La Segunda Guerra Mundial sigue siendo fuente inagotable de historias. En esta, basada en las peripecias del soldado alemán Willi Herold, se nos narra la deriva criminal de un soldado que, en las semanas finales del mayor conflicto bélico que ha conocido la humanidad, haciéndose pasar por un capitán de la Luftwaffe comete todo tipo de tropelías.
Cuando preguntado Spielberg por el blanco y negro con el que rodó La lista de Schindler, el americano contestó que “no era capaz de ponerle color al holocausto”. En esta cinta el director Robert Schwentke, también presenta una película en blanco y negro. No he escuchado sus razones, pero ayuda en la creación de una atmósfera tétrica, con la barbarie de unos personajes que ya con todo perdido, se embarcan en una locura asesina sin el menor sentido.
La perversión de la condición humana se nos muestra con toda su crudeza, un simple uniforme es capaz de darle a un demente el poder de asesinar a centenares de personas y pasar a la posteridad como El verdugo de Emsland. Todo en escasos días, y con Herold contando con tan sólo 19 primaveras.
La mecánica criminal del nazismo, con toda su burocracia, era capaz de alumbrar personajes que ascendían, o encontraban un mejor acomodo en el régimen dando soluciones drásticas a problemas complejos. Brocha gorda y sin miramientos. Como Adolf Eichmann, perfecto urdidor y organizador de la logística de las cámaras de gas, Herold se da pronto cuenta que el asesinato sistemático y calculado es lo que requiere la situación, y su nueva identidad. Estos personajes finalmente cayeron, dejando tras de sí muchas preguntas que al intentar aclararlas aún provocan polémica. Como le ocurrió a Hannah Arendt cuando publicó Eichmann en Jerusalén, intentar comprender el por qué se fue capaz de llegar a estos deleznables hechos no parece en absoluto trivial.

Patrice Laconte, cineasta francés de larga trayectoria, autor tras títulos notables como ‘El marido de la peluquera’ (1990), ‘La chica del puente’ (1999) y ‘El hombre del tren’ (2002) entre otros, compone en su último largometraje ‘Maigret’, una brillante adaptación del detective que inmortalizara en multitud de novelas el escritor Georges Simenon. El célebre comisario está en horas bajas. Cansado, inapetente, su icónica pipa forma ya parte del pasado. Una reliquia de otros tiempos que el protagonista observa con añoranza.

Porque ese es precisamente el tono que Laconte imprime a la cinta. La nostalgia como eje narrativo y visual, dejando impronta de autor capaz de esbozar imágenes absorbentes. París, década de los cincuenta. Una bellísima joven aparece acuchillada en mitad de una plaza. Ataviada con un elitista vestido, su identidad es una incógnita. Es lo primero que intriga al comisario Jules Maigret, al que da vida un espléndido Gérad Depardieu.

Las pesquisas sobre el caso le llevan a interesarse por jóvenes de provincias que dejan todo para adentrarse en la aventura parisina. Una búsqueda del sueño que para algunas puede acabar en pesadilla. Durante su escueto metraje (85 minutos de cinta), ‘Maigret’ presenta una urbe intrigante, de oscuros secretos. Una atmósfera crepuscular se cierne sobre la puesta en escena, secundando el estado físico del detective. Manteniendo el interés hasta el final, Laconte finiquita la trama sin alharacas ni golpes bajos.

Cine negro en el sentido más clásico, que supone una bocanada de aire fresco en un género demasiadas veces maltratado. Mención especial merece un gran Gérard Depardieu, inmiscuyéndose en el proceder de las víctimas y los sospechosos. Haciendo de la empatía hacia sus semejantes una virtud a la hora de desentrañar enigmas y vericuetos. Y de paso no olvidar a aquellas personas que el sueño de una vida mejor deja en el camino.

Escrito por Juan Pablo Martínez Corchano para http://rockandfilms.es

Una isla remota en la que suceden cosas extrañas y unos lugareños se mueven al ritmo marcado por rituales sectarios. Esta es la premisa de la que parte ‘El tercer día’, miniserie de seis episodios producida por HBO. En efecto a Jude Low le ocurren toda una serie de visicitudes en un islote frente a las costas del Reino Unido que periódicamente queda incomunicado por la subida de la marea. Aterriza en aquel lugar tras salvar a una adolescente que intentaba suicidarse mediante ahorcamiento en una zona boscosa. Al protagonista le va a resultar difícil volver al continente.

Probablemente ninguna propuesta ha explotado lo insólito de un enclave apartado como la serie de culto ‘Perdidos’, que creara entre otros J.J Abrams. La incertidumbre se abría paso capítulo tras capítulo para deleite de sus seguidores. ‘El tercer día’ arranca bajo unas hipótesis tan simples como misteriosas. Sin embargo, conforme avanza la trama, el suspense se va disolviendo como un azucarillo, pese a un guion que desmenuza sus secretos con tacañería.

Los inevitables giros argumentales presentan pocas sorpresas y un espectador avezado anda por delante de las mismas sin demasiado esfuerzo. La dirigen conjuntamente Marc Munden y Philippa Lowthorpe, el primero de los cuáles acaba de presentar en España una nueva adaptación de la novela de Frances Hodgson Burnett, ‘El jardín secreto’. Lo más interesante de la serie es su apuesta visual y sensorial.

Los directores roban oxígeno en secuencias dónde se impone el sofoco y una lograda sensación claustrofóbica, pese a encontrarse los actores a cielo abierto. El retrato de personajes busca con determinación lo estrafalario. Es la consecuencia lógica de un argumento que exhibe formas de vida alternativas. La de una comuna con jerarquías piramidales y creencias que coquetean con el ocultismo y lo exotérico. El resultado es un thriller psicológico algo desigual, que sigo siempre desde fuera, sin implicarme en la historia.

Pronto la olvidaré.

Escrito por Juan Pablo Martínez Corchano para http://rockandfilms.es

Para caracterizar la vida moderna en los países prósperos, aunque sólo se pretenda realizar un somero análisis social, hay que acudir al psicoanálisis. Nunca las consultas de los profesionales del estado mental han estado tan saturadas. Personas de todo pelaje y condición ven en la terapia (o la medicación antidepresiva) una salida para soportar las exigencias, reales o inventadas, del tiempo que nos ha tocado vivir. Richard Linklater, adaptando una novela de Maria Semple, presenta en ‘¿Dónde estás, Bernadette?’, uno de esos casos en que el cerebro humano muestra su lado indescifrable, indómito, y lo que es peor, esa parte de imprevisivilidad tan incómoda.

El problema radica en que Linklater lo ejecuta a través de una mujer, a la que da vida Cate Blanchett, cuyo tormento interior, sus dudas, sus agobios, que nutren una galopante fobia social, surgen de la nimiedad. No logra trascender en ningún momento. Ayuda poco una interpretación histriónica, una sobreactuación en toda regla con la que Blanchett logra ponerme de los nervios.

Esta mujer parece tenerlo todo. Una hija brillante, fruto de un matrimonio que no ha perdido el amor por el paso de los años, a lo que se añade una desahogada situación económica. Conforme ‘¿Dónde estás, Bernadette?’, va poniendo pistas sobre las causas de su extraviado juicio, más hilarante me resulta el planteamiento. La maternidad, el miedo al fracaso, una vocación largo tiempo abandonada y un entorno que siempre contempla desde la lejanía, desfilan en un despropósito narrativo.

Si como comedia es tan ligera, que apenas si parece una comedia, como melodrama invita a la risa involuntaria. Cuando la protagonista desaparece, hija y cónyuge emprenden una búsqueda tan grotesca como el resto de la película. A lo que secunda un desenlace más propio de cuento navideño. Y no al resultado de una reflexión profunda sobre lo enigmático de nuestro pensamiento.

Para su ópera prima, de título ‘Settlers’, el director Wyatt Rockefeller recurre a elementos presentes en gran parte de cintas con transfondo distópico: personajes ambiguos; poca concreción en la información del relato y un desarrollo de la trama que apela a la paciencia del espectador. Quizá por su cadencia y una graduación de los tonos zigzagueante, que no deja claras las intenciones del autor, como si el desolado paisaje deviniera en anarquía, la película exige paciencia.

La acción nos sitúa en Marte. En el planeta rojo, una pareja (Sofia Boutella y Jonny Lee Miller) vive en vilo junto a su hija de corta edad. Parecen defender a sangre y fuego el refugio que les aisla de un lugar inhóspito, todo un erial. La poca añoranza con la cuál se refieren a la tierra, denota una civilización agonizante, que vive sus últimos estertores. Unas pintadas amenazantes, “este lugar no es vuestro”, desata los acontecimientos.

Rockefeller muestra capacidad para hacer mucho con poco. Una producción justita abriga un entorno reducido a su mínima expresión, a partir del cuál se atisba gusto visual y maneras para apuntalar tensión. Apenas media docena de personajes desfilan en la cinta, albergando un reparto que cumple. Sofia Boutella destilando angustia, al tiempo que Ismael Cruz Cordova pone rostro libidinoso, exaltando bajas pasiones.

‘Settlers’ transforma un ejercicio de supervivencia al uso en cruel dicotomía. La que enfrenta los dictados de la razón con la fuerza incontrolable de los instintos primarios. El deseo sexual, los males del confinamiento, la soledad, falta de expectativas y demás dilemas vitales, crean una atmósfera de creciente incomodidad. Llegado el clímax, la propuesta bebe y hace guiños a títulos referentes del género, aunque no pierde personalidad. Aseado debut al que no le hubiera sentado mal, mayor concreción en alguna de sus premisas.

Escrito por Juan Pablo Martínez Corchano para http://rockandfilms.es