Come True es un caótica, hipnótica y extraña, como pueden ser los sueños.

Tercera película del director canadiense Anthony Scott Burns, donde él mismo es responsable del guión, la fotografía y la música. Estamos pues ante una propuesta muy personal, apadrinada por el productor Vincenzo Natali.(Cube (1997)). El film parte de una premisa ya vista: adolescente con problemas para conciliar el sueño y aporta una nueva mirada al incorporar un dispositivo capaz de mostrar lo que ve una persona que está soñando. Todos estos elementos hacen del film a priori una propuesta tremendamente interesante con muchas posibilidades.

Lamentablemente estamos ante una propuesta irregular desde el punto vista dramático. Con exceso de metraje para lo que finalmente nos cuenta, su mejor baza es la utilización inteligente de imágenes con textura retro, algo que recuerda al cine de Cronenberg. El tono onírico y triste potenciado por las ochenteras músicas de Electric Youth la emparenta con films como It Follows (2014) o Nightmare on Elm Street (1984) y es lo mejor del film.

El desarrollo dramático se va desinflando y la trama avanza caóticamente hasta llegar a un desenlace más que discutible. En cualquier caso, si obviamos algún momento videoclipero totalmente sobrante, no deja de ser un film estéticamente sugerente con momentos hermosos que justifican, en parte, su visionado.

Film que reivindica un personaje mítico para todos aquellos que nacimos en los años 70. En la cola de entrada a la Sala se respira excitación por rescatar un héroe de nuestra infancia. 92 capítulos en los que Toei Animation nos hizo vibrar con personajes como el Doctor Infierno, El barón Ashler (Ashura en la versión original), Koji Kabuto, Sayaka, etc. Una animación tosca vista a ojos de 2017, pero compensada con creces con abundantes dosis de acción, épica, humor, y esa canción que sonaba en los créditos, que tenemos grabada en nuestra memoria 45 años después.
Curiosidad por ver la puesta al día del personaje, de la técnica, las tramas. Dudas sobre nuestra reacción, predispuesta por la nostalgia, condicionada por las expectativas..

La trama nos sitúa 10 años después del último enfrentamiento entre MazingerZ y el Doctor Infierno. Koji Kabuto es ahora un científico en el Laboratorio de energia Fotónica que dirige Sayaka. El profesor Yumi, padre de Sayaka, es ahora el primer ministro de Japón. La aparición en el Monte Fuji de una amenazadora estructura, y de una extraña forma de vida, dan paso a un nuevo enfrentamiento entre MazingerZ y su archienemigo el Doctor Infierno.
Y así, 95 trepidantes minutos, donde hay sitio para todo. Y donde nos damos cuenta que nuestra mirada adulta, aprecia matices que se nos escaparon de niños: Dosis de machismo, tratamiento de la mujer políticamente incorrecto, humor naif propio de la cultura japonesa, trasfondo espiritual…

Pero en cualquier caso, MazingerZ Infinity nos ofrece lo que esperábamos: puesta al día del look visual, técnica de animación siglo XXI, personajes entrañables con una evolución verosímil, engendros mecánicos que hacen las delicias de nuestra fantasía, luchas repletas de acción y momentos de reflexión, humor, amor, y todo ello rescatando y reinterpretando la música original de la serie.

Pero ahora con ojos de adulto, me alegra comprobar, que un film de animación supuestamente de mero entretenimiento es capaz de plantear con naturalidad sugestivas reflexiones sobre nuestro papel en el mundo, las consecuencias de nuestras elecciones, la sencillez, la felicidad, la empatía…

Salimos del cine satisfechos, con la sensación de haber visto un film que recordaremos.

Barbaque es una cáustica comedia negra que destila incorrección política por todos sus poros.

En un mundo polarizado, obsesionado con la corrección política, donde las redes "arden" a la mínima y todo el mundo se ofende, son necesarios films como Barbaque.

Trama simple, humor irreverente y provocativo en un guión sin filtro que no se corta un pelo para repartir leña contra veganos, anti-veganos, racistas, clasistas, homofobicos, misoginos, etc...

Buen pulso en la dirección, ritmo vertiginoso. Un festival de risas y sangre, sin complejos, ni más pretensiones.

Pablo Berger, responsable de maravillas como Abracadabra (2017), Blancanieves (2012) o Torremolinos 73 (2003), plasma su amor por el cine y su buen hacer en esta obra maestra que es Robot Dreams, adaptando el cómic homónimo de Sara varón.

Una película de animación que nada tiene que envidiar a Pixar, en tanto funciona como propuesta colorista y entretenida para público infantil sin renunciar a capas adultas o referencias cinéfilas que enriquecen la propuesta.

Decía Hitchcock que las películas deberían poder seguirse sin los diálogos, y el film juega fuerte en este sentido. 90 minutos de animación simple sin diálogos y puesta en escena funcional, que se centra en presentarnos en encuentro/desencuentro entre un perro y un robot.

El film ignora cuestiones accesorias (porqué solo hay animales?, que tipo de vida llevan? Trabajan? Por qué los robots son autoconscientes? etc…) para centrarse en la emoción. La relación entre el perro y el robot, ilustra temas como la soledad, la amistad, el amor, el azar o la fragilidad de las relaciones.

Uno de los grandes aciertos de la película es situar la acción en ese gran plató en el imaginario popular que es la ciudad de Nueva York (su director vivió allá 10 años), concretamente en los años 80. Agregando una capa de encanto vintage y referencias a la cultura pop que le vienen muy bien a robot Dreams. Mención aparte es la cuidadísima selección musical (magistral la utilización recurrente del September de Earth Wind and Fire!).

El film plantea una cuidadosa ambigüedad de género a sus personajes, lo cual universaliza mucho más su mensaje sobre el amor y las relaciones. Sin ser totalmente comedia, conserva en todo momento un tono vitalista y consigue tocar la fibra al espectador.

Estamos ante uno de los mejores films de animación de los últimos tiempos, que ojalá tenga un buen recorrido comercial. Bravo!

Lola es una brillante propuesta de ciencia ficción con envoltorio de found footage, que mezcla ingredientes tan sugerentes como viajes en el tiempo, cultura popular, diversidad o nazismo.

El film parte de una premisa conceptualmente lúcida (la posibilidad de captar emisiones audiovisuales del futuro desde el pasado), pero el film no se queda ahí. Arriesga en su desarrollo dramático introduciendo temas de diversidad, cuestiones éticas, paradojas temporales, ucronías...

Una maravilla originalísima, que suplen su falta de presupuesto con hallazgos visuales e imaginación, fusionando material de archivo y metraje actual (lo cual la emparenta directamente con films como Zelig (1983)).

Al final estamos ante una original e inteligente propuesta de ciencia ficción vintage, que sirve como homenaje al poder de las imágenes para transformar el mundo.

Una atractiva obra que arriesga en concepto y forma con resultados sugestivos.