, el asfalto pleno de socavones, los transeúntes visten harapos con aspecto triste y desaliñados, perros famélicos, niños de mirada perdida, vecinos reunidos en la calle en torno a un dominó, trabajos con unos sueldos de pena, la pobreza y la miseria campan sin pudor, un paisaje que parece anclado en los años sesenta de la reciente revolución castrista, muertos El che, Fidel y la tropa que le acompañaba, y ahí siguen sus herederos con más sectarismo y opresión que nunca en pleno 2022. Por supuesto que esta reseña no pretende humillar al pueblo cubano sino defenderlo y denunciar el calvario que viven cada día sin esperanza en un oscuro futuro.

Son un grupo de músicos condenados a la pobreza y resignados a la tiranía comunista que soportan con resignación, el abandono y la desidia de unos "jerifaltes" sectarios perpetuados en el poder, anclados en su rancia ideología que siguen exportando a toda Sudamérica sin pudor, así les va a los hermanos hispanoamericanos. El yugo de las dictaduras (pues utilizan la democracia para luego revertirla como Venezuela) otean en un cercano horizonte, aunque permanece la utopía de que algún día alcanzarán la libertad para pensar sin coacciones ni represalias.

Winston Churchill definió a la izquierda con unas palabras antológicas que siguen vigentes en pleno siglo XXI: “Es la filosofía del fracaso, el credo a la ignorancia y la prédica a la envidia; su virtud inherente es la distribución igualitaria de la miseria”. Su clarividencia alude al desprecio a la iniciativa del individuo, la aversión al talento del emprendedor, a esquilmar con impuestos confiscatorios al que produce riqueza con el trabajo y el esfuerzo. Es la filosofía macabra que desincentiva el mérito del que persevera en mejorar, con la pueril escusa de que hay que corregir la desigualdad quitándoles a unos para ayudar a otros más pobres, asunto muy loable lo de la justicia social, pero mejor es un trabajo digno que una limosna esclava. La izquierda sigue vendiendo un populismo demagógico que estigmatiza al emprendedor y desmotiva la búsqueda de empleo. En estos tiempos, el desprecio hacia el triunfador es asumida por el mediocre o vago para saciar su autocomplacencia más impúdica.

El cine musical ha sido tradicionalmente un género carente de prestigio y de seguidores – por lo menos en el momento actual –, cuando no relegado a mero pasatiempo para nostálgicos. Buena prueba de ello es que apenas haya una trentena de reseñas sobre este musical, siendo un estreno navideño del aclamado Spielberg. Se trata, sin duda, de una reducción simplista que ignora, por comodidad y rutina, cuando no lobotomizados por la apabullante pirotecnia visual con dos lineas de argumento para todo el film. Mientras se desprecia el esfuerzo creativo, la búsqueda de nuevas soluciones espacio-temporales y, por qué no, la vivacidad, la imaginación y la fantasía inherentes al género. Una verdadera fiesta para los sentidos, la magia de sus imágenes y su poder de fascinación.

La nueva versión del musical West Side Story de Spielberg es una relectura económica y social con la perspectiva de los años transcurridos. Más allá de la romántica historia de amor emanada del clásico de Shakespeare, se detiene en mostrarnos un realismo despiadado. La situación del Upper West Side (subiendo por la Avenida Broadway hasta central Park a la izquierda), un área que estaba a finales de los 50, en liquidación por derribo para reformular la zona expulsando a sus moradores, pobres y desarraigados en constantes conflictos sociales para dar paso a un nuevo proyecto urbanístico de la zona. No es baladí que aparezca en un primer plano el diseño del complejo cultural Lincoln Center (Teatro de ópera, sala de conciertos y danza, escuela de música, etc.) y le acompañaran casas y apartamentos para ricos, mientras la pobreza será trasladada fuera de Manhattan. Los Jets y los Sharks se enfrentan por un territorio que ya han perdido como muy bien lo apunta el sargento responsable del distrito, son mera escoria que pronto será erradicada.

La música incidental, la letra y las canciones, sobradamente conocidas por los amantes del género, se mantienen intactas, imposible mejorarlas, pues describen las situaciones de forma apabullante. Pero sí que hay cambios sustanciales en el comportamiento de los jóvenes que aquí no son meros gamberros pendencieros y mal educados, ahora los vemos como seres agresivos que llevan el odio en sus ADN personales, es la visión pesimista que plantea Spielberg. Ha cambiado la película de Estudio por una historia físicamente urbana decorada por escombros y ruinas de una zona en descomposición que va a ser demolida en su integridad. Los actores cantan, bailan y actúan de forma impecable, se nota la preparación de los jóvenes de hoy en una sociedad tan exigente en el tema del espectáculo musical, lo competencia es muy dura, sólo hay que ver los castings para cualquier musical en teatro. No creo que esta película sea mejor o peor que la anterior de Wise, pienso que es distinta en su planteamiento artístico y de aspecto dramático. Una puesta en escena muy realista y desoladora, alejada del glamour y los estereotipos que se pretendían transgredir a principios de los sesenta. Los cambios son mínimos y siempre en beneficio de la trama, la coreografía asombrosa y descriptiva en todo momento. La fotografía me parece deslumbrante por la dificultad de rodar en la calle de día o de noche, el ritmo es trepidante porque no te suelta en ningún momento, los 150 minutos pasan volando. He de reconocer que iba con algunos prejuicios y me ha sorprendido favorablemente el trabajo de Spielberg que llevaba años tras un proyecto musical y creo que lo ha hecho muy bien. Película muy recomendable dentro de la mediocridad en la oferta cinematográfica navideña.