El elegante y afable Roger Willoughby (Rock Hudson) es trabajador de la sección de pesca de los almacenes Abercrombie & Fitch. Su trabajo es muy bien valorado por sus clientes al considerarle ducho en la materia. Pero nada más lejos de la realidad ya que utiliza los consejos de unos clientes para dárselos a los otros. Su farsa se empieza a tambalear cuando su jefe insiste en que debería representar a la empresa en un campeonato de pesca en el lago Wakapoogee. La relaciones públicas del evento (Paula Prentiss) y la hija del organizador descubren su mentira e intentarán por todos los medios ayudarle para que nadie lo descubra.

El director Howard Hawks de 68 años quería hacer con esta película su propio homenaje a su gran comedia Screwball: “la fiera de mi niña” de 1938. Los actores originales (Hepburn y Grant) no quisieron participar, pero consiguió que los actores Rock Hudson y Paula Prentiss hicieran igualmente un trabajo extraordinario.
El personaje de Willoughby avanza la historia aprendiendo a pescar y a tratar a las mujeres. Este segundo juego, el de conquistar a las mujeres, es la respuesta a la pregunta del título original de la película: Man's Favorite Sport?

El film cuenta con un guion ágil, rápido y libre de prejuicios con unos diálogos divertidos y con el siempre buen pulso narrativo de Hawks que apuesta por mostrarnos que los polos opuestos se atraen.
El realizador minimiza el componente romántico y sirve con, imágenes de archivo de dos trenes chocando, una metáfora visual del amor como algo que surge a través de los roces y de los choques constantes entre dos grandes fuerzas.

Como curiosidad estamos ante la última comedia de Hawks que finalizaría su carrera con los archiconocidos westerns crepusculares “El dorado” y “Rio Lobo” también homenajes de películas suyas. Por lo tanto, podemos decir que Hawks terminó su carrera autohomenajeándose y creando, por si la podríamos llamar así, esta “comedia crepuscular”

Henry Mancini resalta los gags y el tono humorístico con su banda sonora más que correcta y acompaña a un technicolor que hizo uso continuado Hawks en sus últimas obras.

- Martinetti: “Amigos, iremos a la huelga y ma... el que se quede atrás”

A raíz de un accidente laboral los trabajadores de una fábrica de Turín deciden reclamar ciertos derechos laborales. Con la llegada del profesor Sinigaglia (Marcello Mastroianni) estas protestas se vuelven cada vez más exigentes y acaban en una huelga mucho más cruda para ambos bandos: Trabajadores y Patronos.

El comité de los obreros formados por los carismáticos: Pautasso (Folco Lulli), Martinetti (Bernard Blier) y Cesarina (Elvira Tonelli) junto al irreverente Raoul (Renato Salvatori) deberán decidir si siguen las indicaciones del incansable profesor o ceden ante la escasez de alimentos y vuelven al trabajo.

Mario Monicelli, fue considerado uno de los maestros de la Commedia all'italiana. Sin embargo, en esta película se embarcó en un drama social y proletario con resultado más que satisfactorio.

El realizador nos muestra un veraz y duro retrato del mundo obrero italiano de finales del Siglo XIX. Acompañado por una serie de personajes de gran calidad que harán más creíble y compacto el relato, junto a una ambientación decadente y de pobreza que se hace patente en todo momento a través de la comida y de las casas deplorables, el director de fotografía Guiseppe Rotunno logra envolver todo este paquete de elementos en unas imágenes de atmósfera singular.

La huella y poso que dejó el neorrealismo en el cine italiano aun es palpable en “Los Camaradas” pese a ser un film alejado temporalmente de este género italiano.

La escenografía es impactante y muy realista. La crudeza de la situación es palpable desde el principio de la película y servirá para introducirnos en el estado tan lamentable en el que vivían muchas familias en esa época. “Los Camaradas” narra lo que sería la semilla de los posteriores movimientos obreros de Italia y en concreto del conocido Bienio Rosso.

Como aspecto negativo es posible que pierda fuelle en el ritmo e incluso se vuelva áspera en algunos momentos. Pero son defectos que permanecen en segundo plano por el excelente guion que fue nominado al Oscar ese mismo año.

Como anécdota cabe reseñar que a pesar de la buena repercusión que tuvo en Europa (varios premios internacionales y la citada nominación a mejor guion original) fue una película donde no se permitió su estreno en algunos países (incluidos España) porque se consideraba "peligrosa" por su contenido izquierdista.

Es por ello por lo que escuchamos frases en la película que no se hubieran permitido en un doblaje en la época franquista, pero si a partir de la muerte del dictador y el reestreno de películas vetadas. Un ejemplo de estas frases sería con la que hemos iniciado este escrito.

- Laurent: “¿Sabes bailar?”
- Teresa: “No, yo solo sé hacer cosas tristes”

Teresa (Simone Signoret) lleva una vida gris y monótona bajo el paraguas protector de su cobarde e hipocondríaco marido Camille (Jacques Duby). Cuando un musculoso camionero (Raf Vallone) entra en la vida de Teresa las cosas no volverán a ser nunca igual.

Dicen que el creador del realismo Poético es Marcel Carné. En esta película el realizador francés demuestra con gran autoridad la legitimidad de esta frase a través de una adaptación de una novela de Emile Zola que ya había sido adaptada al cine en dos ocasiones más.

Pese a ser una película tardía podemos englobarla dentro del Realismo poético francés que tantas buenas películas nos dio. En esta ocasión Carné dota a la historia de su característico estilo lírico y fatalista que encajaba perfectamente con el estilo de las novelas de Zola y su “naturalismo literario”.

Pese a ser una película olvidada durante la nouvelle vague fue descubierta de nuevo en los años 80 por Truffaut.

El film nos expone la historia de un amor ilegítimo. Un intríngulis donde se analiza a los personajes a través de sus ambiciones, frustraciones, sentimientos y limitaciones vitales.

Un melodrama sombrío con una solvencia excelente en las imágenes y puesta en escena.

La gran caracterización de los personajes nos hace vivir su propia realidad.

Simone Signoret hace un papel espectacular y nos regala miradas tristes de gran valor interpretativo, encerrada en una cárcel donde todos los pasos de su vida han sido monitorizados y no decididos por ella.

Acompaña su gran interpretación junto Raf Vallone el nuevo Burt Lancaster Italiano, que en palabras de Teresa: “es fuerte, es libre y solo piensa en él, y lo que le gusta lo quiere enseguida”

La estética remarca mucho la angustia vital de estos personajes. Casi todo sucede en interiores por lo cual tiene una atmósfera bastante claustrofóbica en un blanco y negro de la mano del director de fotografía Rogert Hubert.

La película se alzó con el León de plata en el festival de Venecia de 1953, estamos ante un film poderoso y muy valorado por otros realizadores como Kurosawa o del que aprendieron mucho, como Antonioni.

La película me parece un claro ejemplo de film en el que el director abusa de ciertos elementos técnicos.

1. Es cierto que la canción principal es un leitmotiv cojonudo para la pelicula y de hecho consigue atraparnos pero el uso indiscriminado de la cámara lenta me quita en cierta manera el empalme inicial

2. A mi gusto también abusa mucho de los planos cortos y se olvida de planos panorámicos que nos den una perspectiva más global del contexto situacional.

3. No sé si lo hace a posta pero es dificil seguir el guión y las escenas no sabes si es en el mismo momento, ya han pasado, van a pasar o son 5 minutos después, es un recurso bueno pero no si lo haces durante toda la película

En el marco de la tercera guerra de independencia italiana, Livia Serpieri, una condesa veneciana, se enamora perdidamente de un soldado del ejército invasor austríaco, el teniente Franz Mahler. El idilio pasará a otra fase con el inicio de la guerra.

Luchino Visconti se decide a dejar de lado el neorrealismo de sus tres primeros films (Obsesión, La Tierra Tiembla y Bellísima) para adentrarse en una peli muy personal. El también director de óperas quiso con "Senso" mezclar sus dos grandes pasiones: las óperas y el cine.

Visconti adapta con sumo detalle la novela homónima de Camillo Boito. Una novela que como muchas otras novelas, óperas y películas se inspiran en el resorgimento italiano como momento cumbre para toda una nación.

La película inicia densa, recargada, ornamentada y barroca, como si de una ópera se tratara. Utiliza un vestuario, decorado y figurantes de gran valor artístico. La relación amorosa se nos explica hablada pero perfectamente podría ser cantada como en una ópera.

Su fuerza pasional y su elegante puesta en escena, así como su fotografia y colores, constituyen la envoltura idónea para las pasiones humanas que nos plantea Visconti.
Se nota la mano de Tennesse Williams que colaboró en el guión en este melodrama de época, que constituye un estudio acerca de la capacidad de destrucción de la pasión sexual. El amor no correspondido es la esencia de toda la pelicula.

Tanto Alida Valli como Farley Granger, más que correctos en la encarnación de unos personajes muy difíciles de interpretar.

Como anécdotas:

- Visconti tenía en mente a Ingrid Bergman y Marlon Brando para los protagonistas, pero Ingrid Bergman estaba entonces casada con el director italiano Roberto Rossellini, que no le permitía trabajar para otros directores.

- Martin Scorsese beberia de esta película cuando en 1993 realizó "La edad de la inocencia".