Una buena parte de las producciones de Caroon Network de la presente década, están relacionadas, de una forma u otra, con la serie Hora de Aventuras, pero en este caso la relación es más estrecha, pues esta miniserie forma realmente parte de ella. Stakes es en realidad un especial de 8 episodios que queda englobado en la séptima temporada de Hora de Aventuras, entre los episodios 5 y 14, así que evidentemente es difícil que pueda interesar a quienes no siguen la serie. Y desarrolla, dentro de la continuidad de la serie normal, una historia centrada en uno de los personajes favoritos de los seguidores de Hora de Aventuras: Marceline, la Reina Vampiro (Reina de los Vampiros en el doblaje español).

Cuenta, además, con una nueva intro, actualizada y adaptada a la temática de Stakes, más oscura y con cambios en los personajes y lugares; y con una versión de la icónica canción de Hora de Aventuras interpretada por la propia Marceline (voz de Olivia Olson en el original).

La historia nos presenta una Marceline (acortado, a veces, como "Marcy") que, harta de esconderse de la luz del sol y demás complicaciones propias de su lado vampírico, y, sobre todo, cansada de permanecer siempre con la misma edad, acude a Bonnibel (también "Bonnie", Princesa Chicle o Princess Bubblegum en el original, aunque al inicio de esta miniserie y desde la sexta temporada no ejerce de princesa) para que la ayude a dejar de ser un vampiro. En una maniobra arriesgada, Bonnie logra drenar su esencia vampírica con uno de sus inventos, pero entonces reaparece en Ooo un grupo de vampiros nada amistosos. Así, los ocho episodios siguen un mismo hilo argumental, por lo que deben ser vistos en orden (algo que no necesariamente ocurre en Hora de Aventuras, al menos en sus primeras temporadas).

Al margen de la trama principal, lo que los seguidores de Hora de Aventuras realmente esperaban era la revelación de detalles del pasado de Marceline, y en más de mil años hay mucho que revelar. En ese aspecto, Stakes se queda algo corta. Hay flashbacks, por supuesto, pero se centran casi exclusivamente en cómo Marceline consiguió sus poderes y se convirtió en vampira (literalmente, aparece cómo consiguió cada una de sus habilidades sobrenaturales). Vemos algo de su niñez con su madre y de su etapa con Simon después de la guerra, pero no aparece su padre (aunque se le menciona brevemente) y no hay nada de su pasado con Bonnibel, algo sorprendente dada la importancia que tiene este personaje durante todo este especial.

Efectivamente, la Princesa Chicle tiene bastante importancia dentro del argumento de Stakes, mientras que Finn y Jake (protagonistas habituales de Hora de Aventuras) son relegados a un papel más secundario del que nos tienen acostumbrados, eso sí, sin faltar en ningún episodio. Tampoco faltan los habituales Rey Hielo y la Princesa del Espacio Bultos, el Mayordomo Menta y el odioso y carismático a partes iguales Rey de Ooo, que ha ido cobrando importancia desde la sexta temporada. Incluso aparecen, muy brevemente, otros de los personajes más célebres de Ooo, como la Princesa Salchicha, los guardias banana, la Princesa Llama y Don Polvorón. Y como antagonista principal encontramos al extravagante Rey Vampiro (el peligroso vampiro que mordió a Marceline), que viene acompañado de un cuarteto de vampiros, presumiblemente inspirados en cartas del tarot, con poderes muy diferentes. Aunque, como es habitual en Hora de Aventuras, no todo es siempre lo que parece, y el Rey Vampiro es más un villano arrepentido que otra cosa, dispuesto a negociar con una Marceline incapaz de perdonarlo.

Capítulo tras capítulo, Marceline y sus amigos, desde Finn al Mayordomo Menta, van haciendo frente a las fuerzas vampíricas que causan estragos por todo Ooo, al tiempo que Marcy (y Bonnie) va madurando. En este sentido, Stakes cumple. Ahora habrá qué ver si esa actitud más "adulta" se mantiene en la serie principal y cómo afecta eso a la personalidad desenfadada de Marceline. De igual forma, habrá que ver si el acercamiento que se produce entre ellas, vampira y princesa, es definitivo (por episodios posteriores parece que sí, "Broke His Crown" es un buen ejemplo); y es que el subtexto romántico es evidente, sobre todo desde el "sueño" del sexto episodio, aunque afortunadamente en ningún momento se cae en la ñoñería como ocurre en algunos de los cómics oficiales de Hora de Aventuras que se centran en su relación (un ejemplo obvio es "Marceline Gone Adrift", publicado en España con el nombre de "Marceline Perdida en el Espacio", escrito por Meredith Gran). También es cierto que los responsables de la serie siguen negándose a confirmar o desmentir este asunto, así que podría quedar en mero fanservice. En cualquier caso, un episodio protagonizado por Marceline siempre es bien recibido, pero también la Princesa Chicle va destacando en Hora de Aventuras, dejando completamente atrás su papel inicial de damisela en apuros. Así, episodios como "Lady & Peebles", "Wizards Only, Fools", "Sky Witch" y "Varmints" (estos dos últimos coprotagonizados por Marceline) y, por supuesto, Stakes, hacen que nos olvidemos del estereotipo que representaba en los primeros capítulos.

El tono melancólico se ve acentuado por la canción "Everything Stays", una preciosa nana compuesta por Rebecca Sugar, creadora otra conocida serie de Cartoon Network, Steven Universe. Su trabajo en Hora de Aventuras no es algo nuevo, pues ya había sido guionista de esta serie y además es la compositora de algunas de sus canciones más memorables, entre otras "I'm Just Your Problem" (la canción que Marceline cantaba a en el episodio "What Was Missing", dirigida a Bonnibel, y que ha vuelto a tararear recientemente en "Varmints") y la pegadiza "Bacon Pancakes" (versionada por Finn con otra letra en Stakes). Rebecca Sugar también pone voz a la madre de Marceline que vemos por primera vez en los flashbacks de Stakes.

(Continúa en el "spoiler" por falta de espacio, sin spoilers)

Al principio puede parecer otro shōjo más: personajes andróginos, estilizados y de ojos enormes, mucho romance adolescente, sentimentalismo y abundancia de bofetadas, colegialas chillonas con el típico uniforme de marinera e incluso la mascota que sirve de alivio cómico. Pero a medida que avanza la serie se va poniendo más y más turbia, mediante la inclusión de elementos más polémicos como el incesto, los abusos sexuales y el suicidio (o el intento de suicidio). Y es que aunque es una serie de animación que en algunos sitios fue distribuida como un producto infantil (con la inevitable y execrable censura), no lo es en absoluto. No tanto por lo que se muestra, porque a decir verdad es muy light en cuanto a violencia, sino por lo que se intuye.

Shōjo Kakumei Utena trata sobre el sexo. Y sobre el crecimiento. Y sobre el crecimiento a través del sexo, que aparece tanto de forma insinuada como simbólica y es aquí el elemento que termina con la infancia (o al menos uno de los elementos), en algunos casos de forma traumática.

La historia es sencilla de comprender, al menos el planteamiento y todo lo que tenemos en primer plano, porque a medida que va avanzando van surgiendo pequeños elementos más difíciles de percibir. Todo comienza cuando una niña, Utena, que acaba de perder a sus padres en un accidente, es tranquilizada por un príncipe. Desde ese momento, Utena se obsesiona con la figura del príncipe (la versión idealizada de los cuentos de hadas) que la lleva a querer convertirse ella misma en uno. Años después ingresa en la prestigiosa academia Ohtori donde descubre un siniestro club en el que se compite por la posesión de una chica, Anthy, la "Novia de la Rosa". Cuando descubre que el actual "prometido" (el campeón de los duelos) de Anthy la maltrata, Utena decide luchar por ella para librarla de su oscuro destino.

El anime consta de 39 capítulos divididos en tres sagas, separadas por dos episodios recopilatorios (13 y 24). La primera saga introduce ese universo, a las protagonistas, Anthy y Utena, y a los principales duelistas (Tōga, Saionji, Miki y Juri). Es la parte más lineal y con más momentos cómicos (algunos absurdos y surrealistas, algo que se mantiene cuando la hermana de Tōga, Nanami, cobra protagonismo). La segunda saga presenta un nuevo personaje que pretende matar y reemplazar a la "Novia de la Rosa". La tercera saga está a su vez dividida en dos partes (con un episodio semi-recopilatorio en medio) y es cuando todo va cobrando sentido, culminando en un desenlace impresionante pero que deja una extraña sensación.

Utena es un gran personaje: es fuerte, valiente y no se corta a la hora de actuar como cree que es correcto. Se distancia de muchas de las heroínas del shōjo y a veces se acerca al arquetipo de héroe del shōnen. Mantiene una fuerte obsesión con su modelo de príncipe y dirige su vida por un camino que la convierta en uno, pese a lo difícil que le resulta estar a la altura de un concepto que tiene tan idealizado. Obcecada en su propósito de sacar a Anthy de ese mundo sórdido, es, seguramente, la única persona que la quiere de verdad (y eso que Anthy no anda falta de supuestos admiradores y pretendientes). Anthy, por otro lado, parece ingenua y afable pero esconde un lado muy oscuro. Incomprensiblemente, se resigna a ser manipulada por su hermano y acepta con estoicismo que se compita por su posesión. Es tratada como un simple objeto por casi todos los duelistas y por su hermano, y no parece importarle lo más mínimo. Es fría y distante, y no se sabe si realmente aprecia a Utena o sólo la considera su dueña, siguiéndola en todo lo que le propone por creerse de su propiedad o porque cumple con el papel que se le ha asignado.

Entre el resto de personajes, encontramos unos cuantos, miembros del Consejo, dominantes e intimidatorios. Muchos arrastran algún trauma y muestran ciertas obsesiones o ambiciones desmedidas y perniciosas. Pero ninguno se acerca al nivel del secretario de la academia y hermano de Anthy, Akio, un auténtico depredador sexual con la academia como territorio de caza que, pese a estar prometido con una joven, no duda a la hora de seducir a cualquiera, e incluso mantiene a su hermana bajo el control más absoluto hasta el punto de destruir su voluntad. Extremadamente manipulador, emplea el sexo como arma y como muestra de su dominio sobre los demás.

Insisto en destacar el fuerte contenido sexual del anime que nos ocupa. Éste aparece de forma simbólica, como la apariencia fálica del edificio más alto de la academia (el planetario en el que reside Akio) o la espada deshojando la rosa en los duelos; pero también hay sexo real mostrado de una forma muy sutil pero cada vez más evidente a medida que avanza la serie, aunque nunca aparezca de forma directa salvo por un par de excepciones*(1). El motivo es que buena parte de la historia transcurre sobre la imagen del sexo como elemento de crecimiento y poder. Por lo menos también se insinúa que el sexo ni es lo único que hace al adulto, ni es imprescindible para convertirse en adulto, a pesar de la gran importancia que se le da.

El otro gran tema es el crecimiento de la propia Utena y la evolución de sus ideas y forma de ser, y de la imagen que tiene del mundo y de su lugar en él; el paso de la niñez a la edad adulta y cómo ser lo que se quiere y no lo que los demás esperan que seas. Su búsqueda del perfecto príncipe o su transformación en uno y ser ella misma quien salve princesas (una evidente alteración del cuento clásico en el que las figuras heroicas y protectoras son normalmente masculinas). Sin embargo, las conclusiones a las que llega son diferentes en las distintas versiones (manga y anime) que, por lo tanto, dejan mensajes diferentes*(2). Y aún hay más: mucha simbología y conceptos extraídos de la religión y de los cuentos que enriquecen aún más ese extraño mundo.

(Continúa sin spoilers hasta que se indique)

Han pasado ya unos cuantos años desde que leí Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos, una suerte de bestiario sobre la fauna mágica del mundo de Harry Potter. Era el año 2001, estaba empezando la secundaria y se acercaba el estreno de la película de Harry Potter y la Piedra Filosofal. Cuando finalmente la saga llegó a su fin, siempre sentí cierta decepción porque muchas de las criaturas más llamativas descritas en este libro no habían hecho acto de presencia de ninguna forma: ashwinder, lethifold, quintaped, nundu... Éstas no habían aparecido en las novelas (ni películas) principales. Quince años después se estrena la adaptación de ese pequeño libro, lo que por fin podría permitirnos ver alguna de estas curiosas bestias, pero, a priori, también sonaba a un intento desesperado por relanzar el Mundo Mágico intentando llevar al cine cualquier cosa relacionada con Harry Potter (subrayo que el libro es un bestiario) a fin de movilizar al fandom y hacer caja. Tal vez en principio la idea fuera esa, pero el resultado es bueno y eso es lo que importa.

Lejos de ser una simple excusa para hacer desfilar todo el catálogo de fauna mágica, la historia es entretenida e incluso, en ocasiones, sorprendente. La sinopsis oficial nos dice que el magizoólogo Newt Scamander ha liberado accidentalmente varias criaturas mágicas en el Nueva York de los años 20 (siglo XX), pero hay mucho más: el trato que los magos dan a los animales fantásticos (reflejo del trato que damos a los animales reales) y las relaciones entre magos y muggles (de nuevo, paralelas a las relaciones entre distintos grupos reales), con fanáticos en ambos bandos, y, a partir de ahí, también se va perfilando el que, parece, va a ser el hilo argumental de esta nueva saga (quienes hayan leído los libros de Harry Potter pueden intuir por dónde va a ir la cosa). Además, como era de esperar, Rowling se guarda varias sorpresas para el final. Tampoco faltan mensajes en defensa de valores como la amistad y la tolerancia, y en contra de la represión, especialmente contra la represión propia (pretender ser quien no se es). A ello se le suma un leve mensaje conservacionista, con los animales fantásticos en el centro (amenazados por la gente mágica).

Quizá por haber sido ideada para el cine, la trama se desarrolla de forma satisfactoria, sin estancarse y sin dar vueltas innecesarias. En poco más de dos horas (que se pasan relativamente rápido), hay tiempo para el humor y también para momentos serios y aún ominosos, sin que deje de ser apta para público de todas las edades (es menos infantil que La Piedra Filosofal y menos violenta que Las Reliquias de la Muerte), e incluso para el romance (ligero), manteniendo un buen equilibrio entre todas las partes. David Yates (también director de los 4 últimos filmes de Potter) mejora en su labor al frente de la cinta, dejando unas secuencias de acción que superan a las vistas en la saga fílmica de Harry Potter, y demostrando haber adquirido un buen manejo de la comedia y el drama, sin exageraciones en ninguno de los dos casos. También, tras La Orden del Fénix, vuelve a concederse cierta importancia a los medios de comunicación (la crítica a la manipulación es menos directa) y aunque al principio reaparecen las temidas secuencias de periódicos, Yates no abusa y no desentonan con el tono ni la estética de la película, si bien no es la mejor forma de iniciarla.

He de matizar que, aunque estoy comparándola con las películas de Harry Potter (los 8 filmes basados en las 7 novelas originales), Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos goza de una independencia casi total respecto a dicha saga. Apenas algunos vínculos menores (el nombre de Hogwarts aparece por ahí un par de veces, así como el de algún personaje; cierto símbolo y, obviamente, aspectos clave, como los nombres de los hechizos), incluidos con naturalidad (muchas referencias a El Señor de los Anillos metidas en el Hobbit o entre las trilogías de Star Wars, por ejemplo, están más forzadas), la sitúan en el mismo universo y sirven de sutil enlace. Respeto total por esa mitología (como era de esperar con la propia Rowling detrás del guion, aunque para la segunda entrega decidió priorizar la sorpresa sobre la coherencia), pero suficiente autonomía como para que pueda disfrutarse perfectamente sin conocer nada del mundo de Harry Potter, aunque quienes hayan leído los libros le sacarán más (a medida que esta nueva saga avance, se irá acercando más a la otra, al menos cronológicamente).

Eddie Redmayne está magnífico como un Newt Scamander tímido y nervioso, socialmente torpe, excéntrico y entrañable, uno de los mejores personajes visto en este universo fantástico. Redmayne está bien acompañado por Katherine Waterson, en el papel de la ex-auror Porpentina (nombre que aparece en el libro original), Alison Sudol como su hermana Queenie, una bruja especialmente hábil en legeremancia, y Dan Fogler, como Jacob, el primer muggle con protagonismo en una de estas entregas (un poco típico personaje cómico, pero no sólo no desentona sino que su carisma arrollador de "hombre corriente" hacen que se apodere de la cinta por momentos). También Colin Farrell borda su papel de auror estricto, sombrío, cerrado y ambicioso; y Ezra Miller es creíble como un joven taciturno, sumiso y atormentado. Llamativo es que Ron Perlman de vida nada menos que a un duende gánster (en este caso y a diferencia de los duendes de las entregas de Harry Potter, se trata de un personaje digital creado empleando la captura de movimiento).

(Continúa abajo por falta de espacio, sin spoilers)

Camp Cretaceous no es el primer proyecto de una serie animada dentro de la franquicia de Jurassic Park/World. El primer intento se remonta a poco después de la primera película, cuando comenzó a desarrollarse una serie de animación tradicional que haría de secuela, pero Spielberg detuvo el proyecto abrumado por el ingente merchandising que había generado su película. Unos años después, ya tras The Lost World, se pretendía lanzar una serie de animación que acompañaría a una colorida línea de juguetes, Chaos Effect, cuya producción fue cancelada aunque algunas figuras sí salieron a la venta (por ellas se sabe que esta serie habría mostrado a criaturas híbridas, una idea reciclada en Jurassic World).

Sin embargo, años después, tras la resurrección de la saga y cuando circulaban muestras del arte conceptual de la primera serie, y ante las peticiones del fandom y la creciente necesidad de nuevos productos para llenar las plataformas de streaming, finalmente llega la primera serie animada de la franquicia. Producida por Amblin y Dreamworks y distribuida por Netflix, Camp Cretaceous es una obra que forma parte del canon cinematográfico de la saga Jurassic y pretende acercarla a un público más joven.

Bien, en ese sentido debo decir que me parece extrañísimo como estrategia comercial que se haga un spin-off más infantilizado que la propia saga a la que pertenece, pues porque es raro que quieran introducir la saga al público infantil por la mitad y más aún cuando es más que recomendable haber visto Jurassic World antes de ponerse con esta serie. Pero digo más, la propia Jurassic Park (y por ende las demás) no es una película tan inaccesible para dicho público (sin ir muy lejos, yo la vi por primera vez con 5 años). Incluso James Cameron llegó a decir, en una de sus famosas pullitas que pretende hacer pasar por elogio, que Spielberg había hecho acertadamente una película "para niños de 8 años". Y la verdad es que, aunque no lo comparto en absoluto, sí creo que Jurassic Park es un filme disfrutable por público de muchas edades e incluso está comprobado que el efecto que tuvo en su día sobre los niños y las niñas que la vieron fue que quisieran dedicarse a la paleontología o al cine. Tan terrible no es.

Pero, en fin, esto es lo que hay, y jugadas empresariales cuestionables y marketing desconcertante aparte, al igual que con el corto Battle at the Big Rock estrenado un año antes, Camp Cretaceous funciona mucho mejor como un producto dirigido al fandom, pues son los fans quienes más apreciarán este tour por isla Nublar, ya que permite echar un vistazo a los entresijos del parque como no fue posible en las películas y deja cierto espacio a las distintas especies de dinosaurios y demás paleofauna para que tengan su momento de gloria. Porque pese a las apariencias y al tono inicial, estamos frente una serie que también está claramente dirigida al fandom de Jurassic, es decir, no solo la gente a la que le guste la primera Jurassic Park, sino a quienes disfrutan también con cada una de las secuelas y en particular con Jurassic World (obvio, pues parte de la trama ocurre en paralelo a esta película y ambas comparten algunos personajes y lugares). Y por ello es esperable una buena dosis de fanservice y nostalgia, lo que no tiene por qué ser necesariamente algo malo, siempre que esté bien empleado, y en eso esta serie sale bien parada.

Como he adelantado, Camp Cretaceous nos traslada a Isla Nublar poco antes, durante y después de los eventos de Jurassic World, siguiendo la particular epopeya de un grupo de adolescentes por la isla. Sin embargo, el comienzo es poco prometedor: un chaval llamado Darius intenta ser el primero en terminar un videojuego para ganar un pase al Jurassic World, lo que es uno de esos clichés que hemos visto bastantes veces. Que lo consiga o no es evidente. El juego en sí transcurre en Isla Sorna y, aunque es un guiño bonito, es una lástima que no lleguemos a ver la Zona B en toda la serie (y además también incluye una referencia a uno de los elementos más absurdos de la saga entera).

Darius es el personaje creado para que nos sintamos identificados, en primer lugar porque es un dino-nerd (como buena parte de público potencial), y en segundo porque es el único del grupo protagonista que no está en el parque por enchufe, por ser rico, por ser famoso o por todo a la vez. Formado por un hipocondríaco cobarde, un niño bien engreído, una deportista antisociable, una influencer ególatra y una chica extrovertida y bastante pesada, además del propio Darius cuyo entusiasmo a veces le hace actuar de forma estúpida, dicho grupo resulta bastante repelente (en la línea de los niños de la saga) al principio. Obviamente hay algo de desarrollo de personajes (gradual y natural, a veces naíf y otras veces sorprendentemente realista), y tienen que aprender a llevarse bien, trabajar en equipo y todo eso. Correcto, pero predecible.

Por supuesto, los críos son unos liantes y terminan siempre metidos en los lugares más peligrosos o acaban en medio de toda la acción. Ya en su primer día (y primer episodio) se las apañan para entrar en el recinto de la raptor squad, y en adelante sigue así la cosa. Tampoco ayuda el hecho de que las medidas de seguridad son pésimas y que el personal parece no saber cómo actuar en según qué casos. Si es que no han aprendido nada en 25 años. Y como era de esperar (por lo visto en Jurassic World), llegados a cierto punto, la Indominus escapa y la situación se complica más para el grupo, volviéndose mucho más interesante para la audiencia.

Porque, sí, afortunadamente, tras dicho incidente y el caos que trae al parque, la serie coge ritmo y se centra en la supervivencia del grupo de campistas (con subtramas varias sobre espionaje, furtivismo, experimentos clandestinos...), quienes deben superar muchos de los problemas que vimos desde otra perspectiva en las primeras entregas de Jurassic World y resistir solos en la isla durante meses.

(Sigue sin spoilers)

Mahō Shōjo Madoka Magica o Puella Magi Madoka Magica es un anime que combina ideas muy dispares en una obra de sólo una docena de episodios. Como anime magical girl, encontramos un grupo de chicas mágicas que combate las maléficas criaturas que aparecen por la ciudad. Ni siquiera falta la "mascota" parlante superadorable. Pero eso no es todo.

La magia y la fuerte y, a menudo, exagerada carga emocional del mahō shōjo (amistad, compañerismo, amor) aparecen junto a conceptos físicos como las historias alternativas (universos paralelos) y las leyes de la termodinámica, concretamente la segunda (la entropía), algo de evolucionismo (selección natural frente a artificial, domesticación y cría selectiva), y múltiples y sutiles referencias artísticas, históricas, literarias y filosóficas. Todo ello adornado con la música clásica, new-age y el pop barroco de Yuki Kajiura (Noir, Tsubasa: Reservoir Chronicle, SAO). El resultado de esta extraña mezcla podría haber sido catastrófico, de hecho, sorprende que una locura así funcione, pero lo hace.

Puella Magi Madoka Magica es un mahō shōjo muy típico en su estética pero atípico en su contenido. En principio, llama la atención que mientras los manga/anime de chicas mágicas suelen estar englobados en el género shōjo, Madoka Magica a menudo suele catalogarse como seinen (por su trama, pues carece de fanservice ecchi y no resulta especialmente violento). En realidad, esta serie es sólo otro ejemplo de que esta clasificación, aún muy empleada (yo también la utilizo con frecuencia), está claramente obsoleta: afortunadamente casi todo el mundo ve y lee cualquier obra que le guste sin preocuparse de a quién se supone que va dirigida.

A simple vista, la serie puede parecer bastante usual. Los personajes están diseñados de acuerdo a la estética estereotipada moe (término que aparece en la serie en boca de uno de los personajes), no sólo en el caso de las chicas mágicas (como podría ser de esperar), sino también entre los adultos, provocando que casi todos los personajes parezcan mucho más jóvenes de lo que realmente son (los padres de Madoka, por ejemplo, parecen adolescentes, mientras que ella, cuya edad está en 14 años, parece una niña pequeña).

El planteamiento, de nuevo, parece poco original (también lleno de clichés del género mahō shōjo): una pequeña y adorable criatura llamada Kyubey se aparece ante algunas chicas adolescentes proponiéndoles un trato. Él cumplirá el deseo que le pidan y a cambio les otorgará poderes mágicos (los poderes dependerán en parte de la naturaleza del deseo pedido) para que combatan a las Brujas, unos seres que aparecen súbitamente y, aunque son invisibles a los ojos de la gente corriente, traen la desesperación a quienes los rodean, causando dolor y sufrimiento allá por donde pasan, incluso muertes, si no se las detiene. Estos poderes convierten a las chicas en Mahō Shōjo (en japonés "chica mágica"), o Puella Magi (más o menos, "chicas magas" en latín) en el nombre de la franquicia a nivel internacional y en las traducciones del manga y anime en España, las portadoras de esperanza nacidas de los deseos cuya misión de detener a las Brujas, nacidas de las maldiciones para traer desesperación, parece no tener fin. Por si fuera poco, de las brujas surgen escisiones, Familiares, que pueden terminar dando lugar a nuevas Brujas. Y la única forma de detenerlas es por medio de duros combates dentro de los psicodélicos laberintos que las Brujas generan y en los que se ocultan, siempre bajo la atenta e inexpresiva mirada de Kyubey.

A lo largo de la serie aparecen 5 Puella Magi (o candidatas a serlo) principales: Mami, Homura, Sayaka, Kyōko y la protagonista, Madoka. De nuevo, al principio, no hay nada llamativo, pues tanto en su personalidad como en su diseño se ajustan a arquetipos bien conocidos: Mami es una idealista que hace siempre lo que considera correcto, Sayaka es la mejor amiga de Madoka y Kyōko no aparece hasta muy avanzada la serie, surgiendo como rival. Madoka tiene una personalidad tan ingenua e infantil como su apariencia (siguiendo el estereotipo deredere) y parece el personaje menos interesante del quinteto. Enfrente, marcando un fuerte contraste, está Homura, un prototipo de personaje misterioso, frío, callado y distante (kūdere). Y, como suele ser habitual, cada una viene representada por un color, presente en su pelo, ojos y vestuario (el que llevan cuando actúan de Puella Magi). Sin embargo, a medida que progresa la historia las chicas van revelando una psicología más compleja, con distintos objetivos, intereses y miedos; e igualmente complejos son los vínculos que se establecen entre ellas.

Al igual que ocurre con los personajes, al principio todo parece mucho más sencillo. Kyubey les plantea a Sayaka y Madoka la opción de convertirse en Puella Magi. No tardan en conocer a otras dos chicas que ya han hecho el trato, Mami y Homura, pero, mientras la primera las anima, Homura intenta por todos los medios evitar que Madoka se convierta en una chica mágica. Sin embargo, ya desde el prólogo del primer episodio, en el sueño de Madoka, se nos ofrece un adelanto de lo que está por llegar. La incógnita de quién es realmente Homura, cuál es su motivación y qué relación tiene con Madoka, son los principales alicientes que nos harán continuar más allá de los primeros dos episodios, más convencionales, hasta vernos sumergidos en una oscura trama de amor y pérdida, dolor y desesperación; porque, como dice Kyubey, la esperanza genera una cantidad igual de desesperanza.

Poco a poco, la historia se va volviendo más sombría, mostrando una argumento más elaborado y unas relaciones entre ellas más maduras; y aunque como espectadores podemos anticiparnos a algunos aspectos (como el origen de las Brujas), siempre es mejor que dejen entrever algún detalle, aún cuando se reduzca el factor sorpresa, a que cualquier revelación quede forzada. Además, después de todo, el desenlace es poco previsible.

(Sigue sin spoilers)