Aprovechando que en el canal Retro están pasando películas hechas en los sesenta, precisamente cuando yo era una niña, he podido mirar con ojos de actualidad a este interesante policial europeo. A juzgar por las votaciones creo que no ha sido redescubierto como el clásico que es.

La película permite apreciar inolvidables actuaciones de Bronson y Delon, con una colección de escenas y diálogos memorables. El guión es original y responde a todas las pautas del género, con un sutil trasfondo de crítica social más allá de etiquetas ideológicas. Hay una interesante filosofía de la vida que se valora como una aventura, apreciable en el rescate del valor y los códigos de estos ex combatientes de la Legión Extranjera que se colocan muy por arriba de la vida tranquila en los anónimos edificios-jaula que pululan en las urbes contemporáneas.

Un film con una estética llena de "marcas" sesentistas como detalles de "pop-art" en los peinados o en las puertas de algunos ambientes inesperados.
En síntesis "Adiós, amigo" es un policial sofisticado totalmente recomendable y disfrutable, dos adjetivos cada vez más difícil de encontrar en relación con el cine de nuestros días.

Con encanto "retro" pero incorporando los efectos de la tecnología 3D, el famoso gato callejero de los años sesenta vuelve junto a sus inocuos amigos pandilleros y su enemigo íntimo, el bueno del oficial Matute, sumándose a la tendencia de recobrar dibujitos clásicos de los sesenta, como la reciente irrupción de Los Pitufos. Ahora le ha tocado el turno a Don Gato y su pandilla, que se reestrena en 3D. A medio siglo de su creación, estos simpáticos felinos ingenuamente transgresores están de vuelta en su callejón de Manhattan y continúan manteniendo su eterna relación amor-odio con el oficial Matute, que no les pierde pisada aunque sin poder evitar que lleven a cabo sus picarescas fechorías.
Al estilo de los policiales urbanos, la historia introduce un villano irónicamente llamado Buen-rostro y una felina-fatal (Trixie), dueña de una seducción totalmente gatuna. El rival será la contracara del ingenuo Matute. Al "honesto trabajador de derechas" (como se autodefine) se le opondrá un nuevo jefe de policía: Lucas Buenrostro quien se vale de recursos tecnológicos intrusivos para manipular al estilo "Gran Hermano" a los mismos ciudadanos que creyeron en sus
promesas de orden y bienestar. Sus despiadadas medidas abarcarán incluso a quienes originalmente contribuyeron a encumbrarlo y causarán amarguras a Don Gato y sobre todo a Matute que se verá desplazado y humillado a una servidumbre incondicional.
Más latinos que yanquis, estos personajes creados por la ingeniosa dupla William Hanna y Joseph Barbera, Don Gato y su Pandilla (Top Cat en la versión original estadounidense) duró muy poco tiempo en su país original, apenas 30 episodios emitidos entre 1961 y 1962, pero en Latinoamérica la serie alcanzó inesperados niveles de adhesión, por lo cual no es casual que esta flamante adaptación cinematográfica sea una coproducción argentino-mexicana.

La película supera intentos recientes como El Oso Yogui o la promocionada versión de Los Pitufos, porque logra una historia coherente con una aceptable densidad conceptual.
Con gags simpáticos y un respeto real por la clásica tira, el film no sólo nos acerca la esencia de Don Gato, Benito, Cucho, Demóstenes, Espanto, Panza y el Oficial Matute, sino que además actualiza la propuesta a los tiempos que corren, introduciendo la grotesca figura del villano tecnócrata Buenrostro (andrógina mezcla de la narcisista madrasta de Blancanieves con los políticos que basan sus campañas en demagógicos estereotipos publicitarios) quien reemplaza los recursos humanos por robots sin alma.

Aunque la película utiliza a su favor los beneficios del 3D, respeta al mismo tiempo la estética y los personajes con su contorno negro en las figuras, como los dibujos bidimensionales originales. El guión recurre a algunos clichés sin perder el encanto que hizo tan entrañable a esta peculiar fauna del callejón.

Nada que ver con el referente político del título, "Castro" es el nombre del anómico protagonista de la ópera prima del joven director Alejo Moguillansky, distinguida en 2009 con los premios a mejor película y mejor fotografía en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires.
La película cuenta una mínima pero agilísima historia, a partir de la forma y de los movimientos, inspirada en los gags del mejor cine mudo.
Toda la película se estructura como una gran persecución de Castro, el protagonista. El porqué lo persiguen es algo que no le interesa aclarar al argumento, porque lo que importa es cómo se muestra esa persecución, que se va regenerando incesantemente hasta la penúltima secuencia, donde hay un quiebre de ritmo y cambio de tono: la comedia deviene en tragedia, no exenta de humor negro.
El perseguido sobrevive escondido en hoteles baratos y durmiendo en el interior de roperos, siempre huyendo. Básicamente está sólo, pero su ex mujer Rebecca lo persigue aliada a sus otros enemigos. Además de huir, Castro intenta redimir su condenada vida a partir de un nuevo amor, representado en el personaje de Celia, que huye con él, pero imponiéndole que busque trabajo, porque Castro es un desocupado crónico y paranoico. Como los desesperados y exóticos personajes de las novelas de Roberto Arlt, lo obsesiona la idea de que "ganarse la vida puede implicar desperdiciarla". El protagonista choca (literalmente) contra la rutina del mundo y sus convenciones y lo hace con originalidad y humor, por lo que puede ser
disfrutada en gran parte como una comedia.
En términos de estructura y personajes la película es muy kafkiana en su absurdo (y su angustia), fundamentada en el agobio de lo cotidiano, donde la ciudad tiene un protagonismo fundamental: lugares especificos de toda gran urbe que registrados por la camara promueven irrealidad: las locaciones de la película (la ciudad de la Plata con sus diagonales, las aglomeraciones caóticas en el porteño sector de Constitución) están incorporadas hasta la saturación.
El humor de los permanentes gags actúan como válvula de escape a la angustia, todo acompañado de cierta melancolía y mucha poesía. Un clima al que contribuye esencialmente el piano de Ulises Conti que se conecta con el espíritu del film.

La película plantea una historia de amor entre dos personas que ya pasaron largamente los 70, donde una señora mayor al modo de "la vieja dama indigna" está decidida a aprovechar al máximo sus últimos años de vida.
Hay en esta historia un humor hecho de pequeñas cosas cotidianas. Aunque no existe el galán de moda, la actriz divina ni escenas de voltaje erótico, se logra el objetivo de emocionar, entretener y encantar al público con una ternura y emoción auténticas que recorren todo el film.
En este mundo de hoy, aterrado por la idea de envejecer, presionado por un mercado que promete la eterna juventud, el film tiene el mérito de tratar el romance entre dos personas de edad, tan poco habitual, logrando que un tema tan difícil resulte creíble.

Manuel Alexandre, prócer del cine español que lleva filmadas unas 300 películas en 60 años de carrera, dirigido por realizadores prestigiosos de la madre patria como Berlanga, Bardem o Fernán Gómez, compone al hipocondríaco Alfredo (Fred), adorable y enternecedor. Pero es la Sra. Zorrilla, quien con su interpretación de esa Elsa pícara, fabuladora, atrevida, simpática y vital se roba la película. Encantadora a los 83, está espléndida. Se nota el oficio de Carnevale en la dirección, que no descuida detalles, incluyendo la magia de este personaje que, si no fuera así, haría de Elsa una vieja insoportable y descabellada pero que tiene gracia y mucha ternura, además de ser una mujer con claroscuros, que no es siempre buena o mala. Es destacable también su mirada sin prejuicios para rescatar la idea del amor a cualquier edad, de una manera pura y sin caer en los estereotipos de la vejez.
Se apuesta a la simplicidad de una historia lineal y entretenida, donde el melodramatismo se evita con ritmo y humor. El espectador no recordará demasiado su final apresurado, sino que se quedará con los buenos momentos que la película le hace pasar.


Una película de tres episodios dirigidos por Antonioni, Soderbergh y Wong Kar Wai, con el erotismo como tema principal pero con extrema libertad como para que cada uno de estos grandes realizadores despliegue sus particulares estéticas y estilos.

El primero de los episodios es el del legendario Michelángelo Antonioni, "El filo peligroso de las cosas", que parte de un argumento mínimo: una pareja discute, él le reprocha su desinterés por el sexo y ella (Cloe) se molesta con la desmesurada importancia dada a ese tema. Un encuentro casual con otra joven exteriormente parecida a la primera (Linda), permitir  invertir los términos de la (in)comunicación y las palabras se reemplazan por un encuentro de los sentidos. El careo final entre ambas mujeres introduce de pleno al simbolismo del doble y sus opuestos complementarios: Cloe es el raciocinio, Linda la sensualidad.
Dando prioridad a la luz y al silencio, Antonioni acompaña el deambular de los tres personajes a través de todo tipo de espacios.El erotismo de la película se basa en un marcado despojamiento del cuerpo femenino reinserto en la naturaleza.

De los exteriores con cielos, nubes, mares y horizontes infinitos del territorio anterior pasamos a la atmósfera claustrofóbica del segundo relato, "Equilibrium", donde un ejecutivo perturbado relata a su analista un sueño erótico recurrente con una bella mujer. Ambientado entre los años 40 y 50, mezcla las sombras inquietantes del cine de esa época con toques de humor, donde el sicoanálisis participa de una especie de gag en el que un estrambótico siquiatra (Alan Arkin), antes que prestar atención al relato de su paciente, parece más atento a mirar con largavistas por la ventana del consultorio y a lanzar avioncitos de papel con destinatario desconocido.
La parodia opaca con su sonrisa al supuesto tema central del erotismo, y el todo conforma una historia más bien hermética que deja la sensación de un juego experimental.

Con su estilo barroco, unido a un delicado y particular halo de romanticismo, Wong Kar Wai presenta en el tercer episodio "La Mano", la historia de un sastre enamorado de una prostituta de alto nivel. Un amor no correspondido y marcado por la fatalidad, que irá afirmándose en el tiempo. El relato está trabajado potenciando su intensa concentración dramática con la precisión de un orfebre.
WKW usa desprejuiciadamente muchos recursos del lenguaje publicitario y de los videoclips, demostrando que pueden ser traspasados al cine, y no duda en acudir al uso enfático de la música para subrayar un determinado estado emocional. De exquisita factura, "La Mano" resulta una honda experiencia para los sentidos y la emoción.