Como ya sucediera en su anterior filme Mulholland Drive, se intuye que el tema principal son los celos y las personalidades atormentadas. “A woman in trouble” reza el subtítulo de la película. Pero ¿quién es esa mujer en problemas? ¿La Susan Blue que vive en una casa de ensueño con mayordomo incluido? ¿Esa misma Susan Blue que consigue un papel para una película “maldita”? ¿O es Nikki Grace la mujer atormentada quien realmente protagoniza Inland Empire? ¿Y qué me dicen de la joven polaca (interpretada por la hermosísima Karolina Gruszka) que aparece a lo largo del film llorando frente a su aparato de televisión y a la que llamaremos “Lost Girl”?
Nikki (Laura Dern) parece atrapada en un mundo que no es el suyo. Pero entonces ¿de quién es ese mundo? Personalmente, creo que la verdadera protagonista del film es “Lost Girl”, una joven polaca que está viendo una película americana en la TV, una película que le hace llorar porque le recuerda a su vida, una vida ciertamente desgraciada, con algún trauma marcado por la infidelidad, el embarazo no deseado (el marido polaco es incapaz de engendrar) y, ¿quién sabe?, un crimen pasional. “Lost Girl” era una prostituta (de ahí que Nikki pregunte a las prostitutas eso de: “Miradme y decidme si no me conocíais”) que se queda embarazada. Su marido la abandona y ella vive atormentada. Al mismo tiempo tenemos al “fantasma” polaco, su chulo, que la sigue por todas partes, la maltrata y al que ella se ve incapaz de enfrentarse. Pero Nikki sí, Nikki es una mujer llena de rabia que coge un arma y se enfrenta a sus fantasmas. Así, Nikki Grace aparece como la heroína de la chica polaca (“Lost Girl”).
Pero entonces ¿por qué da tantas vueltas la historia protagonizada por Laura Dern? Sigo pensando que es lo que la polaca ve reflejado en su televisor, ella ve todos los posibles resultados, los finales posibles dependiendo del camino que elija la protagonista en cada caso. Al principio de la película, el personaje interpretado por Grace Zabriskie (la madre de Laura Palmer) nos da unas cuantas pistas al respecto. En su misteriosa y bizarra visita al dulce hogar de Susan Blue suelta cosas como: “Un niño salió a jugar. Al atravesar la puerta causó un reflejo, y de ahí nace el mal. La historia puede tener variaciones: Una niña fue al mercado, no dentro, detrás, por el callejón está la entrada al palacio”.
Otra explicación bastante convincente sería una "variante" de la anterior teoría, podría ser que la chica polaca no fuera una prostituta al uso, sino que ella se siente como una y como vemos a través de su mente lo vemos plasmado a través de prostitutas y sería un sentimiento de culpa por engañar a su marido. Por otro lado, el supuesto chulo, que quizá no sea un chulo sino su miedo, su fantasma (de hecho, en los títulos de crédito Krzysztof Majchrzak, el actor que encarna a este personaje, aparece como "Phantom" y no como el chulo), lo que le recuerda al engaño que le hizo a su marido, representaría un personaje simbólico.

Algunos comparan "Mulholland Drive" con "Lost Highway". Básicamente ambas películas tratan sobre el mismo tema: un crimen y las sorprendentes reacciones psicológicas que pueden producirse ante la imposibilidad de afrontar la cruda realidad. Pero creo que "Mulholland Drive" añade un elemento dramático ausente en "Lost Highway". En ésta, Fred Madison no llegaba a ser totalmente consciente del crimen que ha cometido y, por lo tanto, tampoco manifestaba claramente sus remordimientos (la perturbación causada por mistery man es lo único que podría reflejar su sentimiento de culpa, rabia, celos...).
Sin embargo, Betty/Diane (Naomi Watts), la prota de "Mulholland Drive" despierta de su delirio y es perfectamente consciente de lo que ha hecho y ante el sentimiento de culpa... pasa lo que pasa. Ese sentimiento de culpa se manifiesta también durante su "fuga psicogénica" en varios momentos, pero el más intenso es aquél en el que Betty y Rita acuden al surrealista espectáculo de teatro, el Club Silencio, ("No hay banda, no hay orquesta. Es todo una grabación"). Y el momento en el que ambas lloran al escuchar la canción de desamor es de las escenas más intensas que he visto en un film últimamente (¡estremecedora!). Pues eso, que el sentimiento de culpa de Betty/Diane le añade a la película un toque de dramatismo brutal que hace, desde mi modo de ver, que éste sea un filme un poco más completo y mejor que "Lost Highway".
Aparte de todo esto, otras claves a interpretar: los abuelitos siniestros que persiguen a Diane son una representación de sus remordimientos por haber matado a Camila. Estos abueletes la persiguen al final de la película atosigándola y aterrorizándola hasta que ella no lo puede soportar más y se suicida. El Cowboy sería el vínculo de conexión de los pensamientos y delirios de Diane con la realidad pura y dura. El vagabundo sería una representación del crimen cometido, del que tal vez haya sido testigo ese pobre hombrecillo que dice haber soñado con un monstruo que salía del callejón de atrás del Winkie's... En fin, un puzzle que hay que ir encajando pieza por pieza.

Precisamente uno de los aspectos más atractivos del film radica en la humanidad demasiado humana de los seres artificiales; esa paradoja fundamental que nos hace llegar a la conclusión de que «lo artificialmente producido –los replicantes Nexus 6– es precisamente nuestro vínculo más directo e irremediable con lo natural: la conciencia de la propia finitud» (Fernando Savater).
Ridley Scott, alejándose de la novela, consigue que el espectador simpatice con los replicantes, esos criminales carentes de identidad propia, dotados de falsos recuerdos, desprovistos de pasado y futuro ya que su fecha de caducidad es de tan solo 4 años. Pero no solo es el trasfondo dramático de la “existencia” del replicante lo que hace que nos sintamos claramente identificados con el modelo Nexus 6, además, la logradísima ambientación que impregna todo el metraje coadyuva a que ello sea así. Scott nos presenta un futuro opresivo, un 2019 muy próximo, caótico, en el que la ciudad de Los Ángeles es el reflejo de un inframundo cuyo sólo planteamiento como hipótesis resulta insoportable. Un futuro descrito así precisamente con la retorcida intención de destruir las utopías de nuestro presente. Blade Runner es una visión perversa del porvenir que, si bien no es nueva en el mundo de la literatura (“1984” de George Orwell, entre otros) sí es su manifestación más contundente vista hasta la fecha en celuloide (Alfonso Cuarón se marcó un tanto con su adaptación de la novela de P. D. James “Hijos de los hombres” volviendo a presentarnos otro futuro desalentador).
Los Ángeles caótica y nocturna, con su lluvia ácida, devastada por la superpoblación, su estética punk, las influencias orientales y las connotaciones filonazis de la Tyrell Corp. (el propio Tyrell parece un agente de la Gestapo, las proporciones ciclópeas de la pirámide Tyrell, la ropa de Rachael –bella e inquietante Sean Young–, etc), por no hablar de la estética cien por cien aria de Roy Batty (Rutger Hauer).
No hace falta apuntar algo obvio: la unanimidad por parte de crítica y público en situar la versión de 1982 muy por encima de la Director’s cut de 1992, principalmente por el final, pero también por la incomprensible eliminación de la voz en off.
Ya para acabar, no deja de ser anecdótico el hecho de que Blade Runner recibiera durísimas críticas en su día por parte de cinéfilos y frikis, ya que es innegable que la obra maestra de Ridley Scott es hoy un film de culto, referente inevitable en el género dela ciencia-ficción y, seguramente, la película que más tempranamente recibió el calificativo de «todo un clásico».