No sé si por venir de la mediocre "Tenet" o porque no me considero nolanista, pese a que me encanten algunas de sus películas, como "Interstellar" o "Batman Begins", pero no esperaba gran cosa de "Oppenheimer", la cual, como es habitual cuando se habla de su director, vino precedida del fanatismo, tanto de partidarios como de detractores.

Pues bien, una vez vista me ha encantado y hasta diría que para mí entra en el top 3 de Nolan. Pese a que sea una peli muy en su onda (como los personajes cerebrales y esa música y el sonido dispuesto a romper tímpanos) aquí sin embargo se presta menos a "rayadas" y a desconcertar al espectador y más al espectáculo, a los dramas y remordimientos de los protagonistas y al estupendo thriller político que se nos presenta, retratando esos años que van de la II Guerra Mundial a la Guerra Fría y al macartismo.

El magnífico y extenso reparto está liderado por un Murphy que huele a Oscar (siempre que hay biopic un actor huele a Oscar, pero es que aquí lo vale) y desde luego por un Downey Jr también premiable y por fin libre del maldito Tony Stark, pero quería destacar a Emily Blunt en tal vez el mejor papel de su carrera interpretando a la atormentada y alcoholizada mujer de Oppenheimer.

Gran y adulta superproducción. Como digo en el título, parece que estamos ante un biopic de cine épico como los de antaño.

Sinceramente, no creo que haya muchas más candidatas a quitarle el puesto a esta "Retorno a Brideshead", y es que se trasladan a la pantalla el estilo, el tono, el espíritu...todo, de la maravillosa novela de Waugh. Desde luego, como no podía ser de otra manera, es británica y muy británica, y desde luego en el mejor momento posible, ya que por desgracia la época de las grandes producciones inglesas ya ha pasado y pese a alguna excepción, la corrección política y el posmodernismo ha hecho mella. Si se hiciera hoy seguramente habría actores de color y feminismo impostado, algo ausente en el libro, claro está.

Con toda justicia exitosa y premiada, contó con un gran presupuesto y se nota. A favor, el enorme reparto, sobre todo Jeremy Irons en creo el papel de su vida, más Anthony Andrews, menos famoso y prodigado pero igual de bueno, y dos tótems british como John Gielgud y Laurence Olivier. Simpático papel el de Nickolas Grace, años antes de hacer de otro homosexual, Federico García Lorca, y muy buenas Claire Bloom y sobre todo Phoebe Nichols. También hay que decir que aunque siempre es un placer escuchar el inglés británico, en España se hizo un magnífico trabajo de doblaje, muy de los 80. Luego está el diseño de producción y los escenarios, Castle Howard a la cabeza, más los colleges ingleses, junto a la maravillosa música y desde luego el tono decadente, lánguido y melancólico.

La Inglaterra perdida.

Notable e infravalorada película en la que se adapta una novela de Carson Smith McCullers (1917-1967), la cual fue una lesbiana que se casó con un homosexual (el matrimonio ahogaba en alcohol sus frustraciones) así que ya nos podemos imaginar por dónde van los tiros...

No, al personaje de Elizabeth Taylor no le gustan las mujeres (que se sepa), simplemente es una ninfómana que ansía que un semental la monte, al igual que ella monta a su caballo, lo que pasa es que está casada con un militar (Brando) que ni sabe montar a caballo ni a ella. La Taylor se ha de buscar las habichuelas por ahí y él ya no sabe cómo reprimir su verdadera sexualidad. Para más inri hay por ahí un soldado raso que monta desnudo a caballo y al comandante se le van los ojos tras él...

Asfixiante y desasosegadora, la película transmite de manera excelente el tedio y la monotonía de un cuartel en tiempo de paz, la soberbia fotografía amarillenta de Tonti-Morris nos sumerge en el pegajoso verano sureño (curiosamente los exteriores fueron rodados en Italia) y la bso de Mayuzumi hace el resto. Hay secuencias muy bien filmadas como la del caballo desbocado. Pero claro, sin unas buenas actuaciones no hay nada que hacer, y vaya si todos cumplen, en una galería en la que todos los personajes son inquietantes u ocultan algo: fetichismo, voyeurismo, demencia, sexualidad desaforada o controlada...por no hablar de ambiguas relaciones como la que hay entre el viril y machista coronel Langdon (gran Keith) y el eunuco filipino sirviente de su mujer.

Obviamente estamos en los 60 y la mayor parte de comportamientos y hechos se sugieren muy veladamente, no hay escenas explícitas y todo es con miradas, pero eso es uno de sus grandes atractivos.

Excelente film, una de las cumbres del cine francés, que lamentablemente no llega a obra maestra por su inexplicable final, no se sabe si rodado por Clouzot, por su mujer Véra o por alguno de los borrachos de la pulpería del pueblo.

Y es que "El salario del miedo" (impresionante título) es una película pesimista, sucia, existencialista y dura como ninguna de la época, con prácticamente ningún personaje positivo (tal vez el único, el de la mencionada Véra Clouzot, mujer -y no hija como algunos dicen por aquí- del director, si bien como actriz no valía mucho pese a su belleza y luminosidad). Pero desde el primer momento, con la ambientación en algún país de América Central (buena ambientación por cierto pese a que se rodó en el sur de Francia) del que con acierto no se dice el nombre, percibimos el aroma a enfermedades, hastío, miseria y podredumbre de ese maldito villorrio lleno de mosquitos llamado Las Piedras, habitado por nativos y por una galería de europeos rebotados de sus respectivas patrias tan crueles como desgraciados, ya sean franceses, italianos, alemanes u holandeses. Ver la película en versión original es recomendable pues se habla tanto en español (ya sea hispanoamericano o el chapurreado por los galos) como en francés y en inglés e incluso en italiano, ahondando en el concepto de una Babilonia decadente y miserable.

Escenas de tensión inigualable, secuencias de acción al volante excelentemente rodadas, diálogos nihilistas, violencia verbal y física y magnífica actuación de los cuatro protagonistas: sobre todo Yves Montand y Charles Vanel pero Peter Van Eyck y Folco Lulli no desmerecen. La pobre Véra bastante tuvo con hablar en portuñol afrancesado y poner caras mientras el personaje de Montand la trataba a patadas.

Imprescindible e imborrable pese a su final.

Y es que si ves esta excelente mezcla de noir con neorrealismo después de haber visto (y varias veces) a Barry Fitzgerald como el legendario Michaleen Flynn de "El hombre tranquilo", al principio choca un poco imaginárselo de experimentado policía neoyorquino. Pero el irlandés era tan buen actor que lo mismo te hacía de sabio borrachín que de teniente en la Gran Manzana, y al final cumple con nota, pese a las notas de humor.

Tíos mentirosos y sablistas, damas de baja cuna y alta cama, polis con vida familiar, personas que intentan salir adelante honradamente, gentuza variada...Por lo demás, una Nueva York años 40 como pocas veces se ha visto en el cine, tanto en los planos diurnos como en los nocturnos, y en el detallado trasegar de la gente. Memorable tramo final en el puente de Williamsburg, tan influyente en películas posteriores.

Cierto que "Rififi" (1955) es mejor, pero esta "La ciudad desnuda" me ha gustado más que "Noche en la ciudad" (1950). Todas de ese excelso e imprescindible director que fue Jules Dassin.