Cuando estaba observando en Stray Dogs como el protagonista devoraba un pollo asado, todo en un primer plano sostenido desde que empieza a comérselo hasta que lo acaba, no podía parar de pensar: Tuvo que ser fácil de rodar. Explicar la sinopsis de ella sería también explicar más de la mitad de la película, así que solamente diremos que la película del taiwanés Tsai Ming-Liang cuenta la historia de un padre y sus hijas que viven en una situación precaria. Argumento mínimo que es narrado mediante largos planos secuencia intercalados con extensísimos planos sostenidos sacados directamente de un estilo más cercano al videoarte que al propio cine.

El apartado visual de Stray Dogs es portentoso, de una belleza visual impresionante cercana al mejor Wong Kar-Wai. Pero Ming-Liang decide sostener el peso de los 140 minutos de su obra en éste apartado visual, olvidándose de crear una historia, definir unos personajes y suscitar un conflicto, dejando, sólo, una imagen que observar, por lo que obtiene una cinta muy bonita sí, pero que no deja de ser un cuadro, una pintura, no una película. Una obra más cercana al arte pictórico que al cinematográfico. Sus larguísimas (casi) dos horas y media llegan a ser realmente dolorosas y soporíferas. Ming-Liang no crea tensión dramática, sino una sucesión de imágenes simples que buscan explicar, y justificar, la obra premiada en Venecia.

Los pobres actores tampoco pueden realizar un buen trabajo debido a que su actuación se basa en actos tan rutinarios, cotidianos e insignificantes como mirar a una pared, bajarse las bragas, mear e irse de la habitación o comerse un pollo (Cabe decir que jamás había visto alguien comerse una col con tanta pasión, ante ello me quito el sombrero). Durante la película observamos una división clara: mientras una parte se basa en el costumbrismo, otra se apoya en el aspecto onírico. Un estilo, el onírico, que deja ideas bastantes interesantes que pueden permitir al espectador, ya conociendo al personaje en su primera parte adentrarse en su mente. Pero para eso es necesario haber sobrevivido a su primera parte y habiendo visto la película, es totalmente normal y comprensible que el espectador abandone antes de traspasar esta frontera estilística y narrativa imaginaria. Pero lo peor de ello es que si el espectador es lo suficientemente duro como para desentrañar la obra y superar su desarrollo acabará por descubrir el más completo vacío. Estamos ante una película que no aprovecha su potencial y se queda en un "podría haber sido buena". La película es, en su esencia, un simplón drama social de historias mínimas dotado de un peculiar, y ciertamente potente, enfoque artístico que únicamente desorienta y desconcierta al espectador.

Crítica original: http://www.lallaveazul.com/2013/11/conexion-seff-la-mostra-de-venecia.html

La técnica del Claymotion merece todos los elogios del mundo. En 'Head Over Heels' se utiliza de una manera magistral y me parece genial su nominación a los Oscars, por una reivindicación del Claymotion.

El corto trata de dos ancianos que viven de una manera muy particular, ella en el suelo y él en el techo. Una idea interesante y buena forma de crear la metáfora de un matrimonio roto que construye una barrera invisible (en esta caso no barrera, sino gravedad) y ya no se soportan, el final es precioso.

Faltaría algo mas de humor en la premisa, es simpática sin duda, pero en algunos momentos se toma demasiado en serio así misma ademas de ser previsible. Un gran corto con una utilización del Claymotion preciosa.

“You’re Next” abre con una escena tradicional del cine slasher, ninguna novedad, sencillamente lo de siempre. No es malo, sí ello no te impide poder disfrutar de la película con los tópicos clásicos, mientras no bochornosamente mala. Pero cuál fue mi sorpresa al descubrir unos personajes trabajados que con la ayuda de las ideas preconcebidas del género se renuevan. Es paródica y terrorífica a partes iguales, además inteligente en sus cambios de guión. Un verdadero ejercicio de originalidad en un género del cine, tan interesante para este tipo de experimentos, como es el terror.

Cuando comienza la película nos da a comprender sus dos bazas para sumergir al espectador: atmósfera y personajes. Las dos se complementan, la elección de planos y los movimientos de cámara producen tensión a la vista del espectador, pero eso no es suficiente. Lo complementa una familia con unos vínculos entre ellos bastante marcados, debe quedar clara la personalidad de cada uno de ellos antes de que empiece la masacre. Por ello los momentos de conocer a los personajes resultan muy destacables, sus relaciones con cada miembro de la familia además de conocer así su máscara ante la gente y detrás de ella. Todo ello causa una atmosfera tensa que proviene de un gran trabajo previo, recomendaría que tomasen notas otras películas de género. Estas se limitan a dos cosas: O empezar la acción cuanto antes, haciendo que veamos un mero ejercicio de efectos especiales o alargan tanto la presentación de unos personajes vacuos que no te importan su futuro en ella. Esta acierta en el punto exacto.

Los asesinatos llegan y empiezan a destruir a la familia uno a uno. La técnica funciona, la justificación de los personajes previa ayuda a entender las decisiones de los mismos, las quejas sobre las decisiones estúpidas que toman me parecen absurdas teniendo en cuenta: a) Los personajes no saben que se encuentran en una película de terror por lo tanto no pueden obrar en consecuencia conociendo los tópicos del género b) en esa situación es difícil tener unas decisiones totalmente claras. En ese punto b) podemos hablar de la protagonista, ella consigue dar la vuelta al tono de “You’re Next”, volviéndola una versión más gore de “Solo en casa”. Retuerce todo lo conocido de la obra y cambia el tono de la película a placer, de comedia a terror. Pero claro eso crea unos momentos realmente discutibles, volviéndola algo desigual. El problema de ellas no es por separado, si no la transición entre ellas. Funcionan más como escenas a parte que como una detrás de la otra, no funcionando una escena de terror tan bien después de una cómica y viceversa.

Debo destacar la increíble sensación de ver una mujer inteligente y luchadora como protagonista. Es increíblemente raro ver algo así, cosa que me choca del cine actual, pero con este tipo de películas se redime del sexismo clásico en estas obras de género. También tenemos un guión bastante estructurado, con conexiones entre todos los personajes haciendo que sus giros de guión sean buenos y funcionan a nivel dramático, pero se vuelven predecibles cuando captas las intenciones de la obra. No deja de ser una brisa de aire fresco en un panorama de tópicos repetidos. No os la perdáis.

En el sur de Texas en Carthage, conocemos a Bernie. Bernie era un hombre carismático, una persona amorosa, tenía la capacidad de hacer del mundo un sitio mas amable, lograba que todos se vieran hermosos y un largo etc. Bernie era un santo y todos los habitantes de Carthage lo amaban y él los amaba a todos ellos.

Bernie al igual que San Manuel en la famosa obra de Unamuno, son los dos santos, los dos viven por la causa de hacer felices a todos, a su pueblo. Mientras que San Manuél deja de creer en Dios a lo largo del libro, Bernie abraza su fe durante toda la película, en ningún momento la pierde.

Nos encontramos con una comedia negrisima sobre una historia real, pareciendo el argumento a primera vista mas un telefilm que una película nominada a premios. Pero Linklater sabe manejar la situación y por medio de un estupendo guión y un gran montaje documental que le sienta estupendamente, Bernie sale airosa y victoriosa del terreno de telefilm.

Las actuaciones de Jack Black y Shirley MacLaine son muy buenas, no se puede decir lo mismo de Matthew McConaughey, el cual parece haber aceptado el papel en un día de resaca. Los extras son realmente graciosos, las entrevistas a las personas del pueblo son de lo mejor de la película, todavía no hay fecha para su estreno en España pero debo decir que el doblaje hará que pierda la gracia los extras (su acento sureño es sublime).

Un generoso 7 se merece Bernie. No solamente por quedarse en el terreno cómico de la película sino por saber defenderse en la realidad de los personajes detrás haciendo que la película funcione como película y no como `Basado en hechos reales´.

Terminamos el día con otra decepción. Klegó la ganadora del Giraldillo de Oro el año pasado y del premio a la mejor actriz: Come, Duerme, Muere se ganó mi curiosidad ya que, pese a que no se deban tomar al pie de la letra, los premios siempre son una buena premisa para la creación de un debate cinéfilo. Empezaremos por decir que, desgraciadamente, el título de esta obra es notablemente mejor que su resultado. El filme es la historia de la situación de una enérgica chica que vive con su padre, éste incapacitado para trabajar, y ella con su trabajo paga todos los gastos hasta que la despiden. Estamos, sí, ante el clásico drama social disfrazado de comedia para hacer sentir mejor al espectador del Primer Mundo.

Ni técnica ni interpretativamente podemos decir nada malo del filme, solo citar pequeños peros, pequeñas taras. La actriz se desenvuelve muy bien en su papel, pero tanto su rol como su interpretación son algo monótonas y repetitivas. El personaje del padre podría ser un buen personaje cómico, pero como el anterior se vuelve monótono a medida que transcurren los minutos. Narrativamente, Come duerme muere tiene claro sus aspiraciones y lo que quiere ser, algo realmente positivo. El problema es el drama escondido entre humor negro en la película pasa tan desapercibido y a su vez resulta un elemento que obstaculiza que el espectador empatice con los personajes, que podría llegar a omitirse. Aparte de esto, todo lo demás es demasiado correcto, demasiado obvio. Se basa en entablar una relación de simpatía con el espectador pero, si no conectas a la primera, desconectaras totalmente de una obra que, desgraciadamente, pasa a ser una olvidable, aun con tintes interesantes, evasión casi totalmente vacua.

Crítica original en: http://www.lallaveazul.com/2013/11/conexion-seff-y-llego-james-gray.html